Excursionistas es ideal para que suene al volver del trabajo, cuando viajas en un vagón a punto de explotar y buscas deseos por un escape de la realidad. ¡Sorpresa! Excursionistas habla de la realidad y las realidades de una sociedad convulsionada y presurosa. Lo hacen desde una mirada sensible y cruda, poética e inmediata. La lírica de sus canciones está acompañada por melodías urgentes de guitarras rabiosas, teclados que invitan de inmediato a hacer palma palma y la percusión que marca el ritmo justo para mover la patita. 

Blues, rock, punk, garage. Todo emerge en “La sangre en el ojo”, su segundo disco larga duración, que además de temas propios incluye covers que no pasan desapercibidos: Reina Morena, de Gualicho turbio, y las versiones en español de Solo el señor lo sabe bien, de Beck y Gloria de la gran Patti Smith. Grandes lujos de este trío que da pelea en el ascenso de la escena under de Buenos Aires y que se recomienda ver en vivo, al menos, una vez. El composé de la puesta en escena y su catártica performance sobre el escenario, envuelve nuestro cuerpo y lo hace levitar de tal manera que nos encontramos bailando, casi, sin darnos cuenta. 

Por Macarena Martínez y Oscar De la Vega / Fotos: Lucia Vite, Sofía LZN, Dani Kala y Diego Homez

 La banda nace a fines del 2013 y desde ese momento no ha tenido descanso: llevan grabados tres EPs y, con este lanzamiento, dos discos larga duración. Han tocado a lo largo de toda la capital y también del conurbano, generando vínculos y amistades entre bandas de diversos géneros y posicionándose en la tabla como uno de los grupos punteros de la escena independiente local. Este año, además de girar y grabar el disco, compartieron escenario con el humorista Guille Aquino y elenco, abriendo las funciones de “Antisocial” en el teatro El Nacional, y también se los ha visto en solidaridad con lxs trabajadorxs de Kimberly Clark tocando en un festival a beneficio en la planta de Bernal. Imprescindibles y todo terreno, el material de Los Excursio se encuentra disponible en todas las plataformas digitales además de las ediciones en cd y vinilo, el revival del siglo XXI.

 Es en el marco de la presentación oficial de “La sangre en el ojo”, este Sábado 14 en Vuela el Pez (¡gratis!), conversamos con ellxs sobre la autogestión, la escena y otras yerbas.

¿En qué contexto nace Excursionistas?

Excursionistas nace en 2013 pero es recién con la incorporación de Santi en 2015 que la banda toma verdadera forma y personalidad, con una identidad más definida y un rumbo más claro. Si bien ya incursionábamos en estos géneros (garage, blues, punk), desde que nos constituimos como dúo de guitarra-batería todo se encaminó; y mucho más aún con la llegada de Lupi en teclas y voces. Ciertamente el contexto socio-económico y político siempre nos afectó y no somos ajenxs a lo que sucede.

¿Cómo se organiza una banda como ustedes, autogestionada? (ejes en: fechas, cobrar por show, venta de entradas, crisis económica)

Nos autogestionamos, es cierto, pero contamos con un sello que nos apoya económica y logísticamente. BPM Discos nos editó en 2018 nuestro primer larga duración LE BRUIT DANS TA TETE en vinilo y este nuevo disco, LA SANGRE EN EL OJO, en formato digital; nos ayudan constantemente con las presentaciones, con videos y demás cuestiones. Por lo demás, nos manejamos sólxs, la agenda de la banda la llevamos nosotrxs, el vestuario, las luces, traslados, etc, lo resolvemos fecha a fecha, siempre viendo si hay algún dinero disponible para producir, pero en caso de no haber plata tampoco importa demasiado.

Sobre la reciente aprobación de la ley de cupo femenino en festivales, donde se exige un 30% de participación inclusiva de mujeres, colectivo lgttbi, disidencias, ¿qué opiniones tienen?, ¿ayuda que haya UNA LEY para cumplirlo? ¿qué importancia le dan en fechas que uds organizan? ¿cómo ven la escena en la dinámica de la “marea verde” que combate y defiende sus derechos en todos los frentes? y en ese sentido, con respecto al ambiente machista, ¿que consideran mejor, recuperar los espacios o crear nuevos?

En el último tiempo empezamos a prestarle más atención a la marea verde. Lupi, sin dudas, nos ha abierto los ojos a  estas problemáticas y tratamos de participar en fechas que tengan presencia femenina o con diversidad de género. De hecho, nuestro último disco tienen algún eje conceptual sobre este tema y la presentación del disco el sábado 14/12 cuenta con fuerte presencia femenina: Penny Peligro va a estar abriendo, Luci Rollano va a estar pinchando vinilos y Marina Rodríguez y Yanel Luengo van a estar foteando. Tampoco es que levantamos banderas porque nuestro foco siempre está en la parte del espectáculo pero son cuestiones que sin dudas nos interpelan, que nos preocupan y que nos llevan a cuestionarnos a nosotrxs mismxs muchas cosas. Seguimos abiertxs a aprender y re-pensarnos todo el tiempo.

En esta etapa atravesada por el trap y el rap entre la mayoría de lxs jóvenes, ¿escuchan algo de eso? ¿Es posible que Excursionistas llegue a ese público? ¿harían alguna colaboración con otrx artista de ese palo? 

Actualmente estamos colaborando y tenemos pensado hacer algún split o algo así con Killato The Jason, un muchacho muy joven que viene desde Misiones y que es la gran promesa del trap. Killato tiene un talento enorme para improvisar y se acopló súper bien a nuestra propuesta y nos llevamos bárbaro así que tenemos muchos proyectos con él. Así que sí, el trap nos interesa muchísimo y estamos convencidxs que es la música urbana que mejor representa a lxs chicxs hoy en día, mucho más que el rock, sin dudas.

¿Qué bandas/ artistas/ discos escucharon o gastaron al punto de considerarlos como influencia para ser ustedes la banda que son?

En lo personal yo escucho mucho punk rock y garage y sus vertientes, Santi y Lupi son más amplixs y se meten con otros géneros, eso hace que no nos encasillemos y podamos jugar y expandir nuestro sonido. Podemos ir desde The Sonics y The Kinks hasta Beastie Boys, WOS y Miles Davies o James Brown.

La escena independiente y autogestiva en el 2019, consideran que ¿sigue intacta, está más dinámica que nunca o es el público/ espectadores que no van en busca de nuevas bandas? ¿Se suele usar excusas a veces para quedarse en lo “mainstream”? 

Este 2019 nos encuentra en el último año del macrismo más duro, en todos los sentidos posibles: han destruido al país económica y culturalmente. El hecho de tener poca plata para destinar al ocio y de que los canales de difusión estén cada vez más dirigidos hacia el mainstream y cada vez menos a los movimientos emergentes influye e impacta directamente en la escena. Muchas bandas se han separado en el último año, ya sea por falta de perspectiva o proyección o porque se dificulta cada vez más sostener un proyecto artístico que es poco redituable. Veremos qué nos depara el futuro, mientras tanto seguiremos aguantando. 

La sangre en el Ojo, ¿de qué va el disco?, ¿cómo fue el proceso de composición y grabación?

LA SANGRE EN EL OJO fue grabado en dos semanas y mezclado en otras dos. A diferencia de nuestro disco anterior que nos llevó nueve meses de trabajo. Es un disco urgente que habla sobre ciertos movimientos emergentes (de mujeres, pueblos originarios, minorías y no tanto) que buscan hacerse visible y que cargan con una opresión histórica. Nuestra idea era crear una ópera rock con una protagonista femenina que contara las vicisitudes cotidianas que debe enfrentar una mujer hoy en día y que finalmente desafiara las convenciones y se rebelara liderando un movimiento insurgente. Por suerte nos bajamos a tiempo de esa cosa pretenciosa pero quedaron varias canciones que tratan de esto y esperamos que la gente perciba ese espíritu.

Definamos Excursionistas en vivo. 

