Por César Saravia

Con reconocimientos como el Musical Rights Awards del International Music Council, el Global Music Vault del Polo Norte, el Instituto Nacional de Asuntos Indígenas, el Parlamento del MERCOSUR y sus giras por los 5 continentes; la OIANT es un ejemplo de lo que se puede construir en la Universidad Pública: un proyecto colectivo y endógeno a la vez enraizado en la América profunda y en la vanguardia artística.

Sus directores, Alejandro Iglesias Rossi y Susana Ferreres han creado este proyecto en la profunda convicción de “la música como camino de conocimiento”. Esta visión los ha llevado a recuperar los instrumentos autóctonos desde la Patagonia a Alaska y crear carreras de grado y de posgrado donde sus estudiantes pueden profundizar en las músicas, danzas e instrumentos propios de América y crear sus propias obras.

En la Orquesta cada uno de sus miembros es un “artista integral” ya que son investigadores, constructores de instrumentos, escultores de máscaras nativas, intérpretes de instrumentos, compositores, tecnólogos, iconógrafos, y docentes. Bajo esta formación sus miembros han realizado trabajo de campo en comunidades indígenas a lo largo del continente; el Amazonas, los Andes, Mesoamérica, la Patagonia en busca del legado musical y sonoro.  Asimismo, han estudiado y recuperado instrumentos precolombinos a partir de investigaciones en importantes Museos de México, Chile, Perú, Bolivia, Estados Unidos, Argentina, entre otros.

La Orquesta, conformada por docentes y estudiantes de la Maestría en Creación Musical, Nuevas Tecnologías y Artes Tradicionales y la Licenciatura en Música Autóctona, Clásica y Popular de América, comenzará las celebraciones por sus 20 años de existencia en el Centro Cultural Kirchner junto a la Sinfónica Nacional José de San Martín dirigida por Mario Benzecry el Jueves 4 de Julio de 2024 en un despliegue escenográfico con más de 150 músicos en escena donde estrenará una obra de su Director Alejandro Iglesias Rossi.

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Por Pablo Flores/ Arte por Negro Alan

“Trágicamente, el hombre está perdiendo
el diálogo con los demás y el reconocimiento
del mundo que lo rodea, siendo que es allí donde
se dan el encuentro, la posibilidad del amor,
los gestos supremos de la vida.”
Ernesto Sabato, “La resistencia”.

“Luca, como una canción que zumba en el viento del corazón”
Divididos, “Luca”.

De Luca sabemos todo. Un ítalo-inglés criado por una mamá polaca y un padre chino que
estudió en uno de los más durísimos internados de Europa donde asistía la crema
aristocrática, el escoses Gordonstoun School. Que ante cada carta que le escribía a sus
padres pidiéndoles que lo saquen de ahí, dibujaba la bota de Italia como un preso que
cuenta las semanas hasta que le den salidas transitorias. Que dejó de escribir cuando ya
había tomado la decisión de escaparse y volcarse a la vida pagana, primero viajando por
Europa y terminando en los suburbios de Roma.

Sabemos de su vida en las casas tomadas de Londres, donde se hace adicto a la heroína, se
contagia hepatitis y llega a entrar a un coma hepático. De los excesos, del punk, de Joy
División, del amor. De la enorme culpa por haberle presentado la jeringa a su hermana
Claudia, que después se suicida junto a su novio, encerrados en un auto aspirando el
dióxido de carbono que salía del escape. Sabemos que para la Ley italiana, Luca era un
desequilibrado mental, ese papel que hizo para zafar del servicio militar y de la cárcel. De
su trabajo en los depósitos de la discográfica Virgin, donde se robaba los discos de las
bandas cual rata de biblioteca. Discos que fueron la base de oído musical y generaron este
hecho maldito…

Sabemos de esa foto que su amigo Timmy Mckern le envía a Luca, donde se lo ve junto a
su familia posando y de fondo las sierras cordobesas. Sierras que podrían contener la rabia,
la furia y el dolor de un adicto a la heroína para que pueda vivir algunos años más.
Sabemos de ese pico de heroína antes de subirse al avión hacia estas pampas.
Después todo lo que ya conocemos. Sumo. Una baterista mujer, el show en la cancha de
Estudiantes de Buenos Aires y Luca invitando a Pappo a tomar vodka desde ahí hasta
Rosario. Después, ese viaje a Villa Gessel y los bares del underground: Einstein, Zero Bar,
el Stud Free Pub, la Esquina de Sol, Cemento y el Obras del 86. Hurlingham, el Abasto y
San Telmo. La adicción a la ginebra. El último show en los Andes y el 22 de diciembre de
1987.

¿De Luca sabemos todo? Todo lo explicito está ahí, lo podemos encontrar en libros, notas,
documentales y películas. Conocimos ese lado oscuro e, incluso, ese culto al “frontman” adicto
nos tapó el bosque. Pero, como se dijo con Maradona, no importa lo que hizo con su vida,
sino lo que hizo con la nuestra. ¿Qué sabemos de nosotrxs desde Luca? Y quizás no
sabemos lo que Luca hizo con la nuestra. Por eso este escrito.

El enigma Sumo

Una vez Alfredo Rosso se refirió a Sumo como una banda inglesa. Él decía que le daba
una sensación de haber cruzado una frontera y trasladarse al Londres del post punk. Y
justamente, esos nuevos sonidos que se sintetizaban en Sumo eran una novedad. Ese rock
incorrecto surgido en los residuos de la dictadura militar más sangrienta del cono sur vino
a ocupar un espacio vacío. Así como la política no soporta el vacío, el arte tampoco.
¿Estaban esperando algo que les rompa la cabeza? Y ahí apareció el hecho artístico, ahí
apareció la anomia, la anomalía, el enigma Sumo.

Enigma porque no era fácil acceder a Sumo. No era fácil porque era algo raro para esa
normalidad que era el rock nacional. Pero tampoco era fácil porque pocos se animaban a
acceder a Sumo. De hecho, el mismo Ricardo Mollo dice que cuando empieza a tocar con
ellos, sus amigos y vínculos del rock le decían: ¿De verdad que estas tocando en ESA
banda? El rock nacional le daba la espalda a Sumo.

El maestro emancipador

Luca era un intelectual que se negaba a serlo bañándolo todo en ginebra. Eso era un escudo
para su sabiduría. Porque seguramente como todos los mortales que vivimos
contradicciones, Luca también las tenía. Sumo fue para Luca la banda que se consiguió
para bajar su discurso, su ideología. Y, quizás, sin intenciones de hacerlo, inauguró una
escuela: la del amor. Porque esa filosofía del underground, del amateurismo venía del verbo
amar. Y como ciertas veces les transmitía a sus compañeros de banda sobre su música:
“obvio que lo vamos a hacer bien, porque sale del corazón”.

