Por César Saravia Fotos Corredyle Prensa

¿Son realmente nuestros los sueños? ¿Quién sueña por nosotros cuando soñamos?
Estas y otras preguntas atraviesan Nosotros (el remate final), la obra de objetos presentada por Cuerda Floja Teatro, que expone las relaciones laborales y emocionales dentro del capitalismo de plataformas, y el modo en que este sistema produce nuevas subjetividades.

El protagonista, Eduardo, es un inversor inmobiliario y coach que encarna la promesa de la superación personal y la utopía (o distopía) capitalista. A través de él, la obra nos interpela: ¿cuánto de ese sueño es propio, y cuánto nos ha sido impuesto?

La obra combina objetos, títeres, máscaras y proyecciones en una puesta que tiene algo de futurista y algo de distópico. La iluminación y los dispositivos escénicos construyen un clima tenso, donde se enfrentan la dominación y los gestos de resistencia, un pasado que resiste y un futuro que amenaza con devorarlo todo lleno de ambición.

Protagonizada por Leo Volpedo y Javier Swedzky, Nosotros (el remate final) transita entre la fábula y la denuncia, con una mirada crítica y poética sobre el modo en que el capitalismo ha colonizado incluso nuestros sueños. Una obra que no solo busca describir, sino inquietar. O mejor dicho, hacernos despertar.

Se presenta todo los viernes de octubre a las 20 horas.

Centro Cultural de la Cooperación sala Leónidas Barletta –

Avenida Presidente Roque Sáenz Peña 943 – CABA

Ficha técnica

Actores 

Javier Swedzky ( Paloma y Oso) @javierswedzky
Leonardo Volpedo (Eduardo y Paloma)

Diseño de Escenografía: Laura Cardoso @lauric_zone 

Diseño de Espacio y Luces: Adrian Murga @murga70 

Diseño de Vestuario: Laura Cardoso

Música: Leonardo Volpedo @leovolpedo 

Dramaturgia y dirección: Leonardo Volpedo

Producción: Cuerda Floja Teatro

Duración del espectáculo: 50 min

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Por César Saravia 

El pasado martes dos de septiembre se estrenó: La calle está llena de gente inmortal, en la sala NüN Teatro Bar, del barrio de Villa Crespo. 

Se trata de un unipersonal protagonizado por Sharon Luscher, con dramaturgia de Natalia Anselmi, en la que el presente y pasado dialogan desde el cuerpo y la escritura como forma de interpelar el tiempo. 

La obra retoma los escritos del diario íntimo de Vilma, una jubilada durante el menemismo que encuentra en la escritura una forma de batallar contra el olvido. 

A nivel puesta de escena, la obra cuenta con dispositivos escénicos que facilitan una búsqueda corporal de la actriz por habitar un cuerpo futuro. Se trata de un dispositivo en que destaca, en palabras de la directora, un intento de separar los lenguajes, un vínculo de no correspondencia entre lo sonoro y lo visual, utilizando el collage y el distanciamiento brechtiano como referencias compositivas.

La actuación de Sharon destaca en registros amplios, que permiten empatizar rápidamente con Vilma, apoyándose de soportes digitales y sonoros, que habilitan el diálogo entre pasado y presente, pero también entre otros géneros, como el cinematográfico. 

Traer y ver esta obra en el actual contexto, en que los jubilados nuevamente ocupan un lugar central al frente de la lucha contra el ajuste y la precarización de la vida, es fundamental. Es en ese terreno de memoria de lo público donde emergen figuras como Norma Plá, quien va a tener un impacto clave en la vida de Vilma, que son también la historia de la resistencia del país y de su clase trabajadora. Esta obra, señala Natalia Anselmi, se enmarca en una comprensión del rol de la cultura: amplificar la vida e invocar y ejercitar el músculo de la memoria colectiva.

