Por Maii Kisz

Mujeres al Borde es el resultado de un concurso que buscaba trabajar sobre los universos femeninos de Tennessee Williams y Pedro Almodóvar. La idea fue generar un ciclo como modo de intercambio entre los diferentes rubros que componen el hecho teatral y no puede separarse del contexto actual en el que armar redes se convierte en una premisa indispensable para quienes apuestan al teatro independiente. De las más de 50 obras postuladas para el certamen, cuatro fueron las seleccionadas para formar parte de los “Viernes Almodóvar” y “Sábados Tennessee”. “Este ciclo apunta a generar un intercambio entre los nuevos lenguajes dramatúrgicos, a través de la convocatoria de obras no editadas”, cuentan Carolina Posse y Marina Kryzczuk, productoras del ciclo.

¿Cómo surgió la necesidad de realizar este concurso?

Además de generar un cruce entre diversos autores y posibilitar la puesta en escena de los textos ganadores gestionando su difusión y viabilizando la producción ejecutiva de estos montajes. Nos propusimos abrir un frente laboral para actores, actrices, directores y asistentes, algo que en los últimos tiempos fue mermando por los recortes en cultura y la crisis económica que también viene azotando al sector de las y los trabajadores de las artes escénicas.

No somos ajenos a esta realidad y a la dificultad económica es cada vez más grande para generar proyectos autogestivos sin recursos, por esa razón, la sala ofrece sus instalaciones y sus recursos materiales existentes para avanzar con los montajes. Así como también un entramado de relaciones que profundice los lazos solidarios entre las y los trabajadores de la cultura, donde la producción del ciclo se asocia con las compañías y dramaturgos para generar un equipo de trabajo en bloque, que permita superar mancomunadamente la crisis de convocatoria de públicos y buscando en conjunto un tipo de teatro que pueda generar nuevas audiencias y acercarse a los espectadores que ante la coyuntura han dejado de consumir contenidos culturales.

¿Por qué eligieron tomar al universo femenino de Tennessee Williams y de Almodóvar?

Consideramos que ambos autores, a primeras vistas,  tan distintos entre sí, por no contemporáneos ni pertenecientes a la misma idiosincrasia, tienen una mirada sobre el universo femenino íntimamente ligado a las pulsiones vitales: el sexo y la muerte. Las situaciones extremas que cada uno dibujó en sus guiones, películas, textos teatrales, y sus personajes femeninos no edulcorados, extremadamente defectuosos y reales, fue lo que nos animó a vincularlos. Como dos caras de una misma moneda.

¿Cómo fue el proceso de selección de las obras?

Los Jurados del ciclo leyeron más de 50 obras de todo el país que fueron “filtradas” previamente por la organización del ciclo para asegurar el cumplimiento de las cuatro premisas básicas de la convocatoria del concurso de dramaturgos: obras inéditas, de hasta 3 personajes, cuya temática abordara los universos femeninos de Tennessee Williams o Pedro Almodóvar y no duraran más de 30 minutos. Cada jurado seleccionó cuatro obras en orden de mérito, que fueron puntuadas de mayor a menor. Cabe destacar que de las y los 8 jurados totales, 4 sabían de antemano que una de las obras ganadoras les sería asignada para dirigir.

Una vez que las obras fueron seleccionadas, ¿Cuánto tiempo tuvieron para realizar la producción y los ensayos?

La preproducción se inició mucho antes del concurso. El primer paso fue de difusión y armado de las bases. Trabajo intenso de casi dos meses. La selección culminó a mediadios de diciembre y los directores tuvieron enero y febrero para montar sus espectáculos. Algunos, como en el caso de la obra VERTIGO, eligieron hacerlo en tan sólo un mes y lograron resultados excelentes y un altísimo impacto en el público.

Si tuvieras que definir el ciclo en pocas palabras, ¿Qué dirías?

Que es un ciclo que invita a los espectadores a acercarse al universo del Teatro independiente, dándole una variedad de propuestas en corta duración que no encontrará en otras ofertas de la cartelera, pero que pretende también ser una invitación a conocer otras escenas posibles y con un valor de entrada al alcance de las mayorías.

* Funcion viernes y sábado, 20:30 y 22:30, en el Teatro El Damero (Dean Funes 506, CABA).

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Es un año de elecciones y Sudor Marika desea que su próximo disco, Populismo Rosa, acompañe el deseo de que se vaya Cambiemos. Proponen que vuelva Cristina. Para conocer los resultados sólo queda esperar, pero Rocío afirma que si algo es seguro es que la construcción política tiene que estar en clave de repensar los privilegios cis y blanquitos de clase media. “Quizás es momento de hacer un poco de silencio y escuchar esas otras voces que históricamente fueron silenciadas”.

Sudor Marika nace a fines de 2014, cuando Vicente Quintreleo (guitarra y voz), Sebas Zasali (teclados), Nahuel Puyaps (bajo) y Rocío Tirita (voz y güiro) se reunieron a preparar covers de cumbia para el casamiento de dos amigos. Ese fue el puntapié inicial que propició que, poco a poco, descubran que querían seguir haciendo canciones.