Esa forma de ver a la música me llevó a pensar, tal como lo plantea Ranciere en el Maestro
ignorante, que Sumo fue una aventura intelectual. Me animo a decirlo porque, insisto, sin
intenciones de trascender, Luca no sólo que marcó a sus compañeros y sus proyectos
posteriores, sino que influyó a una enorme cantidad de bandas y artistas del país de
diferentes estilos y expresiones.

“Los Sumo”, y las centenares de bandas que tuvieron como influencia a la banda que
lideraba el pelado habían aprendido sin un maestro explicador, pero no por eso sin
maestro. Por eso, Luca les había enseñado algo. Pero, tal como dice Ranciere, “no les había
transmitido nada de su ciencia”. En el Maestro ignorante, Jacotot no había transmitido
nada, como Luca. Y tampoco, ambos, no utilizaron ningún método. Sin embargo, se
basaron en la vía de la libertad y en la confianza en la capacidad intelectual de todo ser
humano. Por ello, Luca fue un maestro emancipador.

Sumo y el quiebre de la normalidad

El rock nacional tomó forma a fines de los años 60’ y durante los 70’ se transformó en un
movimiento amplio, con un discurso que mezclaba el pacifismo, el rechazo a la moralina
conservadora y la resistencia desde la vestimenta, la poesía y las expresiones a largos años
de represión simbólica y material. ¿Cuántos terminaron en el calabozo por lucir sus largas
cabelleras de libertad?

La dictadura del 76’ le da un golpe de gracia a un pequeño círculo que venía siendo
atacado y censurado desde años anteriores. Quienes formaban parte del movimiento eran
considerados “maricas y drogones”. Sin embargo, el golpe militar vino a colocar un cerco
de censura contra todo aquello que estuviera en contra de los valores occidentales y
cristianos. Esto trajo como consecuencia un costo cultural, pero también, ciertas muestras
de resistencia desde la música. Por ejemplo, muchos músicos comenzaron a utilizar
metáforas en sus letras, donde quienes llevaban adelante “el filtro” de las canciones que
deberían prohibirse, no las podían entender, entonces se grababan y se publicaban.
Hacia los finales de la dictadura y, más precisamente, con el estallido de la Guerra de
Malvinas, al prohibirse la música en inglés, el rock nacional se expande y empieza a ser
masivo. En este sentido, y haciendo un alerta, no quiero decir que la dictadura,
indirectamente, benefició el desarrollo del rock local, sino que, las acciones de resistencias
y las formas que debían adoptar las nuevas bandas promovieron el desarrollo del mismo.
En otras palabras, existía una olla a presión que, a medida que el gobierno de facto iba
perdiendo poder concreto y simbólico, se iba destapando. Debajo de eso que estaba bajo
presión, irrumpe Sumo con una propuesta disruptiva.

Con la primavera democrática, el rock argentino iba por un camino, por una línea artística
que, si bien se podían diferenciar estilos, no había hechos artísticos que vinieran a
“cuestionar” esa normalidad musical. Sumo cantaba en inglés y tenía un cantante pelado.
Eso ya era lo raro y lo diferente. Seguramente que el prejuicio musical de todo ese
movimiento previo mantuvo al margen a la banda, pero ese espacio que Sumo fue
construyendo servía como elemento de contención de todo lo que no se ajustaba a lo
normal.

Sumo fue la barbarie hecha canción para ese rock nacional ochentoso. Desmitificando
ciertas cosas, ni Sumo ni Luca fueron quienes trajeron los nuevos sonidos del new wave, el
reggae, el post punk o el ska al país. Sin embargo, Sumo tiene el mérito de haber
sintetizado esos estilos musicales con una forma nueva de tocar música, lo que la guitarra,
el bajo y el saxo hacían en Sumo, eran una novedad que implicó una ruptura, un quiebre
con el orden de cosas existentes en el rock local. Por eso el mérito de Sumo es haber sido
una invención insospechada. Sumo y Luca fueron un verdadero acontecimiento artístico.

Tiempo, destino y amor

En el último libro que escribió sobre Sumo y Luca, Roberto Petinatto cuenta que al volver
de España luego de su exilio post muerte de Luca, al cruzar la General Paz en un taxi, se
encuentra con un graffiti que decía: “Luca vive”. Ricardo Mollo, su antiguo compañero de
guerra, se lo había anticipado. Se había construido el mito. Sin intenciones de hacerlo, Luca
se había convertido en un mito y Sumo, en una banda masiva que ya tocaba más. ¿Cuántos
estadios se pueden llenar con la enorme cantidad de remeras de Sumo que se ven por las
calles de nuestro país? Paradojas de la vida, contradicciones de la humanidad que llegan
hasta en el arte. Al último recital de Sumo asistieron 400 personas en diciembre del 87’. A
partir de ahí, aparecieron los corderos en la noche y los cuarenta dibujos en el piso.

A quién escribe no le gusta en lo más mínimo referirse a Sumo y a Luca como un mito o
como una leyenda. Tampoco este escrito pretendió realizar una reconstrucción de lo que
fueron. Para ello existen muchos materiales escritos, notas, libros y hasta películas. Algunas
producciones peores que otras, pero el cuerpo de la historia está a nuestro alcance con
mucha facilidad.

Quizás si fue un escrito que salió del corazón, como lo aprendimos de Luca. Alguna vez,
Alejandro Sokol dijo sobre Luca: “Había que pelar, y Luca pelaba”. De ahí venimos
muchxs, nos formamos con esa manera de encarar las cosas, la de pelar lo que sale del
corazón. Desde ahí fuimos aprendiendo a relacionarnos con las cosas de la vida. Para todo
lo demás, FUCK YOU! Y cada cual lo construye a su manera.

Quizás Sumo fue para Luca una vendetta producto de toda esa mierda que masticó contra
todo tipo de autoridades a lo largo de su vida: primero a la figura de un padre conservador,
pasando por el internado en Escocia, el infierno de las adicciones y hasta contra la propia
música. Quizás era cuestión de tiempo, quizás era el destino. Por suerte fue el amor.

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Excursionistas es ideal para que suene al volver del trabajo, cuando viajas en un vagón a punto de explotar y buscas deseos por un escape de la realidad. ¡Sorpresa! Excursionistas habla de la realidad y las realidades de una sociedad convulsionada y presurosa. Lo hacen desde una mirada sensible y cruda, poética e inmediata. La lírica de sus canciones está acompañada por melodías urgentes de guitarras rabiosas, teclados que invitan de inmediato a hacer palma palma y la percusión que marca el ritmo justo para mover la patita. 

Blues, rock, punk, garage. Todo emerge en “La sangre en el ojo”, su segundo disco larga duración, que además de temas propios incluye covers que no pasan desapercibidos: Reina Morena, de Gualicho turbio, y las versiones en español de Solo el señor lo sabe bien, de Beck y Gloria de la gran Patti Smith. Grandes lujos de este trío que da pelea en el ascenso de la escena under de Buenos Aires y que se recomienda ver en vivo, al menos, una vez. El composé de la puesta en escena y su catártica performance sobre el escenario, envuelve nuestro cuerpo y lo hace levitar de tal manera que nos encontramos bailando, casi, sin darnos cuenta. 