Ficha técnico artística

Idea Original:
Paula Illane
Dramaturgia:
Natalia Anselmi
Actúan:
Sharon Luscher
Voz en Off:
Irene Desperes
Diseño de vestuario:
Cecilia Zuvialde
Diseño de escenografía:
Cecilia Zuvialde
Diseño sonoro:
Facundo Coria
Visuales:
José López Ruano
Diseño De Iluminación:
Jessica Tortul
Fotografía:
Verónica Zacayan
Diseño gráfico:
Nicolás Mauro
Mastering De Audio:
Lucas Forte
Asistencia de dirección:
Alejandro Agustin, Macarena Orueta
Supervisión dramatúrgica:
Ignacio Bartolone
Diseño de movimientos:
Macarena Orueta

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Por César Saravia/Fotos Prensépolis

Durante julio y primeros días de agosto se presentó en Argentina (dos funciones en Buenos Aires y una en Córdoba) Queerass(é): Acto 1. Cánticos de un cuerpo sin género, protagonizada por Mau Cugat, quien vive en Francia y que aprovechó su paso por el país para mostrar parte de su trabajo.

La segunda función, en Nos en Vera (Vera 1350, CABA), una sala ubicada en el barrio de Chacarita. Al fondo, en una sala en el galpón, con una disposición circular que facilitaba la cercanía, se desplegó la obra en la que la artista hizo gala de un despliegue de recursos corporales, con registros que combinan elementos de la danza, el circo, el teatro, la poesía y hasta las artes plásticas.

Se trata de una obra profundamente sensitiva, en donde lo visual trabaja para generar una experiencia que te mantiene todo el tiempo en un estado de atención y asombro. La actuación se desenvuelve debajo de un anillo circular de luz, valiéndose de dispositivos escénicos mecánicos, del que participan personas que acompañan este despliegue.

Pero la experiencia no solo pasa por lo visual, también se genera un juego sonoro bien trabajado que permite en algunos momentos una experiencia fragmentada del texto que la artista declama al inicio de su intervención. A modo de manifiesto de un cuerpo que se libera, un cuerpo que deja de ser atadura, un cuerpo frágil, a decir de Sara Ahmed, un nombre que no define “No soy mi nombre y tú no eres nadie”.

Ficha Técnico Artística

Creación y performance: Mau Cugat

Colaboración musical: Germán Caro Larsen, Milo Cabezas (Argentina)

Colaboración iluminación: Yann Le Roux

Producción: Les Thérèses

Producción gira: Florencia Schrott

Prensa: Prensópolis

Duración: 45 min

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Por César Saravia

¿Quién decide sobre la libertad de una persona? En tiempos en donde la objetividad de la justicia aparece cuestionada a todos los niveles, la obra EXPEDIENTE, escrita y dirigida por Emilse Díaz, abre esta pregunta.

Más allá de la corrupción, la instrumentalización política y el crimen organizado, fenómenos conocidos por todxs, existe algo en la estructura del sistema penal que en si mismo habilita el error: la verdad no siempre es comprobable. A partir de la estructura de un expediente real, sobre tentativa de homicidio, EXP nos muestra con sátira e ironía, pero también dramatismo e intensidad, cómo la justicia opera también como dispositivo de dominación.

Se trata de una obra con fuerte impronta kafkiana en donde los personajes son varios pero con una trama centrada principalmente en 3. El imputado, la Ujier y el relator. Las actuaciones de Julián Vilar y Flor Danza, quienes protagonizan la obra, son sobrias, logran mantener un registro actoral constante que transmite la monotonía de procesos burocráticos.

El montaje de la obra fue un proceso que se inició en pandemia, pero comenzó a gestarse en el 2019 financiada por la beca creación del Fondo Nacional de las Artes. Durante el 2020, comenzó la construcción de una dramaturgia acompañada de pruebas, con el actor Julián Vilar y el asesoramiento de un equipo creativo, nos cuenta la directora Emilse Diaz.

El lenguaje burocrático propio de los procesos judiciales, no solamente las causas penales, acercan al público a una experiencia concreta y cotidiana. Destaca de esta obra el uso de elementos audiovisuales que generan un diálogo con lxs actorxs y permiten profundizar en el expediente, resaltando hechos propios de la investigación y testimonios, algo que le aporta dinamismo a la estructura tradicional de una causa penal, cargada de solemnidad y formalismos, muy lejanos al lenguaje que utilizamos en el día a día.