Actualmente el grupo se completa con Carolina Piccarreta (octapad), Lautaro Pane (timabaletas) y Nicolás Gabioud (trompeta). “Siempre fue la música lo que nos juntó. Fue un comienzo muy lúdico”, recuerda Rocío y admite que la cumbia, como género, prevaleció a la hora de decidir el estilo de la banda ya que todes la escuchaban, bailaban y celebraban. “Sabemos que tiene una pata bastante misógina, pero siempre tuvo algo de denuncia. No tiene sentido darle solo palos a la cumbia. Hay que rescatar toda la parte popular. Es un género que te hace bailar aunque pienses que no te gusta tanto”, reflexiona la cantante, desnaturalizando el prejuicio y dejando la puerta abierta a la existencia de canciones como las de Sudor Marika: cumbia, lucha y alegría.

“Cuando los nefastos de Cambiemos iniciaron la campaña de la revolución de la alegría, todes les que entendemos que se hace muy difícil sostener espacios de lucha, de resistencia y de disputa con los cuerpos tristes entendimos que no se pueden apropiar de esa palabra y, menos aún, de las alegrías”, sostiene Rocío. Desde el principio la banda intenta mantener una cercanía entre las ideas que transmiten y su forma de vivir. “Eso no significa que no existan contradicciones. Todes vivimos con contradicciones”, confiesa Rocío.

Por eso, desde la banda se asumen responsables de ser formadores de sentido al hablar de cosas que viven, que imaginan como escenarios posibles, que reivindican o que critican. “Hay varias canciones que hablan del poliamor y también hay otras que no. Lo que no queremos es que los sentidos que producimos con las canciones se vuelvan biblias. Buscamos que cada persona elija como vivir. Todas las historias son construcciones posibles, no sagradas”, reflexiona la artista.

La banda intenta construir, en cada encuentro, pequeñas trincheras de celebración y lucha. Un momento idílico para cargar las energías y seguir sosteniendo la resistencia. En este camino de construcción y decontrucción se generaron lazos de hermandad y sororidad con otros espacios, como el Teatro Mandril. Una red de proyectos autogestivos que se sostienen mutuamente para mantener un circuito cultural amistoso, afectivo y militante. “2019 no va a ser un año fácil. Para nadie, menos para quienes sostenemos otros modos de vivir. Va a resultar necesario crear espacios de sostén y cuidado entre nosotres”, prevé Rocío y resalta que hay que estar atentes al avance del fascismo, en todas sus formas. Incluso dentro del feminismo. “Ese intento de excluir a las personas travestis y trans de la construcción es algo inadmisible”, culminó la artista.

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La productora IDILIO Grupa de contenidos feministas lanza su primera edición con el evento: “Lo personal es político”. Entrevista a Josefina, una de las creadoras de la productora.

IDILIO Grupa es una productora autogestiva de contenidos feministas que surge como final de un proceso natural y espontáneo. Nació del deseo de crear un acontecimiento que logre poner en escena a teóricas y artistas para poder nombrar y abordar desde una diversidad de miradas y lenguajes temas que nos atraviesan a las mujeres.

Malala Valentini, Miranda Carrete, Ana Echeverría y Josefina Lamarre se conocieron participando en el colectivo artístico Fin de UN mundO (FUNO) y después de mucho trabajo, decidieron darle sentido público a este proyecto impulsando un ciclo al que llamaron “Lo personal es político” que tiene lugar los miércoles de noviembre en el Teatro Hasta Trilce, ubicado en Maza 177.

Josefina, una de las creadoras de la productora, conversó con Marcha para poner en palabras las necesidades ante las cuales surgió el proyecto.

¿Cómo surge la idea de armar una productora?

El disparador fue pensar en reponer un unipersonal que hablaba del abuso sexual en la infancia, espectáculo que hice hasta 2012. En ese entonces el contexto era otro y no había un despertar de conciencia tan grande como ahora en relación a estos temas. Entonces pensé en cruzar esa obra con alguna teórica feminista. Que se retroalimenten y potencien.

Mi sueño era hacerlo con Rita Segato, pero más allá de la persona en particular había algo en esencia que quería hacer y además tenía ganas de compartirlo, hacerlo en grupalidad.

En el Colectivo  Fin de UN MundO venimos construyendo hace tres años el círculo de mujeres: las FUNAS. Es una práctica de mucha sororidad y militancia a través del arte. Entonces invité a sumarse a las que quisieran armar un ciclo donde se cruzaran músicas con teóricas y así se armó este cuarteto poderoso junto a Malala Valentini, Miranda Carrete y Ana Echeverría. Con ellas descubrimos que nos interesaba la consigna del feminismo de los 60 como eje a proponerles: Lo personal es político, y ver cómo resonaba hoy. Así fuimos construyendo este ciclo y dándonos cuenta de que ya somos una grupa de producción. Por eso decidimos dar a luz a IDILIO Grupa.