Por Macarena Martínez y Oscar De la Vega / Fotos: Lucia Vite, Sofía LZN, Dani Kala y Diego Homez

 La banda nace a fines del 2013 y desde ese momento no ha tenido descanso: llevan grabados tres EPs y, con este lanzamiento, dos discos larga duración. Han tocado a lo largo de toda la capital y también del conurbano, generando vínculos y amistades entre bandas de diversos géneros y posicionándose en la tabla como uno de los grupos punteros de la escena independiente local. Este año, además de girar y grabar el disco, compartieron escenario con el humorista Guille Aquino y elenco, abriendo las funciones de “Antisocial” en el teatro El Nacional, y también se los ha visto en solidaridad con lxs trabajadorxs de Kimberly Clark tocando en un festival a beneficio en la planta de Bernal. Imprescindibles y todo terreno, el material de Los Excursio se encuentra disponible en todas las plataformas digitales además de las ediciones en cd y vinilo, el revival del siglo XXI.

 Es en el marco de la presentación oficial de “La sangre en el ojo”, este Sábado 14 en Vuela el Pez (¡gratis!), conversamos con ellxs sobre la autogestión, la escena y otras yerbas.

¿En qué contexto nace Excursionistas?

Excursionistas nace en 2013 pero es recién con la incorporación de Santi en 2015 que la banda toma verdadera forma y personalidad, con una identidad más definida y un rumbo más claro. Si bien ya incursionábamos en estos géneros (garage, blues, punk), desde que nos constituimos como dúo de guitarra-batería todo se encaminó; y mucho más aún con la llegada de Lupi en teclas y voces. Ciertamente el contexto socio-económico y político siempre nos afectó y no somos ajenxs a lo que sucede.

¿Cómo se organiza una banda como ustedes, autogestionada? (ejes en: fechas, cobrar por show, venta de entradas, crisis económica)

Nos autogestionamos, es cierto, pero contamos con un sello que nos apoya económica y logísticamente. BPM Discos nos editó en 2018 nuestro primer larga duración LE BRUIT DANS TA TETE en vinilo y este nuevo disco, LA SANGRE EN EL OJO, en formato digital; nos ayudan constantemente con las presentaciones, con videos y demás cuestiones. Por lo demás, nos manejamos sólxs, la agenda de la banda la llevamos nosotrxs, el vestuario, las luces, traslados, etc, lo resolvemos fecha a fecha, siempre viendo si hay algún dinero disponible para producir, pero en caso de no haber plata tampoco importa demasiado.

Sobre la reciente aprobación de la ley de cupo femenino en festivales, donde se exige un 30% de participación inclusiva de mujeres, colectivo lgttbi, disidencias, ¿qué opiniones tienen?, ¿ayuda que haya UNA LEY para cumplirlo? ¿qué importancia le dan en fechas que uds organizan? ¿cómo ven la escena en la dinámica de la “marea verde” que combate y defiende sus derechos en todos los frentes? y en ese sentido, con respecto al ambiente machista, ¿que consideran mejor, recuperar los espacios o crear nuevos?

En el último tiempo empezamos a prestarle más atención a la marea verde. Lupi, sin dudas, nos ha abierto los ojos a  estas problemáticas y tratamos de participar en fechas que tengan presencia femenina o con diversidad de género. De hecho, nuestro último disco tienen algún eje conceptual sobre este tema y la presentación del disco el sábado 14/12 cuenta con fuerte presencia femenina: Penny Peligro va a estar abriendo, Luci Rollano va a estar pinchando vinilos y Marina Rodríguez y Yanel Luengo van a estar foteando. Tampoco es que levantamos banderas porque nuestro foco siempre está en la parte del espectáculo pero son cuestiones que sin dudas nos interpelan, que nos preocupan y que nos llevan a cuestionarnos a nosotrxs mismxs muchas cosas. Seguimos abiertxs a aprender y re-pensarnos todo el tiempo.

En esta etapa atravesada por el trap y el rap entre la mayoría de lxs jóvenes, ¿escuchan algo de eso? ¿Es posible que Excursionistas llegue a ese público? ¿harían alguna colaboración con otrx artista de ese palo? 

Actualmente estamos colaborando y tenemos pensado hacer algún split o algo así con Killato The Jason, un muchacho muy joven que viene desde Misiones y que es la gran promesa del trap. Killato tiene un talento enorme para improvisar y se acopló súper bien a nuestra propuesta y nos llevamos bárbaro así que tenemos muchos proyectos con él. Así que sí, el trap nos interesa muchísimo y estamos convencidxs que es la música urbana que mejor representa a lxs chicxs hoy en día, mucho más que el rock, sin dudas.

¿Qué bandas/ artistas/ discos escucharon o gastaron al punto de considerarlos como influencia para ser ustedes la banda que son?

En lo personal yo escucho mucho punk rock y garage y sus vertientes, Santi y Lupi son más amplixs y se meten con otros géneros, eso hace que no nos encasillemos y podamos jugar y expandir nuestro sonido. Podemos ir desde The Sonics y The Kinks hasta Beastie Boys, WOS y Miles Davies o James Brown.

La escena independiente y autogestiva en el 2019, consideran que ¿sigue intacta, está más dinámica que nunca o es el público/ espectadores que no van en busca de nuevas bandas? ¿Se suele usar excusas a veces para quedarse en lo “mainstream”? 

Este 2019 nos encuentra en el último año del macrismo más duro, en todos los sentidos posibles: han destruido al país económica y culturalmente. El hecho de tener poca plata para destinar al ocio y de que los canales de difusión estén cada vez más dirigidos hacia el mainstream y cada vez menos a los movimientos emergentes influye e impacta directamente en la escena. Muchas bandas se han separado en el último año, ya sea por falta de perspectiva o proyección o porque se dificulta cada vez más sostener un proyecto artístico que es poco redituable. Veremos qué nos depara el futuro, mientras tanto seguiremos aguantando. 

La sangre en el Ojo, ¿de qué va el disco?, ¿cómo fue el proceso de composición y grabación?

LA SANGRE EN EL OJO fue grabado en dos semanas y mezclado en otras dos. A diferencia de nuestro disco anterior que nos llevó nueve meses de trabajo. Es un disco urgente que habla sobre ciertos movimientos emergentes (de mujeres, pueblos originarios, minorías y no tanto) que buscan hacerse visible y que cargan con una opresión histórica. Nuestra idea era crear una ópera rock con una protagonista femenina que contara las vicisitudes cotidianas que debe enfrentar una mujer hoy en día y que finalmente desafiara las convenciones y se rebelara liderando un movimiento insurgente. Por suerte nos bajamos a tiempo de esa cosa pretenciosa pero quedaron varias canciones que tratan de esto y esperamos que la gente perciba ese espíritu.

