En pocas páginas, la escritora María Eugenia Miqueo caracteriza la relación entre dos mujeres de distintos tiempos pero cómplices entre sí, aún en las distancias. El libro editado por “Escritor de la lengua” ofrece pasajes que van saltando en el tiempo en forma de recuerdos y detalles de los lugares en donde cada acción tuvo lugar. Amar, temer, partir y dejar partir, de eso podría tratarse esta historia.

La historia es actual, aunque data de otra época. Ema es una joven de poco más de treinta años. Una de las personas más importantes de su vida es Isabela Valverde, su abuela, una escritora nacida en 1930 cuya carrera como tal se inició en los ’50, en años en los que la literatura aun parecía un lugar negado para las mujeres. Quizá sea esa característica de mujer revolucionaria, sumada a su condición de abuela, lo que lleva a Ema página tras página a revivir recuerdos de su infancia y adolescencia, a recordar enseñanzas y momentos incómodos, a sentir aromas, recordar colores y detalles de aquella casa de Tigre en donde creció de la mano de su abuela.

Y es esa relación de admiración la que lleva a quien lee a conocer una historia que va más allá de un vínculo familiar entre una nieta y su abuela, ya que detrás de esas anécdotas se suma el tránsito de Isabela por sus últimos días de vida, entonces la pregunta que surge también podría ser ¿qué dejamos ir cuando alguien se va? o ¿con qué nos quedamos cuando alguien se va? El relato de Ema podría ser el de cualquier persona en cualquier momento de su vida y ante cualquier relación de afecto, vínculo que en oportunidades ubica a las personas en una posición egoísta, de no dejar ir por miedo a perder. Ahí está Ema, recordando, almacenando lo mejor, lo que alguna vez le dio felicidad, lo que le dará felicidad cada vez que ella desee recordar. Ahí está, buscando la manera de que el dolor se transforme o duela menos.

Y como toda historia tiene un contexto, el de “Querida Isabela” guarda bastante de lo personal. “La novela surge de una necesidad mía como lectora. Estaba cursando en la facultad materias muy pesadas y tenía ganas de leer algo reconfortante. A partir de esa necesidad comencé a planear la escritura. Tuve abuelas muy distintas entre sí, pero las dos muy fuertes y muy presentes. Con un rasgo de cada una de ellas y otros que no tuvo ninguna de las dos, surgió el personaje de Isabela”, expresó la escritora María Eugenia Miqueo al referirse a esta obra que de alguna manera la convierte un poco en la misma Ema.

Más allá de la historia, uno de los desafíos con los que se encuentra quien está en la búsqueda de editar un libro es encontrar un sello que quiera hacerlo posible. “Cuando terminé de escribir la novela, y ante la dificultad de que las editoriales lean el manuscrito, abrí una cuenta de Instagram para la novela”, relató Miqueo, quien además explicó que mediante esa cuenta (@Isabelaquerida) dio vida a Ema, nieta de Isabela Valverde, con quien los usuarios y usuarias pudieron interactuar, conocer sus gustos, leer sus recomendaciones y ver fotografías del interés de la protagonista y otras vinculadas a su vida y su relación con Isabela, lo cual sin lugar a dudas dio cuerpo al ya pensado para la novela misma. A este vínculo con lectores y lectoras se sumó un falso documental en donde Ema se hizo presente también en cuerpo, hablando de su abuela y en ese patio que quizá sea el mismo en donde algunas situaciones sucedieron.

“Querida Isabela” es una novela cálida y de rápida lectura, un texto que se acerca bastante a aquello que le sucede a cualquier persona. Sin lugar a dudas, este libro es una excusa para repensarse, para buscar de manera interna todo eso que alguna vez hizo feliz a quien lee la obra (o esta nota). Buscar pequeños instantes de felicidad y guardarlos. De eso se trata.

Para contactar a la escritora:

Instagram: @eugemiqueo

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“Angá Rodolfo”, obra dirigida por Matías Gómez, narra la dificultad de un hombre de cuarenta años para atravesar la navidad en soledad. Se presenta todos los lunes a las 21.30 en el Teatro La Lunares.

“¡Se me dio una vida! ¿Y qué hice con eso?” se pregunta Rodolfo, medio desnudo, borracho y después de varios días de luchar cuerpo a cuerpo con su soledad. La navidad, mezcla de tradición y marketing, reúne a las familias alrededor de la mesa, nos embiste de un clima festivo que comienza con los preparativos necesarios para el gran banquete y concluye recién después del brindis de año nuevo. Días y días de espíritu navideño que puede ser una daga clavada en el pecho para quienes no tienen con quien festejarlo. Este es el caso de Rodolfo, quien a raíz de su incapacidad para relacionarse se va quedando cada vez más solo. Solo y desesperado.