Excursionistas en vivo es una bomba de tiempo, una performance esquizoide de rocanrol, una puesta en escena con todos los clichés del rock y su costado más pomposo y ridículo. También es una catarsis colectiva, una invitación al desenfreno y una sorpresa constante. Nos gusta actuar y tocar a volumen fuerte. Y nos encanta ver a la gente reir y bailar.

Excursionistas presenta oficialmente su segundo disco larga duración La sangre en el ojo este sábado 14 de Diciembre en Vuela el Pez, Córdoba 4379 CABA, a partir de las 21:00 hs. Invitada especial: Penny Peligro. Entrada completamente GRATIS. 

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Artud y el Flaco. Artud como disco. 1973, el inicio de una carrera solista que enamoró a un público amplio en edades. 

“Allí donde otros exponen su obra

yo sólo pretendo mostrar mi espíritu.

Vivir no es otra cosa que arder en preguntas”.

Y sí. Todas las hojas son del viento. O, mañana es mejor. Más bien podríamos decir que las luces que saltan a lo lejos no esperan que vayas a apagarlas jamás. Sea como fuere. Allá por 1973, Luis Alberto Spinetta iniciaba su carrera solista, sacando a la luz el disco Artaud, bajo el nombre de Pescado Rabioso. Vamos de vuelta. Artaud es el tercer disco de Pescado, pero la banda estaba ya disuelta; sin embargo, por un contrato discográfico, la banda tenía que sacar tres discos. Así nace Artaud, aunque la producción musical y artística se deba enteramente al Flaco. Si Pescado II está dedicado a Rimbaud, Spinetta va más allá y no sólo le dedica su siguiente disco a Antonin Artaud, sino que lo bautiza con su nombre.

En Marcha hemos hablado ya sobre los aspectos musicales y hasta, quizás, técnicos de este disco, por lo que en esta entrega intentaremos hundirnos un poco más en quién fue aquel poeta maldito y qué influencia tuvo su escritura en el Flaco. En una entrevista de la revista Sudestada de Julio de 2013, realizada por Nadia Fink a Rodolfo García, quien fuera baterista de Almendra entre 1967 y 1970, podemos aproximarnos a la ética spinetteana. Según García, “la ética aplicada a la música” de Luis fue algo que lo impactó. La ética de los músicos; es decir, artistas en boga pero comerciales, que se repetían cuando encontraban una fórmula. “Luis se ha peleado con quienes de alguna manera representaban el poder y siempre salió airoso. Lo vi dejando de concretar grandes negocios por sostener esa idea. Tenía sólo lo que necesitaba para ser feliz: una casa y su estudio de grabación, que siempre fue su máxima ambición y con el cual no lucraba.”

En otra entrevista de la revista Sudestada, una de colección dedicada enteramente a Spinetta, Juan Carlos Diez, que en 2006 editaba “Martropía: Conversaciones con Spinetta”, decía: “Hablábamos mucho de lo que significa escribir, no sólo letras, sino de la literatura, la prosa poética y de algunos autores que lo han marcado, por ejemplo Antonin Artaud, y de lo que produce en el ser humano el acto de escribir. No hablamos, para el caso de Artaud, de él como recreador, pero sí de Artaud como un escritor que lo ha conmovido. No de decir: “Flaco, ¿en qué canción, puntualmente, te marcó Artaud? Eso es absurdo. A lo mejor no fue una influencia directa en la escritura, pero como lector, como tipo sensible o artista, te podes conmover con Artaud a los 25 o a los 50”. Pues qué es la poesía sino eso: capacidad de conmover al lector. No metáforas imposibles de comprender, súper abstractas, ni, tampoco, lenguaje llano, sin profundidad. No. La poesía es leer algo y no ser el mismo después de haberlo leído. Por eso hay tan pocos poetas; poetas en todo el sentido de la palabra. Y vaya si Spinetta no fue poeta. Vaya si no conmovió a millones de almas.

Pero, ¿quién fue Antonin Artaud? Ante todo, algunos datos biográficos, en forma de cronología. Nace el 4 de septiembre de 1896 en Marsella. En 1901 padece una grave meningitis. Se salva pero conservará disturbios nerviosos el resto de su vida. Para 1910 funda con compañeros de escuela una revista poética donde publica sus primeros versos (a la edad de 14 años). En 1924 adhiere al Surrealismo y conoce a Génica Athanasiou, su primer gran amor, quien fue la única mujer de su vida con quien mantendría una vida casi conyugal. Hacia 1936 viaja a México, visita el territorio indio de los tarahumara, donde experimenta con el peyote. Un año después es internado en un manicomio, luego será juzgado como “enfermo incurable”. Sufre la falta de heroína. Se alimenta mal. Comienza a padecer la terapia de electroshock. Su estado es crítico. Ya no volverá a vivir en plena libertad. Para 1948 dicta una conferencia en donde denuncia las fuerzas del mal, los psiquiatras y el electroshock. En febrero le diagnostican un cáncer incurable. Toma cloral sin límites. Permanece casi inconsciente. Pero el dolor disminuye. Muere el 4 de marzo, sentado al pie de la cama. Solo. Su deseo era no encontrar la muerte rodeado de gente ni acompañado por nadie. Dice, antes de fallecer, que al morir su cuerpo debe estallar en mil pedazos.

Artaud es el artista de la rebelión. Podemos decir que su obra no incita a la reflexión, sino a la acción. El ser humano debe conocerse a sí mismo, experimentar al máximo sus sensaciones más íntimas. Y debe hacerlo a riesgo de su propia vida. Poniendo en juego su propio cuerpo y su propio espíritu a cada paso. Desde muy joven padece ataques de nervios muy agudos y se debate entre profundas depresiones e intensas crisis nerviosas. Internado en clínicas, medicado a través de grandes dosis de diversas drogas y diagnosticado con diferentes enfermedades, Artaud sabe que él es el único que puede hallar cura a sus padecimientos (“Más aún que la muerte, yo soy el dueño de mi dolor. Todo hombre es juez, y juez exclusivo, de la cantidad de dolor físico, y de la vacuidad mental que pueda soportar honestamente”).

Se acerca al surrealismo a comienzos de la década del 20. Toda su obra posterior llevará secuelas de este movimiento. André Bretón dirá: “El surrealismo no es una escuela artística, sino una forma de ver el mundo. Propone recuperar las imágenes del inconsciente y de los sueños. Para conocer el universo, recurre a la libertad de la imaginación y no al rigor de la razón”. En Artaud, representa el espíritu de ruptura e insurrección contra todos los valores establecidos. La revolución no implica un cambio de una cosa por otra. La verdadera insurrección obliga a destruir lo viejo y empezar a construir desde la nada.

En “Matropía: Conversaciones con Spinetta”, de Juan Carlos Diez, Luis Alberto se explaya sobre lo que implica la lectura de este poeta: “Leer a Artaud y tratar de degustarlo no se trata de una experiencia inicialmente filosófica, sino que parte de una experiencia sensorial. Ver cómo las palabras danzan con un peso inconcebible. Y al razonarlas y advertir lo que él ve, ahí empieza el mundo. (…) Artaud es un atormentado inconcebible. No era muy sano el tipo. Era meningítico, fue adicto a la morfina y a otras drogas toda su vida para tratar de evadir los dolores de cabeza y otros síntomas de su enfermedad mal curada en aquella época. Él reconoce su enfermedad y trata de transformar su lenguaje. Es increíblemente profundo. (…) Él tiene esos raptos, inventa el mundo. Un genio tremendo: insoslayable e inubicable. Insoslayable para la literatura, inubicable para la filosofía. Inubicable. Y grandioso por el aporte lingüístico. La visión es grandiosa. Es un mundo de células que sienten. Se introduce en el ser como la sangre de su propio cuerpo y desde ahí habla. Es mortífero, casi lo más grande que hay para leer”.