Definamos Excursionistas en vivo. 

Excursionistas en vivo es una bomba de tiempo, una performance esquizoide de rocanrol, una puesta en escena con todos los clichés del rock y su costado más pomposo y ridículo. También es una catarsis colectiva, una invitación al desenfreno y una sorpresa constante. Nos gusta actuar y tocar a volumen fuerte. Y nos encanta ver a la gente reir y bailar.

Excursionistas presenta oficialmente su segundo disco larga duración La sangre en el ojo este sábado 14 de Diciembre en Vuela el Pez, Córdoba 4379 CABA, a partir de las 21:00 hs. Invitada especial: Penny Peligro. Entrada completamente GRATIS. 

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Por Laura Salomé Canteros / Fotos: Oscar De La Vega

Músicas y activistas. Performers, encapuchadas zapatistas, punk rockers y por momentos hasta traperas, las Pussy Riot se presentaron en Buenos Aires y fueron cantantes, VJs, voceras por los derechos negados en Rusia y espectadoras de un público que se brindó a un recital que, feminista, se construyó tanto desde arriba como desde abajo del ya mítico escenario del Niceto Club en Palermo.

En un contexto en que las Músicas Unidas reclaman por cupo en los festivales, en que emergen propios para difundir la potencia y diversidad de los talentos y en que las pibas siguen diciendo “no nos callamos más” animándose a denunciar a los violentos en el ambiente, las Pussy Riot brindaron un multifacético y enérgico recital de 23 canciones en el que no faltaron las denuncias a las políticas de los macho- fachos más poderosos del mundo, Putin y Trump, y la persecución del gobierno ruso y los sectores conservadores del poder concentrado hacia las mujeres y personas del colectivo LGBTTIQ+.

Tampoco faltaron las sonrisas, besos y abrazos; los regalos y las manos extendidas hacia el escenario que volvían estrechadas por la frontwoman Nadya Tolokonnikova, que gozosa retornaba el cariño hacia las que agitaban un pogo que de tímido pasó a ser contagioso a las más de mil personas que allí se encontraban. A medida que el recital avanzaba la sorpresa y la admiración entre artistas y público fue derribando las invisibles fronteras del idioma. Las Riot cantaron algunos temas en ruso y otros en inglés. Mientras, los bailes sin coordinación de las pibas abajo eran olas ascendentes para la energía que no paraba -y cantaba y gritaba y agitaba rabiosa- arriba.

“Las chicas inventaron el punk rock, no Inglaterra”, dice una remera icónica que usó en los noventa Kim Gordon, integrante de Sonic Youth. Así lo relataba Valeria Lugosi en una nota que publicábamos en Marcha y que retoma la historia del movimiento Riot Grrrl, una pieza fundamental en el feminismo mundial, un manifiesto punk necesario para plantarnos frente al eterno patriarcado. Las Pussy Riot, cual herederas como tantas otras de esa alegre rebeldía, mostraron su arte y fueron políticas: invitaron a la Campaña Nacional por el Derecho al Aborto Legal, Seguro y Gratuito a abrir el recital en reclamo de esta demanda, permitieron que se escuche el grito por la absolución y libertad para Yanina Farías y al final del concierto levantaron una bandera urgente y necesaria: “Ni una menos también en las cárceles”.

La protesta amenazada

Antes del recital de la banda rusa, Nadya Tolokonnikova, participó de una entrevista pública en la que se analizaron los puntos en común para ejercer la protesta y luchar por la libertad y los derechos en Rusia, en Argentina y el mundo. Organizada por la Red Internacional de Organizaciones de Libertades Civiles (INCLO) y el Centro de Estudios Legales y Sociales (CELS), la entrevista estuvo coordinada por María Florencia Alcaraz -periodista feminista del portal Latfem- y participaron además Paula Paula Litvachky -directora del área de Justicia y Seguridad del CELS- y Daniel Sandoval -docente villero y quien perdió gran parte de la visión por una bala de goma policial durante una protesta-.

Las Pussy Riot fueron detenidas en febrero de 2012 durante un concierto improvisado en la Catedral de Cristo Salvador de Moscú, tras lo que fueron acusadas y condenadas a dos años de encierro por vandalismo en un juicio que ha sido catalogado por observadores internacionales como un espectáculo y por referentes feministas como un intento de disciplinamiento. Nadya fue una de las arrestadas tras cantar en contra de Vladimir Putin y desde el encierro llevó adelante varias campañas para difundir las condiciones de detención en las cárceles, violaciones a los Derechos Humanos que se repiten también en Argentina donde aun los asesinatos en los penales siguen sin investigación ni condena.

“Cuando estaba en prisión comencé una huelga de hambre. Mi abogado escribía cartas. Todo parecía inútil. Queríamos denunciar que dentro de la prisión había trabajo esclavo”, afirmó en la entrevista previa al recital. “El gobierno de Rusia es sexista y homofóbico”, respondió Nadya a la pregunta sobre si estos castigos institucionales recaen de forma diferenciada sobre los cuerpos de las mujeres, “nos pegan con mayor violencia. En los Juegos Olímpicos le pegaron más a uno de nosotras que era un hombre con un vestido. En la prisión nos amenazaban con nuestros hijos. Nos decían malas madres”.

Nadya también habló sobre la “Ley contra la propaganda homosexual” que sancionó el gobierno de Putin en Rusia justo antes de realizarse el Mundial de Fútbol en ese país: “Hace unos años se aprobó una ley que prohíbe promover la homosexualidad. El gobierno es dueño de todos los medios y lo que hace es reprimir y enseñar al pueblo que está bien odiar a los géneros no tradicionales. Es particularmente difícil para las personas trans”.

“No hay que tener miedo ni esperar resultados inmediatos”, afirmó la cantante, “si una está en Rusia y decide luchar por sus derechos debe manejar los miedos y seguir adelante”. Sin embargo siempre hay esperanza y así lo demuestra Nadya a quien la faceta activista parece, por momentos, ganarle a la actitud punk: “El pueblo ruso es mucho más inteligente que el gobierno, por eso tengo muchas expectativas con el futuro. Nos merecemos algo mucho mejor”, afirmó, “lo más importante es la organización”.

“Cuando perdimos nuestra libertad lo que más nos preocupó fue perder el anonimato”

Al igual que los pañuelos verdes, las máscaras multicolores se volvieron ícono mundial y símbolo de libertad durante el encierro de las Pussy Riot. Sin embargo, como integrantes de un movimiento son claras en afirmar que se inspiraron en el zapatismo. “Venimos del antifascismo under”, contó Nadya, “si nos ponemos las máscaras, se trata de las ideas y no de las personas y el objetivo es lo que debemos transmitir”, agregó y cual crítica o reflexión ante un movimiento feminista que se sabe sin fronteras, dijo: “con la máscara somos representantes, no dueñas”.