La sala casi a oscuras, solo iluminada por un arbolito de navidad, y la melodía de la guitarra criolla de Diego Coqui Salvatierra reciben al público y lo van preparando para presenciar la batalla de un hombre consigo mismo: desgarrada, cruel, épica. Nadie saldrá inmune. Ricardo Torre le da vida a Rodolfo en una interpretación a la que cualquier adjetivo calificativo le queda chico. La entrega de ese hombre a su personaje es tan grande y absoluta que resulta difícil imaginar el estado emocional en que queda luego de cada función.  La dureza del relato está tamizada con la calidez de la música en vivo que interpreta Salvatierra. Su voz dulce y potente acompañada de guitarra, bombo leguero y tambor son de una belleza absoluta y necesaria.  

Una puesta despojada, magníficamente iluminada, buena música y una interpretación brillante hacen de Angá Rodolfo una obra tan bella como cruda que interpela espectadores y espectadoras y de la cual no saldrá inmune.

Ficha técnica:

Actúa: Ricardo Torre

Música original: Diego Salvatierra

Fotografía: Felipe Castro

Diseño gráfico: Felipe Castro

Asistencia de dirección: Nadin Jezabel Gulman

Prensa y difusión: Kazeta Prensa

Dirección: Matías Gómez

La Lunares Teatro – Humahuaca 4027

Tel: 4867.3105

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La obra teatral de Juan De Lonardi desata minuto a minuto una historia que al inicio parece ser un misterio. Un hombre y sus vivencias, un hombre y su necesidad de escribir. 

No hay juicio más severo que el que nos hacemos a nosotros mismos. Con nadie somos más implacables, a nadie le exigimos más. Y cuando no estamos a la altura de lo que consideramos es nuestro deber ser… la tragedia se desata. Somos capaces de infringirnos los castigos más severos pero aún después de haber pagado la condena, el beneficio de exoneración nunca nos llega.

Horacio escribe, borra, tacha, rompe y vuelve a empezar.  Rompe y vuelve a empezar, cada día, todos los días. Sentado en su escritorio, en calzoncillos porque se tiró la taza de café encima de los pantalones, intenta terminar esta historia antes que su cabeza lo olvide todo. Los recuerdos se desdibujan cada día un poco más, las caras de los seres amados van perdiendo el color. Los nombres que eran propios pasan a ser comunes y las referencias temporales desaparecen. Pero Horacio escribe para resguardar lo que queda de memoria antes que el apagón sea definitivo.

Sembazuru (las mil grullas) es la historia de Horacio, un escritor que intenta terminar su obra antes de perder definitivamente la memoria. Durante el transcurso de la obra el espectador irá descubriendo cuál es la historia que está escribiendo y cuál es esa pena terrible que no se perdona y por la cual está entregando todo, hasta sus recuerdos.

Escrita y dirigida por Juan de Leonardi, Sembazuru, es una pieza bellísima y delicada, con muy buenas actuaciones y una puesta en escena conmovedora. La música y la coreografía aportan un grado de sutileza que marida muy bien con el drama que se narra.

Sembazuru las mil grullas se presenta los domingos de noviembre en Buenas Artes Social Club, Guatemala 4484. Las entradas se consiguen por Alternativa Teatral.

Ficha técnica:

 Dramaturgia y dirección: Juan De Leonardi

Asistencia general: Natasha Goldman

Coreografías: Leandro Sala
​Música original: Diego Gonzales Farina

Fotografías: Leandro Escobedo

Intérpretes: Julieta Boland, Octavio Alvarez, Gustavo Bozzano, Eliana Barrios

Prensa: Kazeta Prensa

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Por María Eugenia Miqueo @eugemiqueo /Imagen: Hija de Papá

Cuando algo nos duele necesitamos contarlo. Una vez, varias, muchas veces nos escuchamos repitiendo el mismo relato. Primero atragantados en lágrimas,  después, éstas irrumpen esporádicamente el hilo narrativo para finalmente tomar distancia y con la herida cerrada poder contar nuestra tragedia con tranquilidad, habiendo incorporado las lecciones que el hecho nos dejó, y al fin habiendo sanado, poder continuar nuestro camino. El proceso dictatorial que vivieron Argentina y Chile en el pasado siglo veinte todavía es una herida abierta. Todavía nos duele y la contamos una y mil veces; ya sea para entender y así sanar o para que se quede grabada en la memoria colectiva de los pueblos y no volvamos a permitirlo. ¡Nunca más!

