Ojeras de Rock

Después de diez años de música, la banda de rock Ojerosa coronó su recorrido con la grabación y edición de ¿Quién baila?, disco potente que los sitúa en la continuación de la línea más rockera de la música argentina. Con buenos ensambles rítmicos y grandes arreglos de guitarra, lograron canciones fuertes que amparan con soltura la búsqueda letrística que no piensan nunca dejar librada al azar. El disco se grabó de manera independiente en 2013 con producción artística de Rubén Mederson y se presentó durante todo el año en la Ciudad de Buenos Aires. Marcha entrevistó a Alejandro Falcone, voz cantante de Ojerosa, antes del recital de hoy en La Plata.

-¿Cómo se gestó el disco después de diez años de estar tocando?

-El disco salió como una necesidad natural de la banda de plasmar las canciones que veníamos interpretando hace tiempo en un formato serio y con una buena calidad de sonido. Fue un escalón más en el camino hacia un mayor profesionalismo: veníamos de grabar dos demos y nos pareció que éste era el paso siguiente. Teníamos también la necesidad de encontrarnos con ese desafío que implica meterse en un estudio a grabar algo que va a quedar para siempre.

-¿Cambió en algo el funcionamiento del grupo?

-El funcionamiento de la banda cambió –para bien, por suerte- más que nada en la mecánica de laburo. Implicó encontrarse con una nueva faceta de un instrumento como es la grabación. El estudio te permite obtener una gama de matices que en vivo son distintas y no tan accesibles. Tuvimos seis meses de preproducción, arrancamos con 16 canciones y terminamos con diez. Hasta llegar al producto final, se van tomando decisiones, se priorizan alternativas, y en esas elecciones uno se va definiendo. El grabar nos permitió encontrar, definitivamente, nuestra identidad, encontrarnos musicalmente. 

-“Poquito a poco”, corte de difusión, establece los anhelos y posiciones que parecerían mostrar este “caminar poco a poco” y con el “corazón por delante de las ideas” planteado por la banda de la banda…

-Exactamente. Se eligió como tema de difusión porque es una canción que refleja fielmente lo que es Ojerosa y lo que pretende ser. Tiene un ritmo musical bailable con una letra bien definida que representa lo que formamos como colectivo. Somos un grupo de amigos devenidos músicos que entiende que el rock en castellano tiene mucho para decir,que existen ciertas realidades impuestas con las que no estamos de acuerdo y estamos dispuestos a dar batalla. Es en este exceso de racionalidad reinante donde ponemos el freno de mano y elegimos poner el corazón delante de todo.

-En las letras se percibe que nada está dicho al azar, ¿cómo es este camino creativo?

-Para nosotros las letras son un pilar fundamental de nuestra música. Venimos de la escuela que entiende que el rock nacional no sólo es una fusión de géneros musicales sino también  un instrumento de lucha. El rock siempre habló, siempre contó nuestras verdades, aun cuando nos quisieron acallar una y otra vez. Es por este motivo que, como ciudadanos de Latinoamérica y como músicos, creemos que debemos poner especial cuidado en lo que cantamos, que en nuestro caso es en lo que creemos también. Cantamos lo que pensamos y por eso intentamos tener cuidado en las letras, que sean fieles con nuestras convicciones. Generalmente, soy el encargado de componer las canciones. Defino una melodía y una letra y busco unos primeros acordes que sirvan de referencia. Después en el ensayo entre todos le damos la impronta ojerosa. A veces queda la armonía original, a veces no, depende de los caprichos de cada canción.

-Escucharte cantar remite al estilo de músicos como Ciro Martínez, Alejandro Sokol, el Indio o Ricardo Tapia. Al mismo tiempo vienen de la escuela de Joe Cocker, ¿tomaste algo de ellos?

-Me hacés poner colorado. Todos los que nombraste son referentes míos. Me defino como piojoso y ricotero así que no puedo escaparles a esos dos cantantes fenomenales nuestros. Sin embargo, siempre intenté buscar mi camino. Por eso me gustó llevar ciertas melodías para el lado del blues y esa intención un poco más rota. No cabe duda de que en el último tiempo Ricardo Tapia se convirtió en un referente máximo, como músico y cantante. A medida que uno va descubriendo que su vocación es la música, abre puertas que en otro momento se encontraban cerradas. Por eso también aparecen Gustavo Cerati, el Flaco, Charly y los maestros de la primera época, los Stones, los Beatles, Eric Clapton y todo ese hermoso grupo de genios.

-Hay temas rockeros, como “Muleta sucia” y otros bailables, como “Quilombos y princesas”. ¿Te parece que hay una tradición rockera en la que apoyarse, como pasa con otros géneros como el tango o el folklore?

-Sin lugar a dudas somos orgullosos estudiantes de la escuela del rock nacional. Nosotros primero fuimos admiradores de nuestro rock, de nuestro folklore y solo después intentamos ser intérpretes. Si bien es cierto que el folklore no se encuentra tan presente en nuestra música, supo acompañarnos en todos nuestros procesos de formación.