Florencia Alcaraz hizo a Nadya la pregunta que muchas queríamos: “¿Qué harían las Pussy Riot si estuvieran en Argentina en la presentación del proyecto de aborto el próximo 28 de mayo?”, a lo que respondió entre sonrisas: “Queremos ser invitadas”. Y agregó, sobre el movimiento de mujeres, lesbianas, travestis, trans y no binaries: “Ustedes me inspiran. El movimiento de mujeres es lo más grande que vi en mi vida. Sé que van a ganar”.

Finalmente la cantante habló brevemente sobre un tema que confesó, le apasiona: feminismo & punk. “Cuando empezamos Pussy Riot eramos sólo tres chicas. Cuando son pocas y tienen una idea radical, hay que apelar al punk”, aconsejó, “pero cuando son millones hay que salir a manifestarse y ya no es necesario acudir a un movimiento artístico”. Nadya también se permitió dejar la complejidad de lado para ser simple y directa, y ante la pregunta sobre cuáles son las herramientas que nos entregan los movimientos feministas y punk para resistir a la crueldad del neoliberalismo afirmó, casi predictiva del recital: “¡griten!”.

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El miércoles por la noche, el teatro Colón se vistió de rock en lo que fue el primero de los dos recitales (repite el domingo) a modo de cierre de la gira “Resonancia”, donde Pedro Aznar celebró sus 35 años como solista. En un concierto para guardar en el corazón, el músico estuvo acompañado por dos grandes del rock nacional: Charly García y David Lebón.

Las luces de la sala se apagaron, una luz azul invadió el escenario. En la inmensidad del hermosísimo teatro Colón estaba él. Lejos de inhibirse por tremendo monstruo, Pedro Aznar salió con una encantadora versión de “Because”, de The Beatles, para dar inicio a un show que sin lugar a dudas quedará guardado en la memoria y el corazón de quienes esa noche estuvieron (estuvimos) allí.

La velada fue íntima. Solo él y sus instrumentos, ellos y las palmas del público, de a ratos las voces. Y de golpe el ambiente se volvió pequeño, amigable, cálido entre ese viaje por distintas épocas. Sonaron así temas como “Fotos de Tokio”, “Traición”, “Buenos Aires”, “Panteras de polvo”, “Perdón” y tantos otros clásicos que en esta oportunidad se presentaron dentro de una acústica increíble y en un ambiente donde no hubo segundo en el que no se respirara emoción.

35 años de música llegaron al Colón entre el rock y otros estilos, pero sobre todo llegaron con la fuerte impronta de la música popular y latinoamericana (que en esta oportunidad incluyó la encantadora voz de Lila Downs en “Por la vuelta”), con un estilo propio que además marca una identidad compartida. En ese sentido, el músico explicó que “la resonancia tiene que ver con sonar en consonancia con otros para aportar lo propio”, haciendo referencia a que a esa celebración de su trabajo se le suma el de quienes lo precedieron y en donde además incluyó al público que siempre acompañó y acompaña. 

Tal como lo mencionó Aznar ante una silenciosa sala, el Colón puede parecer un lugar que necesita ser “desacartonado”, porque es allí donde el silencio del público reina por una cuestión protocolar y en donde los sonidos salen solo del escenario. Y el rock es otra cosa. “Sé que da cosita”, lanzó el músico desde arriba, sin entender quizá que ese silencio se debía a otro motivo: a las emociones que vivían (vivíamos) quienes estaban (o estábamos) frente a él, frente a todo ese talento y a toda esa música que se metía en el cuerpo y llegaba al corazón, esa que es bueno escuchar. 

El día que Serú Girán tocó en el Colón

El Festival de Conciertos Únicos ofrecía además un amplio abanico de artistas para todos los gustos: Lila Downs, Café Tacvba, Juanes, Luciano Pereyra, Gustavo Santaolalla, La Trova Rosarina, Katherine Jenkins y Tango y Flamenco. Nada se sabía de sorpresas o detalles del show. Pero el simple hecho de saber que Pedro tocaría, entusiasmaba por el lugar, por su música y por un show tan especial como el de cierre de gira por sus 35 años de solista, final de un camino que lo llevó a su ciudad y sin más que él y los instrumentos. 

Pasado mitad de Show, Aznar se remontó a cuando era un niño y escuchaba la radio, cuando se quedaba hasta muy tarde y al otro día no podía despertarse. Contó que en ese entonces escuchó a un gran músico y que la vida le regaló la posibilidad de compartir con él una banda. Lo contó como si fuese un sueño cumplido, quizá sin saber que le estaba anticipando a su público que le cumpliría un sueño esa noche. Así subió entre aplausos interminables David Lebón, con quien tocó “Dos edificios dorados”, dejando al público con ganas de más.

El recital continuó. Pero otro momento de esos para guardar en la memoria llegó. Otro de esos músicos a los que el mismo Pedro seguía desde chico se había convertido en compañero de banda y estaba allí, a segundos de abrir el telón sorpresivamente. Y de entre las telas rojas, sin necesitar presentación, Charly García se llevaba los aplausos y las lágrimas del público. Fue allí cuando el Colón terminó de “desacartonarse”, cuando todos y todas se sintieron en una ronda con guitarra incluida, escuchando a ese  músico que siempre está bien escuchar. Una tierna y por momentos graciosa (por el humor de García) versión de “Confesiones de invierno” dejaba a los presentes una vez más sin aliento.

Y así como el joven Pedro un buen día cumplió el sueño de tocar con esos a quienes escuchaba en la radio, el 13 de febrero de 2019 el gigante Aznar nos cumplía un sueño (y me incluyo como espectadora), nos daba la posibilidad de escuchar al trío Aznar-García-Lebón una vez más y revivir la música de Serú Girán con “A cada hombre, a cada mujer”. El sueño llegó de a poco, por partes, y culminó de la mejor manera. Difícil será que alguna de las personas que compartieron esa noche olviden ese mágico momento.

Músico todo terreno

No es novedad el talento de Pedro Aznar, pero si se puede decir que esa noche aprovechó al máximo todos los recursos, incluido la acústica del teatro Colón, que le permitió cantar “Quebrado” y “Tan alta que está la luna”, esta segunda acompañada por el coro conformado por el público. 

Fue un show que tuvo todo lo necesario para coronar una gira que abarca 35 años de historia. Calidad musical, cercanía con el público, la ruptura de la estructura, la música popular en el imponente Colón, la música como principio de la vida. 

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El Quinteto bonaerense La Grela presentó en la Usina del Arte su nuevo disco “Superclásico” para que la nostalgia comience a palpitar con el anhelo de encontrarnos en el hoy con lo que fue y siempre será.

La casa de los abuelos, el patio rodeado de las habitaciones, ¿y por qué no? a la sombra de un viejo árbol, el mate y justo al lado, sobre un banco de chapa despintada o de madera recién lijada, la radiecita llama a la nostalgia para que se siente con nosotros a esperar que chille la pava.