Hija de Papá, relato de una noche, escrita y dirigida por Luz Moreira, nos introduce en el drama de búsqueda de identidad que viven los hijos de desaparecidos. Romina, interpretada magníficamente por Andrea Villagrán, es chilena, vive en Buenos Aires, y concurre a una vidente luego de una desilusión amorosa que termina revelándole secretos sobre su origen y el antiguo trabajo de su padre. A partir de esta revelación forzada, Romina, luchará cuerpo a cuerpo con la angustia, el miedo y  la necesidad de saber y reconstruir su identidad sobre bases firmes, antes de encontrarse con sus padres en la mañana del día siguiente.

En  esta reiteración del hecho narrado, la dictadura, la pieza teatral cuenta con la gran ventaja de contarlo a través de un lugar poco común que le aporta originalidad al relato. Esto se hace visible en la tensión entre el código dramático y el humorístico, muy presente en toda la obra, en el uso de tecnología moderna y en la forma de vivir la noche de la mayoría de los jóvenes de la actualidad. Es destacable el uso del humor que se realiza en Hija de Papá, anclado sobre todo en el lenguaje y los dialectos del español americano. Romina es chilena y cuánto más se angustia o se enoja, mas se marca la entonación propia de este país. Por otra parte, la vidente, interpretada por Emilia Rebottaro, se conecta con el espíritu de una anciana brasileña que le aporta el tono divertido a la trágica revelación que está por hacerle.  Completa este coctel de variedades lingüísticas El Francés Cordobés, interpretado por Gabriel Carasso, originario de La Falda, Córdoba pero con descendencia de franceses que le aporta originalidad a su discurso.

Todas las interpretaciones son muy sólidas y logradas y es muy interesante el trabajo de la puesta en escena que logra, con muy pocos recursos, hacernos viajar con Lucía a través la noche porteña en busca del valor necesario para enfrentar a sus padres en la mañana siguiente.

Hija de Papá se presenta los sábados a las 20.30 hs en el Teatro El Estepario, las entradas se consiguen por Alternativa Teatral.

Ficha técnica:

Actores: Andrea Villagrán (Romina), Gabriel Carasso (El Francés Cordobés), Emilia Rebottaro (Mónica/Padilla), Jorge Vilar (Matías), Stéfano Sanguinetti (Manu)

Diseño teatral: Tamara Figueroa AS.

Escenografía: Claus Da Silva

Vestuario: Roberto Mancilla Cruz

Diseño de luces y sonido: José Binetti

Fotografía: Alejandro Chaskielberg – Guido Barraco

Teaser: Juan Esteban Montoya

Prensa: Correydile

Asistente de dirección: Virginia Curet

Dramaturgia y Dirección: Luz Moreira

Duración del espectáculo: 70 minutos

Fan Page: @hijadepapaobra

Instagram: @hijadepapaobra

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Este libro de cuentos de Ángeles Mastretta, publicado por primera vez en 1990, reúne una serie de historias de mujeres extraordinarias, que gracias a una personalidad desestructurada y abierta, rompen con los condicionamientos sociales que marcaban el México revolucionario.   

En estos treinta y siete relatos cortos que componen el libro, Ángeles Mastretta, logra hacer reír y emocionar con sus historias de mujeres de ojos grandes. Mujeres rebeldes que con una personalidad avasallante rompen con el estereotipo femenino aceptado y requerido por la sociedad  mexicana de principio de Siglo XX.

Poético, romántico, folclórico y divertido es un libro para tener en la mesita de luz y leer más de una vez. Las tías, como llama Mastretta a sus mujeres de ojos grandes, están todas relacionadas entre sí y fueron educadas para el matrimonio, los hijos y la vida doméstica como todas las mujeres de su época. Sin embargo, gracias a la inteligencia,  sabiduría y camaradería femenina, sus vidas cotidianas se vuelven extraordinarias.

La tía Daniela se enamoró como se enamoran todas las mujeres inteligentes, como una idiota.

“Mujeres de ojos grandes” es un libro maravilloso no solamente gracias a la  originalidad de sus historias que sorprenden con finales poco convencionales, sino también, a la maestría de la prosa poética de su autora. Ángeles Mastretta es una escritora y periodista mexicana que nació en Puebla, Mexico, en 1949. Sus escritos se destacan por el conocimiento de las realidades políticas y sociales de su país así como también por el conocimiento y la empatía para retratar al género femenino. Su extensa obra literaria cuenta con libros de cuentos, novelas, memorias y poesía.

Los lectores a los que les gusta subrayar frases van a encontrar en Mujeres de ojos grandes, una cantidad de citas imperdibles dónde la belleza de su composición y la agudeza de la mirada narrativa se hacen irresistibles.