Para finalizar, algo que fue leído sobre el cierre de la columna artaudiana; la Segunda Carta Matrimonial, publicada en el libro “El Pesa Nervios”:

“Necesito a mi lado a una mujer sencilla y equilibrada, cuya alma inquieta y confusa no alimente sin cesar mi desesperación. Estos últimos tiempos te veía siempre con un sentimiento de miedo y malestar. Sé muy bien que es tu amor el que crea tus inquietudes por mí, pero es tu alma enferma y anormal como la mía la que exaspera esas inquietudes y te arruina la sangre. No quiero vivir a tu lado en el temor.

Además necesito una mujer que sea únicamente mía y que pueda encontrar siempre en mi casa. Estoy desesperado de soledad. No puedo llegar por la noche solo a una habitación y sin ninguna de las necesidades de la vida a mi alcance. Necesito un hogar, y lo necesito pronto, y una mujer que se ocupe de mí, soy incapaz de ocuparme de nada, que se ocupe hasta de las cosas más pequeñas. Una artista como tú tiene su vida y no puede hacer éso. Todo lo que te digo es de un feroz egoísmo, pero es así.

No es necesario que esa mujer sea ni siquiera bonita, tampoco que sea una inteligencia excesiva, ni que reflexione demasiado. Me basta con que esté unida a mí.

Pienso que apreciarás la gran franqueza con que te hablo y me darás la prueba de inteligencia suficiente: comprender que todo lo que te digo no mengua el intenso cariño, el inextirpable sentimiento de amor que tengo y tendré inalienablemente por ti, pero ese sentimiento no tiene nada que ver con la corriente ordinaria de la vida. Y la vida hay que vivirla. Hay demasiadas cosas que me unen a ti para que te pida romper, te pido solamente cambiar nuestras relaciones, hacernos cada uno una vida diferente, pero que no nos desuna”.

La poesía al servicio de la música. Hacer arte por el placer mismo de contemplar arte. Poesía, música, arte. Luis Alberto Spinetta todo lo conjuga en este gran disco. Algunos no supieron entenderlo. Algunos lo fusilaron sin balas. Pero no importa. Las habladurías del mundo no pueden atraparnos.

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La banda punk rock nacional Korso Gomes presenta su último disco, grabado a fines de 2015 por Federico Pertusi (ex Attaque 77) y producido por Joxemi, guitarrista de Ska-P. Por si al mundo le faltaba punk, el cuarteto tocará este sábado 14 de mayo en El Emergente. Antes, la reseña de su reciente material de estudio.

Hace 21 años atrás, Korso Gomes comenzaba a gestarse en la ciudad de La Plata. Desde ese entonces pasaron seis discos. Actualmente, el cuarteto compuesto por Lucas Sanchez en Voz y Guitarra, Maira Gardella Aubert en Bajo, Cristian Acuña en Bateria y Celica Finochietto en Guitarra y coros, presenta De este lado del Mundo, sexto material de estudio compuesto por diez canciones cuya poesía corresponde a la banda y a Joxemi, guitarrista de Ska-P. El resultado, un trabajo discográfico con todos los condimentos.

Voces femeninas, la fuerza del punk y el permiso del estilo tropical (Agapornixxx), letras que invitan a la reflexión y, por qué no, a sentirse identificados e identificadas con alguna que otra historia de amor que se escapa por ahí, entre medio de tanta música que invita al pogo y genera ganas de escuchar qué tiene para dar en vivo esta banda cuyos sonidos son la voz del camino recorrido, de la trayectoria, de años de experimentar con sonidos y estilos.

A la hora de pensar una forma de definir a qué suena la banda, podría decirse que a rebeldía: desde su arte de disco en donde un músico estilo punk se enfrenta ante soldados y ante el capitalismo hecho persona, hasta sus letras críticas hacia un contexto histórico inquietante, todo se resume en lo que podría ser el tema que guía todo el resto “A gritos”, porque la acción es la que da voz, la que permite expresar, cantar, decir, criticar y reflexionar en una letra.

Un momento de corte o vuelta de página en el disco se da con “Te devuelvo”, en donde Celica canta en tono dulce una historia de cambios, de la necesidad de despertar de lo que sea que haga mal. “Y aunque el mundo cambie no está listo para vos”, canta en una estrofa, casi invitando a tomar las riendas y dejar de pensar en lo que la realidad demuestra y empezar  a razonar según lo que queremos que sea. Actuar, dejar de mirar quedándose en la queja. De eso parece tratarse.

En líneas generales, la banda que lleva en sus espaldas (y corazón, por qué no) el hecho de haber compartido escenario con grandes como Attaque 77, Catupecu Machu, Jauría, Las Manos de Filippi, Shaila, Cadena Perpetua, Flema, 2 Minutos, Fun People, Boom Boom Kid, Bulldog, entre otros, hoy se posiciona sola como una gran banda dentro de la escena del punk local, con un sexto disco bien definido en cuanto a su estilo, con innovaciones y buenas letras, con energía para salir a la cancha y hacer poguear a cualquier público.

Escuchar De este lado del Mundo lleva además a quienes fueron adolescentes en los 90, por ejemplo, a revivir ese estilo de punk, el de los pantalones rotos y los ojos delineados, el de la música a todo volumen dentro de un cuarto, al punk fresco de la adolescencia y al mismo tiempo tan maduro en sus melodías. Podría decirse entonces que a pesar de su actualidad, es un disco punk al estilo retro.

*Korso Gomes se presentará con bandas invitadas este sábado, desde las 23 en El Emergente (Gallo 333, C.A.B.A).

Podés escuchar el disco completo acá: https://www.youtube.com/watch?v=8FlA7CkD9uc

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¿Que tienen en común David Bowie, Mick Jagger, Elton John, Jimmy Page, Iggy Pop y Marilyn Manson; aparte de ser algunos de los músicos más reconocidos del universo?

Que todos fueron acusados de delitos vinculados al abuso sexual en algún momento de su carrera.  Sin embargo, excepto los que ya murieron, cada uno de ellos goza de su exitosa profesión o vida de jubilado en plena libertad. Una podría sospechar que estas figuras están protegidas por un sistema de entretenimiento megaextrapoderoso de una forma excepcional que los inmuniza ante cualquier tipo de acusación. Pero esta impunidad no sólo recubre a los artistas internacionales de estratos mayores, sino que lo hace en la mayoría de los casos. Por mencionar sólo algunos ejemplos de nuestra región latinoamericana, existe el caso del líder de la banda Wachiturros -DJ Memo- imputado en una causa por el abuso de una menor de 13 años y excarcelado por un pago de menos de 50000 pesos argentinos; la ahora mera anécdota de Kalimba, reconocido cantante mexicano acusado de violar a una menor y declarado inocente al poco tiempo; Silvestre Dangond, figura del vallenato colombiano que fue capturado en video tocándole los genitales a un menor de 14 años durante un concierto y luego de disculparse continuó con su vida artística sin ningún pesar; Omega, cantante dominicano acusado de tres delitos de abuso sexual -el último por parte de su mujer-, que pagó solamente con una prisión preventiva de tres meses; Juan Carlos Blanco Kemp, de la banda mexicana Bkemp, que intentó violar a una joven en el baño de un bar con un arma de fuego y el de Juanse, músico argentino de la banda “Los Ratones Paranoicos”, que fue acusado junto a todos los miembros de su otra banda -“Las fieras lunáticas”- de haber violado a una joven jujeña de 26 años durante una gira. Luego de ser denunciado, su única afirmación consistió en establecer que “con la mujer que tengo, no voy a ir a Jujuy a encerrarme con un mamarracho”. Juanse también goza en plenitud de su carrera y del apoyo de todos sus seguidores.

Estos casos citados son sólo una pequeña muestra del universo de artistas imputados en causas por delitos sexuales, y aquí sólo se está mencionando algunos relativos al mundo de la música. Todos estos sucesos, sin embargo, fueron de público conocimiento y la mayoría de ellos alcanzaron las tapas de los principales tabloides populares de sus respectivos países. Entre eso y el hecho de que todos los músicos mencionados continuen hoy ejerciendo su profesión en libertad y manteniendo con disfrute un público dispuesto a pagar por sus discos y conciertos, hay una realidad que caracteriza al mundo del arte y la cultura que urge atender.