Los bares de Buenos Aires; los amores perdidos evocados en el silencio de un cuarto solitario; la voz del diariero que llama desde todas las esquinas y que se mezcla con el sonido de los celulares, las bocinas, las campanadas de las viejas iglesias; las pantallas digitales que no dejan de mostrarnos imágenes que se suceden unas a otras pero que no logran tapar el legado que nos dejó el pasado.

Las callecitas se llenan de música en todas estas postales, el vozarrón del bandoneón se alza desde ellas y nos susurra al oído los mejores recuerdos.

“Superclásico” hace honor a su nombre y nos arranca una sonrisa y también un lagrimón por traernos al presente, la banda sonora del romance que vivieron nuestros antepasados, sus desesperanzas, fracasos y luchas; la soledad que cada persona atraviesa para descubrir quién es y conocer sus raíces.

La Grela es un quinteto integrado por los músicos Diego Tejedor en violín, Rubén Slonimsky en bandoneón y arreglos, Rafael Delgado Espinoza en violoncello, Ricardo Cánepa en contrabajo y Pablo Fraguela en piano, arreglos y dirección.

“Superclásico” es el segundo disco de la agrupación y cuenta con la presencia de Adiós Nonino, A media luz, Malena, El día que me quieras, Por una cabeza… todas las locuras… y susurrar las letras bien bajito, cerrar los ojos, tararear y cebar el mate; respirar hondo y abrazar lo más lindo de lo que parece que fue pero siempre será.

Adelanto “Superclásico”

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Un recorrido por la vida del músico Tanguito. Una excusa para pensar los métodos de internación de las personas que rompen con la “normalidad” en las sociedades; sobre todo las represivas. En esta segunda parte, el éxito y la caída a partir de su internación en el Borda. Y un recorrido por la idea de desterrar el encierro.

A partir de su internación, otra historia empezaría en la vida de Tanguito. Su estadía en el manicomio estuvo marcada por la aplicación indiscriminada del electroshock y el shock insulínico (y los dos combinados), la sobremedicación, el aislamiento social, el encierro en celdas pequeñas y la violencia física y sexual.

Sólo unos meses en el hospital Borda bastaron para avasallarlo, y transformarlo en una persona con la mirada vacía, con poca capacidad para hablar y relacionarse con los demás.

Tanguito fue rápidamente etiquetado como esquizofrénico y, debido a su conducta alterada, fue trasladado al Servicio N° 13 de ese mismo hospital, destinado a alojar a psicópatas peligrosos. En poco tiempo pasó de ser un músico callejero con influencia dentro de la generación que fundó el rock nacional, a ser considerado una persona con una alta peligrosidad social, que debía estar aislado no sólo del resto de la sociedad sino también del resto de las y los pacientes del Borda.

A los dos meses de haber ingresado al manicomio, fue reubicado en el Servicio de Toxicomanía N°30[i] que había sido inaugurado recientemente y estaba destinado a ayudar a personas con consumo problemático de sustancias. La idea, según las autoridades del hospital, era que este servicio funcionase con un criterio horizontal y democrático, tomando de modelo a las comunidades terapéuticas.

Pero la realidad fue otra, según relata Alex Piedras, un compañero de internación de Tanguito: “La Unidad 30 no tenía atención especial. Era como un depósito. No había tratamiento ni nada (…), ahí han hecho desastres. ¿Sabés a cuanta gente le han arruinado la vida ahí? (…) He estado en cárceles y reformatorios, pero no vi nada peor que ese psiquiátrico, porque ahí constantemente tenés miedo de volverte loco”.[ii]

Piedras agrega que el gran problema de estar internado era que, si reaccionaban ante tanto maltrato, les daban electroshocks hasta que “te quebrabas y te meabas encima”. Después los llevaban a un calabozo a los que se los llamaba buzones, por lo chiquititos. Asegura que durante los meses en los que Tanguito estuvo ahí adentro lo trataron de manera terrible y que ya en el último tiempo estaba prácticamente irreconocible.

“La última vez que lo vi estaba muy mal, querría no acordarme. Tenía los ojos vidriosos. Me acariciaba y me abrazaba fuerte. Me apretaba como dándome una despedida”, dice la mamá de Tanguito. La madre del músico cuenta además que cada vez que lo iba a visitar al Borda, Tanguito le rogaba que lo sacara de ahí, que lo estaban matando y ya no resistía más. [iii]

Adriana Piedras narra que la historia de Tanguito había tenido una parte “muy mágica y una muy oscura”, ya que había sido llevado al manicomio porque molestaba que anduviera vagando días y noches por las calles de Buenos Aires, alterando el orden establecido rígidamente por la dictadura militar imperante; y que era por eso que le pegaban, lo sobremedicaban y le aplicaban electroshocks todo el tiempo.[iv]

La persecución sufrida por parte del régimen imperante, su improductividad económica, las dificultades con las drogas sumadas a su origen proveniente de una familia obrera, fue lo que lo acorraló hasta el manicomio, donde fue demolido subjetivamente.

Involución industrial

Es importante remarcar el origen humilde del cual provenía Tanguito, ya que históricamente esto ha tenido una fuerte influencia a la hora de dictaminar la internación en un manicomio de cualquier persona que tenga comportamientos que trasgredan el ordenamiento social establecido.

La internación de los locos pobres es una consecuencia del hecho de que estas personas no son productivas en sociedades basadas en la productividad, y si continúan enfermas es por la misma razón: porque son improductivas, inútiles para la organización social.

La forma de controlar las desviaciones improductivas es colocando a estas personas en una situación pasiva, sin capacidad de decidir sobre sus vidas, anuladas subjetivamente.

Una vez ubicados en el lugar de objetos, son reutilizados por la cadena productiva, al transformarse en uno de los eslabones fundamentales que activan el mercado farmacológico, en calidad de consumidores de psicofármacos.

Hay que tener presente que la industria farmacológica mueve millones en todo el mundo y es, luego de las ventas ilegales de armas y de drogas, uno de los negocios más redituables. Es por ello que se hace necesario para esta industria crear y mantener el estado enfermo de una persona, y así el manicomio resulta uno de los medios más importantes para lograr aquel propósito.

Un manicomio no es, entonces ,solamente un lugar de encierro de los marginados sociales, sino también un instrumento de control social que funciona como amenaza para aquellos que no están internados, marcándoles el rumbo que sus vidas deberían seguir y las consecuencias de no aceptar las condiciones que los sistemas capitalistas de producción imponen a sus participantes.

A partir de la revolución industrial, nacen no solo los psiquiatras y los manicomios, sino también un nuevo parámetro de normalidad: aquel que no estorbe el ritmo de producción podrá gozar de los beneficios de los no-enfermos, haciéndoles creer que viven en un mundo de plena libertad para decidir sobre sus vidas. Una de las consecuencias de no aceptar estas condiciones estará encarnada en la posibilidad de ser internado por tiempo indefinido.

