Un encuentro cara a cara con Ignacia, una banda que refresca con viola, sintetizadores y bajos los escenarios del rock y el funk.

 Conseguime una guitarra

y vamos a desmantelar la casa

(Tregua, 2015)

El final es en donde partí, ese era el verso para esa última canción, la que justificaba el cuerpo entre los cuerpos, la banda invitada -“Última caída”, precipicio pop- y las bebidas de medio tiempo. Parece extraño invocar a La Renga en Palermo, un viernes de diciembre tempranero, pero ahí estamos. Y digo en plural: somos tres, a tientas de la música. Hay gente, bastante gente. Venimos atraídos por una voz, que resulta ser una banda de músicos en torno a una mujer música. Una fémina musical que se ondula en una marea que sube, sube y hace mucho más que saltar. Estamos viendo a Ignacia tocando la viola -al ritmo de sus caderas- mientras modula de forma amplia y Bjork se asoma; estamos escuchando a una banda que se llama Ignacia, que inunda el escenario con teclados, violas, sintetizadores, bajos, fuerza y miradas cómplices.

El show comienza con un recorrido por las canciones de LP que despiden, llamado “Salta”, cover de Something about us de por medio. La gente se mueve; las luces inundan el lugar y yo, paciente y con la boca seca, espero eso que en la sesión en vivo me hizo bailar, una mezcla de funk electrónico frontal, bailable, muy bailable. Para llegar a destino hay que recibir sorpresas: las apariciones -viola en mano- de Fico (Massacre), productor, músico y amigo de los amigos; así como la presencia de Mr. Miguelius, que con sus sonidos electrónicos por boca propulsa al movimiento. Entonces, en el interludio para conectar equipos y cables, llega Ignacia, mira a su compañero, y al ritmo del Steel canta “Hoy es eterno” y “Helado de cereza”; susurra hoy cambio la presión, por esta calma/ con forma de canción y una ventana al mar… y todo se torna suave entre los chispazos vocales del Mr. que la acompaña. Esa voz a ese vos -que se escapa-, a ese yo que sos vos interpela con ecos islandeses; anunciando un después que si es como dejar, que lo más suave exista sin más que pensar/ como acariciar, como dejar caerse, sin mirar atrás.

Y así llegamos a lo deseado y saboreado, esos cuatro temas de la sesión en vivo, desde “Tiro” hasta “Tregua” -pasando por “Subte en Tokio” y “Si” (condicional)- que traen y atraen para cantar será será que no te pasa nada, será será será que la piel no te llama o seguir dudando en futuro simple será que no te pasa nada, pero te quema la piel, pero te quema la piel al ritmo de un funk electrónico, sinuoso, con la bandera blanca y un gesto que pregunta y exclama al mismo tiempo cómo no ves que la tregua ya viene/ por mí. El público se sacude, los músicos bailan imantando la escena, abriendo horizontes. El aplauso final es sostenido; varios quedamos mirando hacia el frente, palpando un afuera -por esa noche- más liviano, lejos del abismo.

*Integrante del grupo de investigación sobre letras de rock que coordina Oscar Blanco (antes, junto a Emiliano Scariccaciotoli).

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La cantautora uruguaya dialogó con Marcha sobre el cambio de paradigma que hace falta, según su mirada, para generar equidad. Acerca de la música como herramienta y la felicidad como sinónimo de autonomía.

Una ‘perra mala’, una ‘pecadora’, una ‘sola’ orgullosa de estarlo. La cantante uruguaya Ana Prada se convirtió para una amplia porción del público argentino en una de las intérpretes más comprometidas con la ruptura de paradigmas. Será blonda y delgada como reclaman las vidrieras, pero no es ni sumisa ni ninguna santita. Desde sus letras y las interpretaciones de sus videoclips, desafía la obligatoriedad de ser mujer-sexy-heterosexual. “Está bueno para las mujeres que tratemos y luchemos por ser independientes”, definió en una entrevista exclusiva para Marcha.