En los diccionarios judiciales, al desarrollarse el concepto de “impunidad”, se menciona que las circunstancias bajo las cuales se desarrolla la misma están fundadas en un tipo de complicidad. Por definición, se sugiere en el ámbito judicial que la complicidad en estos casos es con el aparato policial o el poder judicial. Pero en estos casos, cabe resaltar que la complicidad no se ofrece sólo a nivel institucional, sino que sin dudas está también circunscripta al vínculo del artista con su público. El artista, a quien generalmente no se lo separa de su obra a la hora de juzgarlo, queda así protegido por una suerte de consenso popular: y se sabe que las grandes discográficas u organizadoras de eventos no se caracterizan por frenar procesos en los cuales se está generando capital, sea cual sea la razón se anteponga en su camino.

Pero el objetivo de este artículo no es únicamente plantear la discusión sobre cómo las industrias culturales capitalistas y el mundo del entretenimiento son cómplices y en muchos casos mentores de delitos de abuso sexual y violencia hacia las mujeres. El hace dos semanas sucedió algo en Argentina que abrió las cajas de este debate a nivel local y es relevante que no se cierren al ritmo de un próximo boom mediático.

El sábado 16 de abril se viralizaron en las redes sociales dos videos que llamaron la atención de miles de personas de múltiples grupos sociales: dos chicas -Mailén y Rocío- hicieron pública vía youtube una denuncia penal a José Miguel del Popolo, líder de la banda de rock “La ola que quería ser chau”, por abuso sexual, psicológico y maltrato verbal. En el segundo testimonio (de su ex pareja, Rocío) también se aludió a consumos de videos de pedofilia por parte del victimario. Al día de hoy, el cantante de la banda no ha dado ninguna declaración pública al respecto.

Sumado a este caso, surgieron múltiples acusaciones a través de las redes sociales en el perfil de la banda “El otro yo”, que ante las denuncias realizadas a “Migue” se manifestaron a favor de las víctimas. Estos posteos dieron como resultado una convocatoria espontánea y multitudinaria de usuarios que denunciaron a  Cristian Aldana, el líder de la banda, por haber abusado de fans que eran muchos casos de menores de edad.

Por último, se viralizó una entrevista a Ciro Pertusi realizada en 1997, en la que el actual cantante de la banda Jauría -y ex líder de Attaque 77- tuvo expresiones como la siguiente: “A tipos como yo les gustan las nenitas: me hago cargo, no tengo drama. (…) Me hago cargo de mi gusto y de mi vicio. Me da un poco de bronca tener que andar cuidándome: te pueden meter en cana. Pero me di cuenta de que las chicas no tienen drama. No me junto con una chica y la fuerzo: cuando veo una que me gusta por la calle, la sigo con la bicicleta, le digo “¿Qué tal, cómo estás?”, me pongo a charlar. Si me da bola, bien, si se asusta, me voy a la mierda porque yo también me asusto. (…) Les pinta la típica historia de “Porque mi hija…” ¡Si yo también tengo una hermana de quince años, y también fue una nena! ¡Pero todo bien! Hay muchas cosas que nadie ve… Es posible una relación entre un hombre grande y una nenita. Pasa que se creen que uno es un degenerado”.

Ante todos estos casos, y los que quedan por venir, cabe hacer una reflexión sobre la situación preocupante que se está viviendo en la escena de la cultura local -y esto compete a toda América Latina, en cada uno de sus circuitos de cultura- con respecto al abuso sexual. En el caso de figuras públicas, “famosos”, el abuso no sólo está fundado en el poder que el varón retiene dentro del sistema patriarcal sino que se refuerza por el poder de quien es referente de la disciplina o arte que corresponda. No hace falta remontarnos a las épocas del `60, `70 y `80 cuando la figura de la “groupie” completamente sexualizada surgió como un estereotipo de la escena musical. Hoy, alcanza con acercarse a un evento artístico en un centro cultural o bar de artes para encontrar músicos, poetas y actores que hacen uso de su protagonismo social para vincularse con mujeres del público. Esto presenta un peligro alarmante, ya que estos actos se legitiman bajo la idea del sentido común típica que responde al “ella se lo buscó”, “a ella le calentaba porque es famoso”, o incluso “él puede acostarse con quien quiera porque es ÉL”.

Lo novedoso de esta situación fue que el debate se dio casi enteramente a través de las redes sociales, y cabe hacer una nueva distinción sobre este eje: de forma casi directamente proporcional al repudio surgieron comentarios en defensa de los abusadores, con un retorno a los lugares comunes conocidos como “yo sé que él no es así”, “están reaccionando de manera demasiado violenta” y el clásico “histéricas resentidas que inventan cosas en su contra”. Un caso reciente, desatado tras el acoso de un personaje del mundo de la poesía independiente porteña hacia otra personaje del mundo de la poesía independiente porteña, cristalizó esta forma de pensamiento en uno de los entornos menos esperados cuando la denunciante fue atacada y culpada tras manifestar su historia. Es que el acoso y la misoginia no pertenecen sólo a los machos burgueses macristas, sino que afecta transversalmente a todas las clases e ideologías. Muchas figuras utilizan su  talento como autoridad creativa y la utilizan para establecer vínculos desiguales de poder. Nos ahorramos aquí ahondar en los casos conocidos que sucedieron dentro de las mismas agrupaciones feministas de corrientes universitarias, pero mencionar que suceden ya es suficiente para ilustrar este argumento.

Llama la atención entonces que entornos como el del rock, la poesía y la militancia; que suelen reivindicarse como libertarios y feministas -al menos en sus manifiestos de facebook-, pasan al foco por ser epicentros de violencia y misoginia. ¿Quiénes más que los trabajadores de la cultura deberían comprender que el lenguaje y las prácticas igualitarias son los primeros espacios de transformación social? ¿Qué lugar más que una trinchera que se autoreconoce como revolucionaria debe hacerse cargo de estos hechos en el instante mismo en el que aparecen?

Bajo ningún punto de vista se sugiere por esto que no puede existir un vínculo sexual-afectivo con consenso que surja a partir de una relación artista-”fan”, pero sí que su establecimiento tiene como punto de partida una relación de poder que, según las condiciones de dicha relación, tiene el potencial de devenir en una situación de abuso del mismo.

Formar parte de la escena cultural local y ser mujer no es sencillo. Requiere el aprendizaje de variadas herramientas de autodefensa. No es un dato menor que tantas mujeres denuncien situaciones de abuso en este ámbito, tampoco lo es el hecho de que ya no nos sorprenda o que nos resuene a viejo conocido.

Hay una razón por la cual muchos de nosotros elegimos trabajar en la cultura y es porque sabemos que es un lugar de transformación social. Pero a veces nos olvidamos de que nuestros vínculos dentro de ese mundo van a determinar inequívocamente la forma en la que nuestra misión se proyecte dentro de la sociedad. Continuar legitimando prácticas abusivas de nuestros colegas, ídolos, referentes y los de nuestra generación sólo va a continuar reproduciendo el modelo misógino, violento y asesino bajo el cual vivimos.

*nota originalmente publicada en Nodal Cultura

Nota relacionada:

Rock y machos. Romper el silencio ante la cultura de la violación

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Se realizó el sábado al mediodía en la Plaza de Mayo una manifestación para repudiar la violencia sexual y la naturalización de la cultura de la violación en el ámbito del rock y la música alternativa.

“Ya no nos callamos más”. Surgido en las redes sociales, el repudio se organizó el sábado pasado en forma de solidaridad con Mailén y Rocío, dos jóvenes quienes denunciaron por violencia sexual el 15 y 16 de abril a través de YouTube a Miguel del Popolo, vocalista de “La ola que quería ser chau”, una banda de música indie.

En buena hora la valentía de estas mujeres, relatos de violencias machistas y de abuso de poder hasta hace no mucho invisibles para el conjunto de la sociedad, generaron una potencia y una rabia colectiva a punto de explotar que se volvió irrefrenable en un verdadero sentido de lo irreversible.