La contracara serán los ya estigmatizados por una etiqueta psiquiátrica, quienes producto de su improductividad serán considerados personas enfermas, irrecuperables, que deben ser apartadas del resto de la población, perdiendo así todos sus derechos. Una vez colocadas en esta situación, se trasforman en perpetuos consumidores de psicofármacos, ocupando un lugar fundamental dentro de esta industria.

En la vereda opuesta, está la corriente que intenta desterrar los manicomios, el encierro, y que considera que las denominadas “enfermedades mentales” son en realidad enfermedades sociales, que tienen un fin y un propósito dentro de una sociedad. Es imprescindible analizarlas como hechos histórico-sociales, como intentos de liberación, de resistencia ante un medio que se torna insoportable para esa persona.

No podremos acercarnos al mundo de un internado si lo pensamos como sujeto-isla, aislado del medio social en el cual está inserto, y en el momento histórico particular en el cual transcurren sus días. Es necesario analizar al ser humano en toda su dimensión existencial para comprender los procesos que lo llevan a ser depositado en un manicomio. Éstos no pueden ser vistos nunca como un hecho individual, ni puramente biológico, sino siempre ligados al contexto socio-histórico de ese individuo.

Un final triste y anunciado

Pero esta historia sigue hablando de nuestro protagonista, Tanguito, y en lo que se transformó a partir del encierro y la sobremedicación.

Tanguito falleció luego de uno de sus tantos intentos de fuga del Borda, bajo las vías del tren, cuando iba a visitar a su madre. El mito generado alrededor de su muerte forma parte del imaginario colectivo de las argentinas y los argentinos: hay quienes aseguran que lo asesinaron, otros que se suicidó y otros que simplemente fue un accidente.

La realidad indica que durante los meses que estuvo internado fue maltratado y humillado constantemente. Y la historia de su vida se convirtió, así, en un claro ejemplo de lo que un manicomio puede generar en una persona en términos de destrucción subjetiva.

Ya mencionamos que castigar estos comportamientos no válidos funciona como un factor estabilizador dentro de una sociedad, de esa manera sus miembros aprenden cuáles son las conductas aceptables a la vez que experimentan cuál es el camino que de desandarlo, acarrearía consecuencias socialmente drásticas como el rechazo, la persecución, la marginación e incluso estar expuesto a ser internado en un manicomio.[v] Así seas un músico creador de la canción fundacional en la historia de nuestro rock.

[i]  Del servicio N°30 no se encuentran más datos que los relatos de quienes allí padecieron, ya que el entonces Ministro de Bienestar Social, José López Rega ordenó quemar toda la documentación existente.

[ii] Víctor Pintos, Tanguito, la verdadera historia, Planeta, Bs As., 1993, pág. 295.

[iii] ídem, pág. 28.

[iv] Ídem, pág. 294.

[v] Thomas Szasz, Ídem.

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Un recorrido por la vida del músico Tanguito. Una excusa para pensar los métodos de internación de las personas que rompen con la “normalidad” en las sociedades; sobre todo las represivas. En esta primera parte, el surgimiento en la década de 1960 y la historia de la internación como recurso de la psiquiatría aleccionadora.

La Argentina de fines de la década de 1960 sufría un momento sociohistórico particularmente intolerante con las diferencias, signado por la dictadura militar denominada Revolución Argentina y comandada por el General Juan Carlos Onganía.

La situación del país estaba marcada por numerosos hechos que, poco a poco, se fueron transformando en cotidianos, como los reiterados asesinatos de obreros y estudiantes, la represión en las universidades públicas, las leyes anticomunistas sancionadas por el propio Onganía, el cierre de los canales tradicionales de participación política y la censura a la prensa y a todas las manifestaciones culturales calificadas como subversivas.

En aquel contexto, emergieron diferentes voces que, cada una a su manera, mostraban el descontento respecto del poder dictatorial de la época. Uno de esos grupos estaba compuesto por unos jóvenes músicos, influenciados por el movimiento Beatnik, que pasaban noches enteras naufragando entre el arenero de Plaza Francia, el baño del mítico bar de La Perla de Once, y La Cueva, un sótano-bar sobre la calle Pueyrredón.

Entre los integrantes más destacados estaban Luis Alberto Spinetta, Litto Nebbia, Moris, Miguel Abuelo, Pipo Lernoud, Javier Martínez y José Alberto Iglesias. Este último popularmente conocido como Tanguito, quien encarnaría una de las historias más trágicas del rock nacional.

Proveniente de una típica familia de barrio obrero del oeste del Gran Buenos Aires, sus primeros pasos en la música los dio en la banda Los Dukes en 1963, influenciada musicalmente por el rock estadounidense de los años cincuenta. A pesar de tener cierto éxito dentro de la escena local, tocando en clubs barriales y fiestas familiares, a los dos años decidió abandonar la formación.

Sus problemas de conducta, ligados a los excesos y a sus excentricidades, contrastaban demasiado con la estructura que los productores de Los Dukes querían darle a la banda, por lo tanto, el alejamiento de Tanguito se hizo inevitable. A partir de ese momento comenzó a frecuentar otro tipo de ambientes musicales, donde se toparía con los “padres” del rock nacional.

Dado el contexto que mencionamos de la Argentina, el espacio para vivir una vida desordenada, como la de aquel grupo de músicos e intelectuales, quedaba significativamente reducido y aquellos pibes eran reprimidos constantemente.

Durante los primeros tiempos junto a ellos, Tanguito fue particularmente perseguido y humillado por la policía, quien lo consideraba un peligro para la sociedad por creer que su forma de estar en el mundo produciría la infiltración del Comunismo en nuestro país, y destruiría la familia, la moral y la tradición.

Acusado de traficar drogas, causar disturbios en la vía pública y llevar a cabo actividades Castro-Socialistas, el orden público lo había convertido en habitué de los calabozos porteños.

El inicio del manicomio o cómo encerrar lo que se sale de la norma

En 1838 se produjo una modificación sustancial en relación al estatuto jurídico de las personas encerradas en asilos al sancionarse, en Francia, la Ley Esquirol. A partir de ese momento, comenzaron a diferenciarse dentro de los recluidos a quienes eran retenidos por algún motivo de orden social de los que requerían un tratamiento médico. Hasta ese momento, el pobre, el alcohólico, el vago, el delincuente, la prostituta, el desocupado, compartían con el loco el mismo estatus social, para lo cual existían instituciones que los alojaban para que no tuvieran contacto con el resto de la sociedad.

Esta ley, hija de la Revolución Francesa, se extendió a casi todos los Estados modernos de Occidente, y se transformó en el marco jurídico que administró el destino de las personas internadas y las prácticas asilares de los psiquiatras por más de 150 años.[i] Con la nueva legislación, entró en juego la figura de la médica y el médico psiquiatra como quien conoce y decide sobre la vida de las personas privadas de su libertad por causas médicas, y nació así la institución “manicomio” como el lugar de tratamiento médico especializado.