Una Ana que huye de un convento cuando otra, que la deslumbró, la pasa a buscar. Una Ana con rulos al viento en bicicleta. Una Ana acostada en el verde pasto, mientras le canta a su Paysandú. Las imágenes de la artista en su obra la pintan desprejuiciada, en tiempos de ‘princesitas’ del rock o del pop. Es relajada al hablar pero contundente, como cuando canta. Su claridad se traduce en el contenido de sus letras al punto que -sin buscarlo, asegura- se consolidó en una de las intérpretes elegidas por un vasto sector del movimiento antipatriarcal. Al mismo tiempo que regresó a los escenarios íntimos de Buenos Aires con su propuesta acústica “Como en casa”, que reúne temas de sus tres discos, reflexionó sobre el feminismo y el arte.

-Como mujer, ¿considerás que tu rol en al arte puede ser una herramienta de lucha por la equidad de los géneros?

-Como mujeres siempre estamos haciendo camino al andar, en todos los senderos. Hasta no hace muchos años, la mujer no tenía derecho a trabajar fuera de casa, a menos que fuera secretaria o azafata. A todas nos decían que era lo mejor que nos podía pasar. No era común vernos en un puesto de poder, tanto en empresas como en el Poder Ejecutivo. Con los años ganamos un montón de terreno en el ámbito laboral, que tiene que ver con un cambio de paradigma, de pensamiento sobre la mirada de la realidad y el mundo.

-¿En qué consiste ese cambio?

-Se trata de modificar un paradigma patriarcal, muy machista, que se ve en todos los lugares. El mundo tal como hoy lo vemos es el resultado de la mayor participación de los hombres en las decisiones, a nivel de las resoluciones políticas, empresariales, comerciales, de explotación del planeta. Todo lo que tenga que ver con áreas de poder es masculino. Creo que asistimos a un cambio de mentalidad de ese esquema. Esperemos que las nuevas generaciones sean adultos y adultas más tolerantes respecto de sus roles. No se trata de ser iguales sino de tener igualdad de derechos y oportunidades.

–Entonces, ¿el arte es una vía para generar esa otra realidad?

-Cualquier cosa que comunique puede cambiar. La música es algo de rápido consumo, portátil, que llevás en el teléfono. Una herramienta muy potente que te deja pensar. Hay grandes canciones revolucionarias que buscan los cambios sociales; aunque las canciones de amor y desamor seguirán acompañándonos siempre.

-¿Hay músicas o cantantes que hayan elaborado ese tipo de arte que sean referentes en tu obra?

-Tengo referentes como Violeta Parra, la Negra (Mercedes) Sosa en su rol de intérprete, Teresa Parodi, con quien compartimos disco (llamado “Y qué más). También están (Alfredo) Zitarrosa y Aníbal Sampayo, un compositor de Paysandú como yo. Suelen poner muy sobre el tapete la vida de los pobres, de los más necesitados. Se compromen con el arte, no con su ego; entonces lograron trascender.

–Entre los sectores excluidos, las mujeres y niñas suelen ser principales blancos de violencia. ¿Cómo lo analizás en tu país?

-En Uruguay siguen muriendo muchas mujeres, victimas de sus esposos o novios. También mueren muchas niñas y niños. Mientras toleremos este comportamiento absolutamente primitivo, mientras no podamos domar a la fiera que parece que en los hombres sale, no podemos decirnos civilizados. Mientras haya muertes, tendremos tanto por qué luchar.

–En Buenos Aires, el próximo 3 de junio se espera una movilización masiva en repudio de los femicidios. ¿Participarás?

-Sí, me invitaron. Me parece que es una oportunidad para compartir con luchadoras por la paz y los derechos de las mujeres. Me llena el alma que me inviten (a esta clase de acciones). No es algo que busqué, pero agradezco infinitamente. Me siento muy honrada.

-¿Cuál sería tu consejo para las mujeres que escuchan tu música pero todavía no se animan a salir a la calle a reconquistar sus derechos?