La tía Eugenia era la primera en tocar a sus hijos, la primera que los besaba y lamía, la primera en revisar si estaban completos y bien hechos

Cuento, poesía y humor van de la mano en estos relatos que conmueven y emocionan, divierten y maravillan.  Es una excelente opción para regalar y  se puede conseguir en formato convencional publicado por la Editorial Six Barral así como también en formato bolsillo.

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La segunda novela de la autora francesa y best seller internacional, Muriel Barbery, cuenta la historia de una mujer y una niña que, aunque diferentes, comparten la sensación de ser parte de una sociedad estructurada y vacía.

Publicada en agosto del 2006 en Francia, La elegancia del erizo, invadió inmediatamente todas las vidrieras de las librerías y se convirtió en best seller mundial con treinta ediciones y más de un millón de ejemplares vendidos; sin embargo la publicación de esta gran obra a mi me pasó desapercibida. Generando el efecto contrario al buscado, la sobreexposición en las vidrieras no me generó curiosidad sino escepticismo. Pero, varios años después, aún estaba firme en mi retina la portada de éste libro con un nombre tan particular como poético y tentador: La elegancia del erizo.

Desconocía quién era la autora de la obra y no había leído ninguna reseña de esta obra que me llamaba sin descanso desde hacía varios meses. Finalmente, tomé riendas en el asunto y conseguí un ejemplar usado y en excelentes condiciones. Lo había esperado tanto, tenía tanta ansiedad por leerlo, aún sin saber siquiera de qué se trataba, que no había manera de que la lectura saliera airosa: El libro estaba destinado a fallar en su misión de colmar mis expectativas por más bueno que fuera.

Pero, La elegancia del erizo escrito por Muriel Barbery, autora francesa y profesora de Filosofía, es realmente un libro maravilloso, mágico y hermoso. Es una historia simple que permite la lectura en varios niveles porque brinda muchísima información sobre literatura, música, cine, y filosofía. Está narrada en una forma bellísima, casi poética, por sus dos personajes principales: Paloma y Reneé. La acción se desarrolla en Paris, en un edificio de lujo en la calle Grenelle, dónde Reneé es la portera y Paloma,  una niña de doce años que vive con sus padres en este palacete burgués. Ambas mujeres tienen más en común que lo que las estructuras mentales y diferencias de clase podrían imaginar. Brillantes, tiernas y solitarias criaturas,  hacen culto al placer de las cosas cotidianas, la amistad, el arte y la belleza.

(…) “Sí, el universo conspira a la vacuidad, las almas perdidas lloran la belleza, la insignificancia nos rodea. Entonces, tomamos una taza  de té. Se hace el silencio, fuera se oye soplar el viento, crujen las hojas de otoño y levantan el vuelo, el gato duerme, bañado en una cálida luz. Y, en cada sorbo, el tiempo se sublima.(…)”

De lectura lenta y apacible, recomendado únicamente para almas sensibles.

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La pescadería, every day and every night, es una comedia del género grotesco que  cuenta las peripecias de una familia de comerciantes para mantener su negocio a flote. Se presenta todos los sábados a las 21 en Espacio Urbano.

Un determinado hecho puede ser narrado de muchas maneras diferentes y  será la mirada particular, cargada de convenciones y teñida por la historia personal de cada quien, lo que termine de configurar el modo de verlo y de contarlo. Tomemos por ejemplo la crisis económica que vive la Argentina y los problemas cotidianos que esto conlleva a la clase popular. Éste hecho, trágico de por sí, no está exento de la multiplicidad de opciones a la hora de relatarlo. La pescadería esquiva el camino, acaso tradicional, del drama para mostrar la tragedia y en cambio nos ofrece su visión carnavalesca de la miseria.

La obra, que cuenta con diecisiete actores en escena, dirigida por Gabriela Paz López Leal conjuga actuación, música y baile, y es un claro ejemplo del género grotesco criollo cuyo principal eje problemático es el económico.

La historia se desarrolla a partir de las dificultades que tiene una familia de comerciantes para pagar el alquiler del local dónde funciona una pescadería. Ya deben tres meses de alquiler y la dueña del local les ha dado como plazo máximo cuarenta y ocho horas para saldar la deuda. La solución a este conflicto será todo lo disparatada y colorida que el género propone.

El término grotesco surgió en el siglo XVI  y ha ido cambiando su significado a través del tiempo. En la actualidad se conoce como género grotesco aquella reproducción de la realidad que toma forma caricaturesca, deforme  y extravagante; suele combinar aspectos poco probables y yuxtapone lo trágico y lo risible.