La rebeldía del empoderamiento feminista, el saber que “cuando decimos no es no” y que la soberanía sobre nuestros cuerpos es una autoridad propia innegociable, llegó a los escenarios y las camas del rock y la música alternativa y a raíz de las denuncias de Mailén y Rocío contra Miguel del Popolo, vocalista de la “Ola que quería ser chau”, varios eventos en Facebook aglutinaron en la Plaza de Mayo a decenas de jóvenes que eligieron contar lo que les había pasado en este ámbito específico. Los testimonios de las pibas son desgarradores.

Fue el tiempo también de evocar viejas denuncias y de apelar al escrache. En una semana que pareció eterna para los machos del rock, Cristian Aldana, cantante de “El Otro Yo”, debió enfrentar denuncias que el realizaran un año atrás también por violencia sexual, con un agravante, la denunciante era menor de edad cuando aconteció el hecho. En el relato, vertido en un blog, cuenta como el abuso se comete “desde el lugar del ídolo”. Hay una página en Facebook para compartir información acerca de la causa judicial en la que se lo investiga. Llama poco la atención que los canales de denuncia para estas jóvenes no sean las instituciones del Estado.

A la plaza pública de las redes sociales se sumaron –al menos- tres ingredientes más para que la ira colectiva siga en aumento repudiando el rol asignado en el rock a las mujeres como muñecas sexuales o trofeos dignos del “capo de la noche” luego del show. Una anécdota de Pappo Napolitano y su sonrisa socarrona cuando le preguntaron en una entrevista “si había violado a una mujer alguna vez”, Ciro Pertussi defendiéndose sobre declaraciones pedófilas realizadas hace varios años atrás y Wallas, el cantante de Massacre, quien cuestionó y revictimizó a Mailén con lamentables palabras en un recital en vivo ante miles de personas.

“Estamos permanentemente expuestas a la violencia, incluso en nuestros espacios de arte, la naturalización de la misoginia y la transfobia pretenden volver invisible nuestro reclamo, o tildarlo de victimizante o exagerado. Este maltrato ha sido históricamente tolerado, permitido, alentado y justificado directa o indirectamente”, dicen en comunicado las “Ni groupies ni musas, libres y creadoras” un grupo de artistas mujeres y trans.

Cuando una mujer denuncia… Ningún rockero retrocede

Los silencios tienen en ocasiones el involuntario rol social de servir a los poderosos. En rápida reflexión, romperlo ante un delito, ante el avasallamiento de derechos, es en sí mismo un acto de liberación. Y no sólo subjetivo sino que tantas e históricas veces –como en ésta- el grito simbólico de la denuncia es de una potencia que va en el sentido de la búsqueda colectiva de reparación a las víctimas o sobrevivientes. Casi como un sabor a justicia resignificada.

Se considera que a nivel mundial una de cada 4 niñas y uno de cada 6 varones son víctimas de abuso sexual antes de los 18 años por lo que constituye una problemática social, cultural y de salud pública. A pesar de los altos números –extraoficiales-, se conoce que es baja la cifra de casos denunciados y se estima que un 70% los abusadores sexuales son mayores de edad, tienen vinculo parental, son parejas, amigos y/o conocidos de las víctimas y casi en su totalidad son del género masculino –y privilegiado-.

Desde que se conoció la denuncia de Mailén y Rocío contra Miguel del Popolo, un artista escasamente conocido para las masas, varias fueron las repercusiones; por un lado, la solidaridad y el acompañamiento ante la contundencia del relato de las jóvenes fueron automáticos, ya no parecería ser tan fácil cuestionar a una víctima ante un “conocido”, un varón empoderado, un hijo sano del patriarcado.

Y por el otro, la óptima reacción de otras bandas del palo de la música alternativa fue automática y por lo que vale pensar que la concientización sobre la violencia sexual que permea el feminismo organizado en todos los ámbitos pareció haber llegado donde se esperaba que las mujeres reproduzcan el rol pasivo, el de groupies, el de seguidoras. El mató a un policía motorizado, Los Rusos Hijos de Puta, Viva Elástico y Tobogán Andaluz, decidieron repudiar a los violentos, apoyar a las víctimas y no compartir más escenario con ellos.

Tuvimos un Kurt Cobain que se declaró feminista, tenemos rockers que saben que la liberación de la sociedad es caminar hacia la revolución al lado de las mujeres y tenemos pibes sensibles, esos nuevos pibes del rock, que saben que la cultura heteropatriarcal es tanto o más violenta si no se animan a cuestionar sus privilegios, a deconstruirse. Rock y feminismo deberían ir de la mano.

Porque no es el rock, son los machos y la cultura de la violación, son las prácticas de consolidación y reproducción de una asimetría de poderes que se sostiene con violencias; el cambio cultural es posible, una vida de disfrute, goce y libertades también. Pero para eso, debemos dejar de enseñar a las pibas a cuidarse para sancionar a los varones cuando violan.

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El programa radial Disco Eterno nos sigue acercando maravillas del rock nacional y su marca en distintos contextos históricos. Hoy: Sumo.

“Sumo hace rock. Acá ser moderno significa tener la batería electrónica, estar con el pelito cortado a la moda. ¡No! ¡Rock, man! ¡Queremos hacer rock! Y rock significa: rebeldes, feos, no todo prolijitos, la moda no importa. Nosotros somos rockeros. Yo no pienso que soy un artista como muchos músicos de acá. “El arte… El artista…”, y hablan todo así. ¿Qué artista? Vos sos un tarado con una guitarra. Dale con el rock. ¡Como los Rolling Stones! ¡Esos tipos que son unos viejos y siguen haciendo un rock que parte las piedras…! Ese es el espíritu del rock: rebeldes y reos”.

La banda ancla sus comienzos en el año 1981, en la ciudad de Mina Clavero, Córdoba, donde Luca Prodan se instaló tras venir de Inglaterra en busca de un rescate de su adicción a la heroína. Allí, Luca – que tenía 28 años- se encontró con un amigo de su juventud, con quien había compartido escuela y hospedaje en Europa, el escocés Timmy McKern. Éste le presentó a su cuñado German Daffunchio y también a su vecino Alejandro Sokol, con quienes empezarían a tocar y formar las primeras canciones. En ese momento Luca viaja a Inglaterra para armarse de equipos e instrumentos pero por sobre todas las cosas para convencer a su amiga Stephanie Nuttal de que se venga para Argentina a tocar la batería con ellos.  

En paralelo sucedía la guerra de Malvinas, y luego de su trágico fin y debido a las tensiones que existían por los aires de esos tiempos, la baterista inglesa Stephanie Nuttal, decide dejar la banda y regresar a Inglaterra. Su lugar lo ocuparía Sokol y al bajo entraría un nuevo integrante: Diego Arnedo, un vecino del barrio que se sumaría a la reciente incorporación del saxofonista Roberto Pettinato (quien había conocido a Luca por ser el entonces redactor de la revista El Expreso Imaginario).

La banda tocaría por todas partes bajo esta alineación durante dos años, hasta que en 1984 se producen dos cambios que conformarían la formación definitiva de Sumo: Sokol decide dejar la banda y es reemplazado por Alberto “Superman” Troglio, y se une a la banda un amigo de Arnedo, el guitarrista Ricardo Mollo. Sumo quedaría por fin conformado definitivamente como un sexteto. “Divididos por la felicidad” fue publicado en el año 1985. El nombre es un homenaje al grupo británico de post-punk Joy Division. El álbum se presentó los días 11 y 12 de mayo de 1985, en el teatro Astros. Con este disco Sumo se lanzó al estrellato y salió del circuito underground, donde se movía con comodidad, tocando en bares y pubs.