Así, la concepción biológica estaría presente desde el inicio de la disciplina psiquiátrica. Por eso se consideraba que, por desórdenes de tipo “orgánico”, estas personas debían permanecer en instituciones especialmente creadas para su tratamiento. El manicomio abriría sus puertas basándose en los principios de irrecuperabilidad y de peligrosidad social de sus huéspedes.

Fue el propio Esquirol el que más abogó para que tanto brujas, magos, y quien transgrediera la ley fuera considerada una persona enferma que debía ser recluida en estas instituciones especializadas en lugar de ser sometidas a la hoguera o encerrados en prisiones o asilos.[ii]

Más allá del cambio humanizado que supuso la sanción de aquella ley, la concepción seguiría siendo la misma: segregar a aquellas personas del resto de la sociedad, ya que por su conducta desviada alterarían el orden social establecido. Es por su incapacidad de vivir junto con el resto de la población no-enferma que se crean los manicomios.

Con el inicio de la psiquiatría, se produjo una exclusión justificada en una necesidad: la de un tratamiento médico especializado. Para ello se hizo inevitable crear un parámetro de normalidad cuyas desviaciones fueran juzgadas como enfermas y, por lo tanto, plausibles de la intervención del psiquiatra.

La nueva enfermedad tuvo una función social clara: legitimar la normalidad en la sociedad. Por lo tanto, quien se aparte de esos parámetros será considerado loco, insano o “enfermo mental” y “deberá ser separado del resto de la población para evitar el contagio”.

El naufragio

La tendencia de la psiquiatría a considerar todo comportamiento anormal o poco usual como enfermedad mental se extendió a lo largo y a lo ancho del mundo occidental. El eje normalidad-anormalidad fue modificándose de acuerdo a los intereses de quienes detentan el poder en ese momento y a las condiciones sociales propias de cada época y cada cultura.

Así llegamos a nuestra historia: la de Tanguito en la Argentina represiva de 1960 y a sus frecuentes choques con la sociedad en general y con la policía en particular.

Y fue el 19 de junio de 1967 cuando se produjo un cambio radical en la vida del músico. Ese día Litto Nebbia y Los Gatos grabaron su primer simple en los estudios TNT. De un lado estaba “Ayer Nomás”, de Moris y Pipo Lernoud, y del otro “La Balsa”, tema compuesto por el propio Nebbia  y Tanguito.

A partir de ese momento fundacional del rock nacional, empezó a tener reconocimiento masivo un estilo musical con una ideología contracultural que apuntaba a concientizar a la gente en contra de la guerra y el hambre y a favor de la libertad; lo que se constituyó en la voz de lo que gran parte de las nuevas generaciones estaban pujando por gritar.

La masividad lograda ubicó a Tanguito en una situación particular, ya que empezaba a ser reconocido como el coautor de “La balsa” e integrante de una generación de músicos que representaba el pensamiento de miles de jóvenes. Sin embargo, no quiso (o no pudo) aprovechar aquel esbozo de fama para lanzar su carrera musical y obtener una especie de amnistía con respecto a la persecución policial.

Puesto en el centro de la escena, quedaba a mitad de camino entre subirse a aquella balsa de masividad y comercio o quedarse naufragando, ya sin sus compañeros de antes y trasformado en un símbolo para algunos grupos de adolescentes.

Su automarginación y el recrudecimiento de la actitud inquisidora de la policía lo aislaron cada vez más del mundo y lo mantuvieron en un estado de constante paranoia. Luego de numerosas detenciones y abusos, fue llevado al servicio de toxicomanía del hospital neuropsiquiátrico José T. Borda para su tratamiento.

A partir de su internación, otra historia empezaría en la vida de Tanguito. Su estadía en el manicomio estuvo marcada por la aplicación indiscriminada del electroshock y el shock insulínico (y los dos combinados), la sobremedicación, el aislamiento social, el encierro en celdas pequeñas y la violencia física y sexual.

[i] Emiliano Galende, El sufrimiento Mental, Lugar, Buenos Aires, 2006.

[ii] Thomas Szasz, La fabricación de la locura, Kairos, Barcelona, 2006.

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El sábado 14 pasado se presentó Leo Maslíah, el compositor uruguayo, nuevamente en Buenos Aires. Un repaso por los mejores momentos de show, plagados de humor, recuerdos y sin olvidar las referencias políticas.

Sábado nocturno y frío. Si no hubiera sido porque ya habíamos comprado la entrada con anticipación y por la calidad que esperábamos de la intervención de Leo Maslíah, nos quedábamos en casa mirando Netflix. Menos mal que fuimos porque fue un muy buen recital, con varios momentos de mucho humor y muy buena música.

Durante tres días se presentó en tres lugares distintos: El viernes 13 en Lomas de Zamora, el sábado en San Telmo y el domingo en Villa Ortúzar. Las entradas del domingo volaron en poco tiempo, así que nos quedó la opción de San Telmo por cercanía geográfica.

El espectáculo contó con su sola presencia en el escenario, que se mantuvo así las dos horas que duró su obra, acompañado de un piano. Arrancó con temas instrumentales de su gran repertorio, como este “Intento de fuga” e incluyendo temas de música clásica de autores como Bach, o Mozart. El virtuosismo de este gran pianista y músico entra en una deliciosa combinación con las letras cómicas de sus canciones. Algo que recuerda a Les Luthiers.

Supo tocar el “Eco de la Abertura Francesa de J. S. Bach” y sobre esa base, cantó una canción de su autoría sobre el reguetón; y más adelante tocó la “Sonatina n° 2” (sus tres movimientos, sin pausas) del músico clásico y vanguardista Hector Tósar, que podría parecerse a algún tema de Emerson, Lake and Palmer.

La literatura también se manifestó en la canción sobre La Metamorfosis de Franz Kafka.

El momento en el que se lo vio más emocionado fue cuando hizo una versión libre y únicamente instrumental de la hermosa canción de Daniel Viglieti, “Gurisito”.

Si algo faltaba era un poco de actualidad política, pero no estuvo ausente, al dedicarle un tema a los Panamá Peipers, claramente sin escapar del campo del humor.

En su monólogo final, para sacar las últimas risas del público, evocó a Harrison Ford como guía de vida, sin dejar deslizar algunas consideraciones políticas sobre el Imperio.

En definitiva, ir a ver a Leo Maslíah constituye una experiencia divertida y enriquecedora por demás, ya que combina dos elementos y de manera majestuosa: el humor y el virtuosismo musical.

Autor prolífero

Como músico tiene más de cuarenta discos y como escritor más de cuarenta libros de relatos, entre los que se encuentra el excelente La mujer loba ataca de nuevo de Ediciones Godot, novelas y obras de teatro. También compuso Maldoror (2003), ópera que se estrenó en el Teatro Colón de Buenos Aires, basada en el libro de Lautréamont.

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