Los registros actorales son bien logrados y claves para mantener la atención y el interés de lxs espectadorxs. En esta obra, el público no hace las veces de mero observador, sino que también es invitado a cuestionarse y tratar de deducir, ¿quién dice la verdad?

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Idea y dramaturgia: Emilse Diaz

Actúan: Julián Vilar y Florencia Danza

Voces en off: Bárbara Togander, Emiliano Diaz, Juan Manuel Echave, Gustavo Lucero, Alejandro Ini, Ingrid Pelicori, Marcela Ferradas, Horacio Peña, Percy Jiménez, Francisco Civit, Silvia Hilario, Karina Antonelli, Flor Calvo, Emiliano Ramos, Hernán Barraque, Luciana Serio y José María Barrios Hermosa.

Sala: NoAvestruz (Humboldt 1857, Palermo – CABA)

Funciones: Viernes a las 20hs

Entrada: PROMO ESTRENO es de $ 2.000, con descuentos a estudiantes y jubilados a $ 1.700  y pueden adquirirse por Alternativa.

Duración: 65 min

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Una nueva temporada de la obra Mientras Sea Hoy, No! se está presentando en el espacio Tole Tole (Pasteur 683) los domingos a las 19 horas. Marcha estuvo en el estreno y conversó con la actriz y directora Belén González para saber cómo se perfila este mes de presentaciones.

Mientras sea hoy, no! es una obra que abre a un montón de preguntas para que queden resonando en la cabeza de los espectadores y las espectadoras. El tema que recorre las cuatro escenas que se presentan en la obra es la violencia en sus diferentes expresiones. Desde el maltrato explícito hacia la mujer, hasta cómo se reproducen, a través de diferentes patrones como la culpa, algunas violencias que existen en esta realidad que, a la vez, es en la cual transcurre la obra. La actriz y directora Belén González cuenta que muchas veces estamos acostumbrados a ver violencia y hay muchos prejuicios incluso sobre quienes reciben violencia: “Pensamos ´¿Cómo puede pasarle eso?´ o ´¿Cómo no se defiende?´. Eso se ve sobre todo en la segunda de las escenas. Es una cuestión social que se está tratando de cambiar. Tiene que ver con mostrar eso”, reflexiona González.

La segunda escena se llama “Si tengo suerte” y es una adaptación de una obra que pertenece a la escritora y dramaturga argentina Griselda Gambaro. “Nos pareció interesante la obra, pero queríamos incluir algo que no se comenta tanto que es la violencia entre las parejas homosexuales”, cuenta Belén. De esta manera, la obra cuenta sobre un chico que va a la casa de su amiga en búsqueda de ayuda porque su novio lo maltrata. De esta manera, la obra logra romper con todos los estereotipos típicos de los hilos narrativos de los dramas en ficción.

Belén González y Mauricio Blumetti son quienes le ponen el cuerpo a “Si tengo suerte” y es particularmente una escena que genera risas entre el público. “Creo que tiene mucho que ver el hecho de que se muestre todo sin filtro. A veces está muy naturalizado el ver violencias y lo interesante es que la gente se ríe porque remite a esa mirada de prejuzgar a las víctimas de violencia que muchos tenemos o conocemos alguien que tiene. Eso de pensar por qué no se defendieron, de culpabilizarlos o culpabilizarlas. Justamente lo que muestra la obra es esto, como siempre se busca al culpable en la víctima”.

Dirigir en teatro independiente tiene la particularidad de contar con poco presupuesto y por eso es elemental contar con un equipo que tenga ganas de trabajar, mejorar y poner mucha energía para ensayar y conseguir la utilería. En la obra participan 6 actores y un director y Belén cuenta que fue un gran punto a favor el haber podido mantener el equipo que viene trabajando desde el año pasado, cosa que suele ser difícil porque cada uno tiene además sus otros proyectos y sus trabajos.

Con dos escenas escritas por Mauricio Blumetti especialmente para esta ocasión y las otras dos elegidas en el camino de mostrar diferentes violencias y teniendo cuidado de no dejar de lado la lucha que hoy en día llevan las mujeres. Las luces ayudan a construir las escenas que, combinadas con el sonido y la calidez e intimidad que permite la sala, logra que la obra atraviese las subjetividades desde la reflexión y la autocrítica.

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