En Argentina se estaba viviendo la post guerra, que incluía la vuelta a la democracia con Raul Alfonsín al mando del Estado, y con un ferviente nacionalismo en auge, acompañado, claro está,  de un rechazo (y hasta odio) a lo referido a Gran Bretaña, que llega a prohibirse la emisión por radio de música en inglés. De alguna manera, esto dio el pie a que bandas nacionales comiencen a ser más escuchadas y consumidas por los argentinos y el rock nacional, de alguna manera, se profesionalizó. Pero Sumo, canta en inglés.

En 1985  se fundó la FM Rock & Pop, abrió sus puertas Cemento y se publicó el primer suplemento de un diario dedicado exclusivamente a los jóvenes: el SI de Clarín. Allí estaba Sumo, lanzando su disco al margen del rock meramente comercial y popular, con su lirica acida y critica a la sociedad. En sus diez temas, se incluye un poco de todo de lo que Luca se fue nutriendo en materia musical: el punk, ska, disco, hip hop y por supuesto el reggae. Todos géneros que en la Argentina de ese momento eran menores, incluso inexistentes. Se nota en la música esa grieta.

Sin lugar a dudas era una época de renacimiento, también para la región. Después de la nefasta era de las dictaduras, llegaba a su fin la dictadura en Uruguay y la de Brasil. También, por orden del presidente Raúl Alfonsín, el 22 de Abril comenzó en Argentina el Juicio a las Juntas Militares de la dictadura debido a las graves y masivas violaciones a los DD.HH. cometidos. Arquímedes Puccio, un contador público, residente de San Isidro y padre de cinco hijos, era apresado el 23 de Agosto de 1985, por desaparecer gente,  dejando en evidencia el oscuro entramado cívico-militar que comenzaba a desmoronarse.

También por aquella época se vivía en Argentina la escala de precios y el gobierno lanzaba el plan Austral para intentar retener el derrumbe de la economía nacional y contener el descontento social, con medidas tendientes a contentar a las clases pudientes y abriendo una brecha aún mayor con quienes menos tenían. Así lo refleja también la película estrenada ese año Esperando la carroza, dirigida por Alejandro Doria.

Y en la escena musical argentina, ocurrían los lanzamientos de Andrés Calamaro (Vida cruel), Fito Páez (Giros), Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (Gulp!), Soda Stereo (Nada personal) y Virus (Locura). Y Luca, que venía huyendo de la rigidez europea, escapando de la heroína, escapando de un coma hepático, escapando de la cárcel, formaba una de las bandas de rock más importantes de nuestro país y lanzaba un disco que nadie olvidará.

Al punto de que hoy, en los recitales de Divididos y Las Pelotas, uno no puede dejar de recordar aquella frase, cuando alguien le pregunta, frente a los rumores de separación, si es cierto que Sumo está dividido: ¡Divididos, las pelotas! Uno escucha aun, ese grito de guerra, que tiene que ver con todo aquello que hizo Luca, que sigue vivo, más vivo que nunca. Uno oye las palabras, el grito, la declaración, y se halla a sí mismo cantando: “Somos todos divididos, divididos, las pelotas”.

Podes escuchar el programa todos los lunes a las 17hs en FM Che Barracas 99.7, este y los programas anteriores haciendo click aquí.

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En otro aniversario de su muerte, desde el Grupo de Investigación del Heavy Metal Argentino celebramos la vida, en su vigencia, de una obra que marcó para siempre el devenir de la música argentina. ¡Que sea rock!

Producir es la actividad humana por excelencia. Significa transformar, intervenir, modificar algo y es, en última instancia, trabajar pero entendiendo el trabajo como una forma de manifestar la libertad. Ahora bien, en las sociedades industriales el trabajador deja de controlar el producto de su trabajo, y Marx ya se ha encargado de explicarnos el por qué.

Pappo, por la condición de figura pública que su trabajo le impuso, participó de diversos hechos mediáticos destacables, pero el que guarda mayor valor para lo que aquí intentamos mostrar es el que tuvo con DJ Dero en Sábado Bus, allá por el 2000 -momento histórico en el que, por otra parte, el trabajo y la vida de los argentinos pendían de un hilo. El Carpo, allí, hace un llamamiento, ya posterior al debate: “Yo brindo para que la música en vivo, tocada por seres humanos, triunfe”. Desde el pensamiento de Pappo solo puede haber producción, en este caso artística, cuando intervienen seres humanos creando a través de instrumentos algo nuevo: cuando no hay extracción de plusvalía, podríamos decir, por parte del sujeto capitalista (DJ Deró sería casi un usurero de la realidad musical, bajo esta lógica).

No es casualidad que una de las frases más resonantes en esa discusión sea “conseguite un trabajo honesto”: es decir, trabajar, pero entendiendo al trabajo en la materialidad de una libertad (y, en este sentido, DJ Deró sería, además, un esclavo: llamativa contradicción, un esclavo que lucra). Honestidad y música quedan aquí enlazados. Ese mismo valor humano deberá plasmarse en la música. La diferencia entre uno y otro, así, se plantea entre hacer y reproducir. Pappo fue, en ese sentido, un sujeto de la acción. Basta revisar su carrera, desde la primera formación de Los Abuelos de la Nada, hasta su último disco solista, pasando por sus performances junto a Valeria Lynch, Sandro, Iorio, La Renga y B. B. King. Pappo hizo. Trabajó mucho.

También fue el fundador de una de las dos bandas iniciáticas, e históricamente indispensables, del heavy metal argentino: Riff. El primero de sus discos es Ruedas de metal. Allí se encuentra una canción que se llama “Necesitamos más acción”, que dice: “Hay dos mil trescientas cuarenta y tres / formas de leer en esta pared”, y luego remata, en un contexto de pasividad impuesta por la dictadura más feroz de la historia argentina, “Necesito acción”. Otra canción, del mismo disco, señala que hay “Mucho por hacer”.

Sin dudas, a Pappo le quedaron cosas por hacer, pero las que hizo para la música argentina tienen la impronta de algo que excede incluso la honestidad que le reclamaba a DJ Dero (quien, podemos agregar, solo reproduce interpretaciones, lee discos en voz alta): son cosas que presentan la materialidad de lo vivo. En ese exceso que desborda toda escala y toda melodía y que tanto, tanto nos gusta, allí reconocemos una vida dotada, arltianamente, de una prepotencia brutal de trabajo.

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La mística de Carlos Solari volvió a Tandil, esta vez con un show emotivo, de poco pogo y muchos clásicos ricoteros. Algunas líneas sobre el día en que el Indio decidió hablar con su público sobre aquella “enfermedad malvada”.

Pasó mucho tiempo ya desde aquella nota radial en donde Carlos “el Indio” Solari relató sus “buenas y malas noticias”, la de la “enfermedad malvada” y la del “último show” que, aunque no confirmó cuándo sería, fue un golpe directo al corazón de sus seguidores. Ya con estos datos, la misa del 12 de marzo no podía ser una más: fue la misa de la incertidumbre, de la alegría con mezcla de tristeza, la de la previa entre charlas que no pasaban tanto por temas musicales o anécdotas sino por la enfermedad del ídolo y los puntos de vista acerca del gran tema de conversación, ¿sería esa la última noche?

Indio fiel

El show estaba programado para 21.30 pero algo inesperado sucedió a las 21.15. Las pantallas led mostraron imágenes del escenario. Allí se lo pudo ver: el Indio salió sin la clásica mística de cada show. Salió pidiendo silencio y anunciando que tenía algo importante que decirle a sus seguidores y seguidoras. “Anda circulando una versión de que estoy enfermo y es verdad, `Mr. Parkinson´ me está pisando los talones, pero acá estoy”, relató a su público que entre llanto y sorpresa lo escuchó atentamente y lo aplaudió, ya sabiendo por boca de Solari que al menos ese no sería el último show.

El gesto no fue menor. El ex Redonditos de Ricota guardó durante tanto tiempo la verdad sobre su enfermedad no para crear misterio y circo para algún medio sino para que su público sea el primero en saberlo. Y ahí estaba, demostrándole respeto y fidelidad a quienes esperaron todo el año para escucharlo en vivo, llevándole tranquilidad a quienes tiempo después calificó de “locos” por estar ahí siempre en todo eso que el propio músico asegura no saber “de qué carajo se trata”.