Como fiel exponente de éste género, La pescadería every day and every night, nos abre la puerta a un mundo inverosímil y patético dónde conviven los brillos y el erotismo del cabaret con los conflictos de una familia  que busca el sustento diario.

La pescadería, que debutó el pasado 4 de junio, estará en cartel por ocho únicas funciones y se presenta en Espacio Urbano (Acevedo 460, CABA) todos los sábados a las 21.

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

ELENCO:

Santiago Garcia / Adriana Mazzotta / Mia Bembrilla / Nahuel Saa / Emiliano Ramos / Isaias Marco / Guadalupe Sanz

Anita López / Claribel Bellaman / Constanza Melina Cilifrese / Flavia Isis Bernardini / Gisel Alejandra Hugo / Gonzalo Arguello / Juliette Flin Puch / Lucia Anahí Cáseres / Martín Ruiz Batista / Stefanía Melero

Voz en off: Ema Ortega

Coreografías: Isaías Marco / Carla Llopis

Diseño de Arte y Fotografía: Soy Río Fotografía / Guido Bobina

Diseño Grafico: Lucia Szlak / Nazarena Quinteros Molina

Diseño Lumínico: Matías Cortez

Diseño y realización de Escenografía: “La Pescaderia”

Diseño y Realización de Utilería: Monica Lazzatti

Diseño de vestuario: Isaías Marco

Realización de vestuario: Olga Farias

Producción Ejecutiva: Julieta Carrillo

Asistente de producción: Camila Casaubon

Asistente de Escena: Sandro Brembilla

Asistente Tecnico: Marcelo Dominguez

Dirección General: Gabriela Paz López Leal

Idea y Producción General: Isaías Marco

https://www.facebook.com/La-Pescaderia-954522964588617/

http://www.espacioculturalurbano.net/

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La compañía teatral Barquitos de Papel, dirigida por Valerio Cocco, está conformada por usuarios del servicio de salud mental del Hospital de Día que funciona en el Hospital de Clínicas. El grupo se encuentra presentando “Psssquiatry”, los viernes de mayo y junio a las 19.30 en Espacio Sísmico.

La sala está en penumbras, una guitarra suave y melodiosa suena desde un rincón y el aroma a incienso completa el clima que prepara al espectador para una experiencia que compromete los sentidos. Los actores pueblan el escenario, con ironía, música y humor nos cuentan los destratos que sufren los pacientes psiquiátricos. Ellos saben de qué hablan.

Pssiquiatry  no es solo una obra teatral como exposición estética o medio de entretenimiento, es un llamado a la reflexión y al análisis del papel que como sociedad les damos a los locos.

¿Quiénes son los llamados “locos”?, ¿Qué les pasa, ¿Qué necesitan?

La psiquiatría, deshumanizada, parece tener una respuesta: Sobre medicación y reclusión son la única opción para convertirlos en individuos útiles para la sociedad.

Con actuaciones de Laura de Luca, Alvaro Murias  y Francisco Polykretis;  Psssikiatry conmueve no sólo por la historia que cuentan sino también por quienes la cuentan. ¿Quiénes mejores que ellos, que se reunieron por primera vez hace diez años en una salita de teatro de un hospital psiquiátrico para contar como se sienten y como los tratan?

Los locos incomodan porque ponen en evidencia el miedo que tenemos los seres humanos de conectarnos con las emociones y vivir las pasiones desenfrenadamente, sin resguardo de un colchón que nos asegure un aterrizaje seguro.

“A ustedes les hablo que no comprenden lo que no es lógico, racional o estructurado; que giran la cabeza al verme pasar” dice Laura de Luca con su mirada transparente y profunda.

Las luces se apagan, el aplauso pone fin a la ficción y junto al director, el elenco saluda al público que habita la sala; entonces, la epifanía: Las Miradas.

Las miradas, que no son inocentes, que están llenas de historias de dolor, de discriminación y de incomprensión. La mirada de Laura, de Alvaro, de Francisco y del resto del equipo; sus miradas reales que nos atraviesan, que nos cuentan con absoluta sinceridad y crudeza lo que padecieron.

Es inevitable que el espectador se vaya lleno de preguntas: ¿Cómo somos?, ¿a que le tenemos miedo?, ¿Cómo nos comportamos? Las miradas nos persiguen, ¿Qué necesitan? “Ayuda, compresión, contención, abrazos” sintetiza Álvaro Murias en su papel de médico.

“Sin consultarnos definieron lo que es normal de lo que no lo es”. Luego de ver Psssiquiatry, esa definición, se esfuma difusa.  

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