-Mi madre me decía a mí y mis dos hermanas que, hasta el último día, como mujeres teníamos una sola obligación: ser felices. Una forma de alcanzar esa felicidad es defender lo que nos haga bien, algo propio. No es que sea necesario ser una empresaria exitosa; que sea como se pueda, en el ámbito que se pueda, con quien se ama y por quien se es amada. Esto es bueno para las mujeres, para que tratemos de ser independientes, de tener nuestro pesito pero, sobre todo, es cuestión de conservar la autoestima y la dignidad frente a los y las demás.

-Una reseña sobre su presentación de ayer de “Como en casa” y la segunda parte de la entrevista se incluirán en la edición del martes de Marcha, en la sección Cultura-

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La cantante porteña Lorena Hermida lanza su primer disco, Flor de otoño, en el que versiona una serie de clásicos de la música popular latinoamericana. Una nueva voz se alza en el cancionero folklórico argentino, y Marcha dialogó con ella.

El próximo martes 14 de abril la cantante argentina Lorena Hermida presenta su disco debut, Flor de otoño, en Café Vinilo (Gorriti 3780) a partir de las 21:00 horas. En este concierto, podremos oír el selecto repertorio que ha elegido para iniciar su camino solista.

Temas de Chabuca Granda (“Cardo o ceniza”), Silvio Rodríguez (“Sueño con serpientes”), Víctor Jara (“Deja la vida volar”), Milton Nascimento (“Encuentros y despedidas”), el Cuchi Leguizamón (“Serenata del 900”), Eduardo Falú y Manuel  J. Castilla (“La atardecida”), forman parte de un logrado disco cuya heterogeneidad genérica apenas asoma entre la unidad lograda por la articulación de la voz de Hermida y las originales versiones musicales de esos clásicos.

El poema del peruano Arturo Corcuera “Los amantes”, musicalizado primigeniamente por Juan Pereira y hecho célebre a partir de la voz de Susana Bacca; “Alfonsina y el mar”, de Félix Luna y Ariel Ramírez -mundialmente famoso en la voz de Mercedes Sosa-; el vals “Ódiame” (del peruano Rafael Otero López); la “Vidala del sol”, de Alicia Crest y Jorge Giuliano; y la canción “Verde, violeta y carmín”, de la chilena Elizabeth Morris, junto con “Arizona”, de Roxana Amed, completan un álbum recorrido por el aire fresco que le imprime Lorena a los antiguos temas de nuestro cancionero latinoamericano.

En Flor de otoño, además del lucimiento de la tenue y pulida voz de Hermida, se destacan los músicos Agustín Toffolutti en contrabajo, Diego Cueto en percusión y Nicolás Mustillo en guitarra, junto con las invitadas Chiqui Ledesma -en “Vidala del sol”- y Roxana Amed -en “Alfonsina y el mar”-.

Docente de canto desde hace más de una década, formada musicalmente en conservatorios y con la experiencia lograda en innumerables escenarios del país en donde fue parte de diversos proyectos musicales -ligados tanto al folklore como al soul y al jazz-, Lorena Hermida lanza, por fin, su primer disco, en el que sintetiza su ya largo recorrido. Marcha dialogó con ella para que nos cuente los pormenores del álbum y de su inminente presentación.

-Contanos cómo surge Flor de otoño. Al oírlo y al conocer tu trayectoria, se nota que más que el álbum de alguien que comienza, se trata de la síntesis de todo un recorrido previo ligado al canto y a la música, que en tu caso ya lleva más de una década…

-Justamente es eso, el resultado de tantos estilos y voces en mí. Por eso no me considero una cantante tradicional folklórica, quiero ser sincera con cómo digo lo que digo. Que realmente me refleje cada interpretación. La idea surge de las ganas de dejar registrado mi presente. Ya hace años que lo que más me representa es la música latinoamericana y sentí que era el momento de volver tangible mi elección.