“Damas y caballeros…”

Pasadas las 21.30, la intro del show comenzó a sonar mientras las primeras banderas flameaban en el Hipódromo de Tandil, donde los 12 grados se sentían en los cuerpos que le hicieron frente a las casi dos horas de show. Los gritos de la gente, la emoción y los aplausos en medio de la oscuridad, generaron un ambiente de fiesta que estalló al sonar “Nuestro amo juega al esclavo”,  que, lejos de pensar que fue un primer tema seleccionado por lo musical, bien podría decirse que fue acorde al contexto sociopolítico actual.

Le siguieron a este “Pedía temas en la radio”, “Porco Rex”, Tatuaje” y “Charro chino”, que formaron parte de una lista por lo menos llamativa, sin mucho lugar para el pogo desenfrenado (salvo en casos como “La parabellium del buen psicópata” casi a mitad de show) pero muy cargada de mística ricotera (13 de 28 temas fueron de Los Redondos), con cortes como “salando las heridas”, “Cruz diablo”, “Ella baila con todos”, “Gran Lady” y “Las increíbles andanzas del Capitán Buscapina en Cybersiberia”, entre otros. Musicalmente sonó muy bien, con un Indio afinado y formación con nuevos integrantes que innovaron en algunos temas. También vale destacar que el sistema de sonido estuvo acorde a las dimensiones del show, algo que se cuestionó en los últimos recitales en donde desde algunos ángulos la música se escuchaba mal.

Fue una noche sin nada para criticarle a la banda, a su cantante o a la organización. Lo que sí resultó criticable fue la actitud de algunos seguidores, los “pelotudos”, según el Indio. A medio show, el cantante ya había pedido al público que deje de arrojar zapatillas al escenario. El pedido no fue escuchado y así fue como los acordes de “Barbazul versus el amor letal”  quedaron inconclusos, entre los silbidos de repudio del grueso del público al grupo reducido.

Había una vez un músico…

Todo llegó al fin. Después de un show digno de ser contado a futuras generaciones rockeras, los acordes de “Jijiji” sonaron en un ambiente en donde, como siempre, el público comenzó a abrirse, dejando el centro listo para el ritual. El pogo más grande del mundo, de las experiencias más lindas que se viven en la escena del rock nacional, estalló entre sonrisas y cantos eufóricos.

Pero nada termina allí, porque es allí donde todo comienza. Es “Jijiji” el punto de partida, porque quien va siempre, ya sabe que ese es el final del show y que este da lugar a nuevos recuerdos  y quien va por primera vez, sale del pogo más grande del mundo sabiendo que va a volver.

El Indio dejó a sus seguidores y seguidoras la promesa de un nuevo show, pero sobre todo los (nos) dejó con el corazón latiendo muy fuerte y con lágrimas en los ojos. Nos dejó allí, en ese predio en donde los fuegos artificiales y los abrazos interminables entre amigos y amigas era un retrato que se repetía cada dos pasos.

Nadie sabe cuándo habrá próximo show o disco. Nadie sabe hasta cuándo va a durar tanta locura. Lo que sí se sabe desde aquel sábado 12 de marzo a las 21.15, es que sobre el escenario habló un músico fiel a su público, dispuesto a dar batalla y a garantizar (nos) alguna noche más de felicidad. Y él sabe que cuando el fuego crezca, ese mismo público, el de locos y locas, va a estar allí.

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Es indiscutible: Paralamas do Sucesso fue y será siempre, una tremenda banda. Y como si hubiera sido poco su legado, el sello brasileño Scream  & Yell, lanzó Caleidoscopio, disco homenaje que reúne a 18 artistas  de 11 países . 

La banda brasileña Paralamas do Sucesso, marcó varias generaciones con su rock/ska/reaggae/ post-punk (para leer y bailar sin respiro). No importa la generación de la que seas o el lugar en el que vivas, Una Brasilera, La canción del marinero o Dos margaritas (y por qué no, Linterna de los afiebrados) seguro llegó a tus oídos.

Ahora, imaginate un disco que reversiona todas estas canciones sin que pierdan su esencia, pero que tengan el sello propio de diferentes países: más cumbia, más sangre latina, más guitarras; sin perder la nostalgia ni las letras, que mezcle un poco de ritmo argentino, uruguayo, brasileño, chileno, colombiano, venezolano, y sin que falten Costa Rica, EE.UU, Bolivia, Perú y de taquito, Portugal. Resultado: Caleidoscopio.

El sello discográfico Scream & Yell, en su sexto disco homenaje -esta vez con Paralamas- reúne distintas voces, idiomas y músicos iberoamericanos. En Caleidoscopio, podemos escuchar las reversiones de Bareto (Perú), Rialengo (Costa Rica) y Ulises Hadjis (Venezuela). Wallburds (Los Ángeles) y los brasileros Nevilton, Stilnovisti, Lestics y Tagore. De Argentina, Crema del Cielo, Fargus y Sandra Corizzo. Finlandia, integrada por el brasileño Rafael Evangelista y el argentino, Mauricio Candussi. De Colombia, Andrés Correa y Animales Blancos, y de Bolivia, Animal de Ciudad. TV Rural y Samuel Úria de Portugal. Quedan por mencionar, desde Chile, Dadalú y los uruguayos Franny Glass, Molina y los Cósmicos.

Caleidoscopio, producido por Leonardo Vinhas, le hace un guiño a la fama de Paralamas como la mejor banda brasilera de rock argentino, y borra de un plumazo toda clase de fronteras, con nueve países más que se suman al giro de vidrios con distintos colores, se termina con las confusiones y se agrega la impronta musical de cada artista que integra este disco.

Para más información de las bandas, del sello y de la grabación, para escucharla, hacerla sonar, descargar y divertirte sin perder la nostalgia de aquellos tiempos en que Paralamas do Sucesso no dejaba de sonar en todas las radios, te invitamos a que sigas este enlace y mires/escuches a través del Caleidoscopio: http://screamyell.com.br/site/2015/11/24/download-tributo-aos-paralamas-do-sucesso/

Angie Ferrero

http://fugitivadelcoroneldesaforado.blogspot.com.ar

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Argentinos, ¿el público más “stone” o el público más “rollinga”? No importa. Lo importante es que Los Rolling Stones volvieron al país luego de diez años de espera para sus seguidores. El primer show fue el domingo, repite en el Estadio Único de La Plata mañana y el sábado. Aquí, una crónica del día en que todo comenzó. 

El camino a La Plata está atestado de una caravana de autos de los que salen despedidos un sinfín de temas de los Stones. Suenan canciones de discos tan viejos como Flowers o Some Girls hasta las más recientes de Voodoo Lounge o Bridges to Babylon. Desde otros autos suenan grupos como Viejas Locas, La 25, Los Gardelitos y Los Redondos. Es claro. Todos vamos al mismo lugar. Como una procesión de fieles que está dispuesta a realizar el ritual sin esquivar ningún pormenor. Asumiendo las dificultades, pagando los costos, pero sonrientes y expectantes.

El aire espeso, caluroso y húmedo da lugar a la lluvia y la jornada parece presagiar un show mítico, un recital épico. Transitando hasta el Estadio Único, las veredas enseñan su paisaje: puestos de patys y choripán, latas de cerveza por doquier, cadáveres de botellas vacías y cartones de vino pisoteados. Las calles inundadas por un solo sentimiento. Miles de personas en cuero, bajo la lluvia, dementes que cantan y saltan y tiran cerveza al aire y se empujan sin conocerse, unidas en nombre del rocanrol. Alguno pide un cigarro, alguien pregunta si hay reventa, otros sólo quieren hablar de cómo siguen a los Stones hace 30 años, otros se pasaron de rosca y no pueden hablar, otros quieren un trago, un sorbo siquiera de cerveza, una seda, una pastilla, un chicle, algo, lo que sea.