-En las canciones “Hervididita” (¿o es “Hervidita”?) y “Nene digital” hay un gran funcionamiento entre la guitarra, la percusión y el saxo. ¿Por qué incorporaron esos instrumentos que no son tan habituales en el rock?

-Se llama “Hervididita”, me gusta inventar palabras y que la RAE me cague a puteadas. Cuando armamos la banda no dudamos en repetir  la formación de nuestros máximos referentes hasta ese momento, que eran Los Redondos. Años más tarde, por cómo venían transformándose las canciones, se hizo necesaria la incorporación de un percusionista. Tanto el saxo como la percusión permiten una versatilidad que a nosotros  nos divierte mucho. De hecho, el saxo es tan protagonista en muchos temas como la guitarra y la voz. La percusión viene más que nada del candombe y la murga,y de la fusión de géneros que entendemos constituye la esencia del rock nacional.

-Hay muchos personajes en las canciones. ¿Son personajes de la ciudad? Digo por el “Nene digital”, el “Licenciado Pesutti” o “Muleta sucia”. ¿Son reales o son personajes genéricos de la ciudad?

-La ciudad, y en especial la ciudad porteña, constituye el microclima en el que nos desenvolvemos. La ciudad es el ángel y el demonio, tiene cosas maravillosas y cosas que alteran hasta al más pacífico. En esa ambivalencia es que nos movemos y eso tiene mucha repercusión en nuestras canciones. En la ciudad se pueden ver los polos más ricos como también se ve la pobreza a la orden del día. Se ven los espectaculares edificios como los barrios humildes, marginados por la sociedad. Se pueden ver los maravillosos espacios verdes como también los embotellamientos las infernales, colas… Padecemos la ciudad, pero también la disfrutamos. Creo que eso es lo que intentan reflejar las letras y son esas contradicciones a las que intentamos dar batalla.

-El disco está subido a Bandcamp, puede ser bajado por quien quiera escucharlo de manera gratuita, ¿por qué decidieron ponerlo a disposición en lugar de que sea sólo para la venta?

-Nosotros creemos en la libre transmisión de la información. Nos parece un concepto colectivo y solidario con el que estamos profundamente de acuerdo. Por otro lado, somos una banda independiente que se autogestiona, por lo que cada peso que entra por un disco nos sirve y mucho. Por eso todos pueden descargarse gratuitamente el disco y si quieren colaborar, bienvenido sea. Y, por supuesto, ¿Quién baila? se puede conseguir en cada uno de los shows.

-En YouTube hay una grabación con Hugo López, de La Colifata, quien además es protagonista del video de “Poquito a poco” y autor de “Soy malo”, ¿qué relación tienen con ellos?

-La idea de Hugo López surgió de la gente de Kaplan Producciones. Ellos hicieron el video y tenían contacto con Hugo a través del periódico MU, de la Cooperativa La Vaca. Cuando nos plantearon la posibilidad nos pareció fenomenal. La figura de Hugo era ideal para nuestro video, por todo lo que representa “La Colifata” y lo que queríamos que representarael video de “Poquito a poco”. Tiempo después, grabando el video de “En honor a vos”, nos volvimos a encontrar con Hugo y ahí, espontáneamente,salió cantar un tema de él. Me dijo: “Tengo canciones conformistas; en vez de canciones de lucha, canciones conformistas”. Cómo negarse a cantar una canción conformista.

-Para noviembre sale su nuevo EP de la banda, ¿encontraremos nuevos rumbos allí?

-Sí, vamos a sacar tres temas acústicos. Todo este año estuvimos tocando de manera acústica y encontramos allí un formato que nos gustó mucho. Como íbamos a grabar el segundo disco en septiembre, pero se terminó retrasando, nos ganó la manija y nos metimos en el estudio a grabar estos temitas que nos gustan mucho. Va a haber dos temas nuestros y un cover muy lindo.

-Se presentan el 17 de octubre en La Plata. Ya tocaron en otras ciudades del país. ¿Cómo encaran esta fecha?

-Todo este año y el año pasado estuvimos girando mucho, por suerte. Pudimos recorrer bastante. Estuvimos en Navarro, Lobos, Chivilcoy, Santa Fe, Paraná, Máximo Paz. En todos estos lugares fuimos recibidos de manera muy grata. Es la primera vez que vamos a la ciudad de las diagonales, cuna de artistas si las hay. Es una fecha muy importante por ser la primera vez que visitamos La Plata y porque vamos a estar compartiendo escenario con Científicos del Palo que son una banda que admiramos mucho. Ojerosa está integrado por Ale Falcone en voz, Guido Donato en guitarra, Ramiro Vulijscher en bajo, Juan Sevlever en saxos, Nicolás Petrungaro en batería y Pedro Lipovetzky en percusión.