-El disco contiene una evidente búsqueda por volver a los clásicos de la música latinoamericana, ¿por qué en tu primer disco recuperás esta identidad y esa tradición continental? ¿En qué te basaste para seleccionar los temas de Flor de otoño?

-El repertorio lo elegí desde el sentimiento. Las canciones que más me emocionan son las que elijo cantar, sea porque me identifican o porque quiero contar esa historia. Ya hace mucho tiempo que elijo desde el corazón. Después de ya tenerlo conformado, me di cuenta que muchos de los temas elegidos tenían su contexto poético en el otoño o en el florecer. ¡Todo cerraba!

-Interpretar clásicos encierra un desafío, ya que son temas que en el imaginario popular están cristalizados con la voz que lo hizo célebre. En tu caso, es notoria la pretensión de no repetir formas previas. Ya sea en el voceo o en la musicalización, los temas que cantás en Flor de otoño tratan de distinguirse de sus versiones conocidas. ¿Cómo se buscan caminos originales para temas clásicos?

-A mí lo que me pasa es que no trato de diferenciarme de las versiones originales, sino que busco siempre la honestidad y conexión con mi forma de decir. ¿Cómo contaría esta historia desde mí, el amor, el desamor, el enojo, la alegría? Cuánto más fiel me mantengo a quién soy menos comparable uno se vuelve, pero es sólo como consecuencia de la búsqueda de mi decir de canciones ajenas. Claro que a esto se suman los arreglos musicales de Nicolas Mustillo, que es también el guitarrista que me acompaña, quién aportó su creatividad y pudo ver por donde venía el fluir de cada tema.

-Entre los clásicos y temas conocidos interpretados por célebres cantores que conforman Flor de otoño, aparece un muy buen trabajo de Roxana Amed, “Arizona”. ¿Por qué decidiste incluirlo?

-Admiro a Roxana desde su primer disco. Tuve también la gran experiencia de ser su alumna hace muchos años y tenemos una hermosa relación de amistad a distancia (ella vive en Estados Unidos desde hace unos años). “Arizona” es un tema que siempre me emocionó y cuando lo cantaba en mi casa, sentía que podía tener una vuelta más folklórica y menos jazzera. Por eso, convoqué a mi amigo David Mono Ávila para que tocara el charango y lograr el sonido que estaba buscando.  Cuando supe que Roxana estaba en Buenos Aires, nos encontramos y se lo pedí para grabar.  No sólo me dijo que sí, sino que terminó cantando conmigo “Alfonsina y el mar”. Un gran honor y emoción.

-Últimamente está siendo cada vez más común la formación de grupos de folklore con una fuerte presencia del contrabajo y de la percusión, casi por sobre la guitarra en algunos casos, ¿a qué creés que se debe esta novedad? ¿Por qué definiste armar musicalmente un grupo con contrabajo, percusión y guitarra? ¿Qué musicalidad buscás con ello?

-Tiene que ver, en mi caso, con mi forma de cantar. Creo que el contexto musical que se logra con estos instrumentos se condice mucho mejor con el sonido integral final. Van más de la mano. Pienso que lo mismo le debe suceder a nuevos representantes del folklore.

–Para finalizar, contanos cómo preparás la presentación en Café Vinilo, ¿quiénes te van a acompañar?

-¡La preparo con mucha alegría! Va a ser una noche muy especial, llena de invitados y amigos. María de los Ángeles “Chiqui” Ledesma va a sumar su hermosa voz a la “Vidala del sol”, tal como está en el disco. Flor Bobadilla Oliva va a cantar conmigo “Alfonsina y el Mar”, y en tres temas va a sumarse Emiliano Reinoso en piano. También David Mono Ávila en charango y Juan Elías, que es un cantautor mexicano que conocí este verano en México, con quien compartimos gira y escenario durante dos meses, nos va a presentar dos temas de su autoría.

Los músicos que siempre me acompañan son Nicolás Mustillo en guitarra, Diego Cueto en percusión y Agustín Toffolutti en contrabajo. ¡Espero el 14 de abril con muchas ansias!

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