El Estadio comienza a llenarse con fuerza a partir de las 19:30, cuando Ciro sube al escenario a telonear. El sonido parece endeble. Llueve con bastante intensidad. Miradas cómplices demuestran su preocupación. Ahora más que nunca parece salir a la superficie aquella vieja idea y costumbre que dice que en el rock lo importante no es el sonido ni la afinación de las guitarras ni los aspectos técnicos sino dejar la vida en ese recital. Gritar hasta sentir que los pulmones empiezan a pedir auxilio. Bancar el calor de una masa que parece arrastrarlo a uno y tener vida propia. Sí, las miradas transmiten eso. Es un acuerdo no hablado, tácito. Llegamos hasta acá y hay que hacerla valer. Pero también queremos que los solos de Richards suenen claros, que la voz de Jagger no se pierda en la brisa. Un poco antes de las 21 se apagan las luces. La salida de esta banda histórica, de este mito viviente, es inminente.

Y entonces, la magia. Los primeros Do y Fa de Start me Up. Un riff histórico. Se encienden enormes pantallas con una increíble definición. Mick Jagger en escena. Un grito de guerra por parte del público inunda no sólo el Estadio sino, pareciera, toda La Plata. Keith Richards sonriente. Charlie Watts, moderado y prolijo como siempre. Ron Wood, acompaña con algún cigarro colgando en su boca. El público no da cuenta de su emoción. Grita. Salta. Empuja. Entona las estrofas en un inglés improvisado que se asemeja más a intentar reproducir el sonido de las palabras, su fonética, que a las palabras en sí. Poco importa. Es solamente rocanrol, pero a todos les gusta.

La lista continúa con éxitos a prueba de balas. It’s only rock ‘n roll y tumbling dice. Entonces Jagger saluda a Argentina y a Buenos Aires. Uno mira a los costados y reconoce a un público variadísimo, si bien adelante, cerca del escenario reina más el caos y la gente sin remera y la transpiración y el poco aire, unos pasos más atrás hay padres de familia, parejas, niños en los hombros de sus padres, incluso un perro (sí, un perro) callejero que se filtra en la audiencia y se pasea entre la gente. Out of control (hermoso tema) y Wild horses calman un poco los ánimos, la gente comienza a relajarse y a respirar y a comprar botellitas miserables de agua que salen 50 pesos pero que son tan necesarias como inaudito su precio.

Entonces un punteo con cuerdas que vibran, una melodía casi árabe y fácilmente reconocible va generando un grito de sorpresa y de espera que dura unos escasos segundos pero que sirve de preámbulo a lo que viene. Y Charlie Watts empieza a golpear con fuerza su batería anunciando el inicio de Paint it black, y todo el descontrol vuelve a la normalidad, porque la normalidad parece ser este reconocerse así, descontrolado, asombrado por lo que se está viviendo e intentando saltar lo más alto que se pueda al tiempo que se grita la letra lo más fuerte como sea humanamente posible. Pasa Honky tonk woman y Mick Jagger presenta a la banda. Keith Richards se lleva la mayor ovación. Su nombre no es coreado sólo una vez, sino que tiene que volver a saludar para una segunda enorme ovación que da lugar a los dos temas que interpreta en voz (Can’t be seen with you y Happy, del quizás mejor disco (doble) de los Stones: Exile on Main Street).

Este es el show número 13 de los Stones en Argentina. El primero en el Estadio Único de La Plata, que viene a sustituir al Monumental de Núñez. Así lo anuncia Jagger al tiempo que sale al escenario con una viola colgada para tocar Miss you, tema en el que se luce el bajista Darryl Jones, que reemplaza al histórico Bill Wyman desde el año 1993. Luego sí, explota todo al Richards tocar los primeros punteos de Gimme shelter, tema en que demuestra por qué es considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, más allá de no ser un guitarrista súper técnico como Jimmy Page de Led Zeppelin, Slash de Guns ‘n Roses o incluso el mismo Mick Taylor (ex integrante de los Stones, quien reemplazara en su momento a Brian Jones previo a la incorporación de Ron Wood), interpreta esos riff de una forma prolífica y los acompaña desde su mítica personalidad de excesos que tan bien encaja con la historia del rock y de los Stones.

Brown Sugar encuentra a Jagger trotando por el escenario, demostrando por qué es el mejor frontman de todos los tiempos mientras todos en el campo nos preguntamos cómo puede ser que tenga más de 70 años. Con un amplio dominio del escenario, Jagger sabe administrar no sólo los tiempos sino también los solos de cada integrante para que todos resalten y brillen. Ya anunciando el final, comienza a sonar Sympathy for the devil, acompañado de una tremenda escenografía y encontrando a Mick Jagger con una capa de plumas rojas, encarnando quizás al mismo Lucifer que relata el tema. Luego, un coro anuncia el principio de You can’t always get what you want, canción acompañada por Jagger con una guitarra acústica.

Entonces, abruptamente, comienza a sonar el riff más conocido de la historia del rocanrol. Keith  Richards ocupa las tres enormes pantallas del escenario y vemos desde abajo cómo va pasando los dedos de traste a traste para darle vida a ese tema que parece haber marcado un antes y un después en la historia musical del rock: Satisfaction. Todos saben que este tema marca el final y parecen vivirlo acorde: desbordados. Tal como el Jijiji de los recitales del Indio (Skay lo toca pero no cierra con él), el público va dejando la vida progresivamente, como un cinco que se tira a barrer en la última pelota del partido, como un estudiante que llega a las últimas 10 hojas del apunte algunas horas antes del parcial, como el laburante que reparte la última docena de empanadas un sábado a la una de la mañana y sabe que es un preámbulo a lo que viene, que es esfuerzo que será recompensado. Así pues, con un larguísimo solo de Richards, los aplausos comienzan a cubrir las guitarras al tiempo que fuegos artificiales de diversos colores comienzan salir disparados del escenario y todo se va volviendo surrealista, como un poema de Artaud o un cuento de Castañeda, una noche mágica que va terminando y nadie sabe cómo pasó todo ni sospecha la importancia de lo que acaba de ocurrir ni el mérito de haber formado parte de esa cita histórica.

Hacia el final, ya sin lluvia, ya sin guitarras ni batería ni bajo, ya con el humo de los fuegos artificiales esfumado, la gente despide a esta mítica banda coreando el riff de Satisfaction. El 2006 marcaba la última visita de los Stones a Argentina. Diez años después, llenarán tres estadios como si nada. Y siguen en la cúspide. Mick Jagger se mueve con la energía de alguien de 20 años. Keith Richards sigue acertando los riffs. Ron Wood cumple su papel de segunda guitarra a la perfección. Charlie Watts se luce como siempre. Estos tipos parecen ser inmunes al paso del tiempo. ¿Alguien puede asegurar que no van a volver en diez años? Quien escribe estas líneas no se atreve a afirmarlo y cree que, quien lo haga, desconoce profundamente la esencia de esta banda y del rocanrol.

En una entrevista de 1985, Luca Prodan decía: “(…) Nosotros somos rockeros. Yo no pienso que soy un artista como muchos músicos de acá. “El arte… El artista…”, y hablan todo así. ¿Qué artista? Vos sos un tarado con una guitarra. Dale con el rock. ¡Como los Rolling Stones! ¡Esos tipos que son unos viejos y siguen haciendo un rock que parte las piedras…! Ese es el espíritu del rock: rebeldes y reos”. Las palabras de Luca, pronunciadas hace más de treinta años, parecen ser más actuales que nunca. Quien se atreva a contradecir a Luca, que tire la primer piedra.

La lista de temas es la siguiente:

1) Start me up.

2) It´s only rock ´n roll.

3) Tumbling dice.

4) Out of control.

5) Street fighting man.

6) Anybody seen my baby.

7) Wild horses.

8) Paint it black.

9) Honky tonk woman.

10) Can´t be seen with you.

11) Happy.

12) Midnight rambler.

13) Miss you.

14) Gimme shelter.

15) Brown sugar.

16) Sympathy for the devil.

17) Jumping jack flash.

18) You can´t always get what you want.

19) Satisfaction.

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