Estamos felices con este nacimiento porque vemos la oportunidad de seguir creando espacios y acontecimientos donde el arte siga siendo una fuerte herramienta para la transformación personal y social.

¿Por qué una productora?

Porque aspiramos a crear muchos tipos de contenidos diferentes y ser también articuladoras de experiencias junto a otras agrupaciones. Sabemos que se pueden crear situaciones muy variadas de formas muy diferentes a partir de los lenguajes artísticos y no queremos desaprovechar esa libertad que nos dan de pensar sobre mundos posibles.

¿Qué lugar creés que ocupa la expresión artística en el mundo y qué rol creés que tiene en la sociedad?

El arte como expresión ha existido desde la prehistoria. Desde las pinturas rupestres, la adoración a las imágenes u objetos, hasta todo lo relacionado con lo ritual que es el origen del teatro. Eso resulta una clara demostración de que siempre nos acompañó y nos fue indispensable. Hoy, toda la cultura virtual y mediática genera un consumo y una dependencia muy fuertes que crean maneras diferentes de vinculación y también de alienación de lo esencial.

Por eso, en las sociedades actuales donde el capitalismo, a ultranza, defenestra y desvaloriza a las expresiones artísticas y las reemplaza por productos funcionales al mercado, el arte cumple una función vital: ayudarnos a encontrarnos verdaderamente con nosotres mismes y con les otres. Sólo así podemos recordar que en esencia somos todes iguales y alentar la empatía para evitar el avance de la deshumanización y el individualismo. Siempre que nos alcanzan a tocar la ternura, la compasión, la solidaridad, se nos cae la armadura que creamos para sobrevivir en un mundo de violencias y recuperamos nuestro ser sensible. Todo ésto no es magia sino construcción consciente y comprometida con el arte y se acompaña por la ética que tiene que estar hacia adentro y hacia afuera de quién o quiénes lo producen. La consigna feminista ” lo personal es político” habla de ésto justamente.

Este mes armaron el ciclo de los miércoles ¿Y después?

Tenemos muchas expectativas en relación a todo lo que podemos llegar a producir y gestionar desde IDILIO Grupa. Por lo pronto, vamos a reeditar el ciclo con nuevas invitadas y nos encantaría poder llevarlo a distintas provincias. Vamos a necesitar recursos para eso lo que también implica un enorme ejercicio de imaginación. Estamos convencidas del enorme valor que tiene el trabajo colectivo y comunitario y del poder del arte como herramienta transformadora que abre puertas y permite crear otras realidades, otros mundos posibles para ser y estar. Seguiremos defendiéndolos del sentido común que ignora y descree  acatando los discursos y bajadas mediáticos.

Sabemos que esos otros mundos posibles necesitan ser feministas para garantizar de una vez por todas la igualdad de derechos entre todas las personas. Un largo camino nos espera, pero ya lo estamos caminando.

• Esta primera edición del evento contará con la presencia de:
• Miércoles 14 de noviembre: Marie Bardet y Paula Maffia. Invitadas especiales: cooperativa Y NO FUI.
• Miércoles 21 de noviembre: Malena D’alessio y Ana Cacopardo. Invitadas especiales: Victoria Barker y Marcela Flores.
• Miércoles 28 de noviembre: Claudia Korol y Luciana Jurado. Invitadas especiales: Radialistas Feministas.

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“Pluma y la tempestad de estos tiempos” del director y dramaturgo Arístides Vargas se presenta todos los domingos a las 18:00 horas en Pan y arte, sala ubicada en Avenida Boedo 880.

La poesía es el componente que acompaña la obra “Pluma y la tempestad de estos tiempos” de principio a fin. Tanto en la palabra, como en la suavidad de los movimientos que resultan armónicos y generan un hermoso contraste con temáticas tan crudas como la trata de personas, el machismo y la violencia policial. El combo se completa con sonidos realizados en vivo que terminan de acentuar la intención de cada una de las escenas.

La obra, en esta versión dirigida por Eduardo Graham, se está presentando los domingos a las 18:00 horas en Pan y arte, sala ubicada en Av. Boedo 880, es una creación del escritor, director y dramaturgo Arístides Vargas. El artista argentino que tuvo que exiliarse en 1975, vivió un tiempo en Ecuador pero eso no fue motivo para que deje de hacer teatro y se dispuso a formar ahí el grupo Malayerba. Y si algo tiene en común esa profunda historia real de Arístides con la de la protagonista de esta ficción es el desarraigo causado por tener que dejar el lugar de origen de manera violenta, pero la energía y el entusiasmo para sostener los ideales en cualquier lugar.

La conjunción de escenas muestra la variedad de situaciones a las que tiene que sobrevivir una mujer llamada Pluma que vive en la calle y que, a pesar de los contratiempos y la tempestad, decide reafirmar su subjetividad aceptando lo que es e intentando hacerse valer en cada acción. Podemos verla vendiendo su cuerpo en un burdel con promesas de éxito que nunca verá. O enfrentándose a un deprimido diputado quien afirma tener un cariño especial por las viejas instituciones y ante quién Pluma intenta esgrimir consejos y desliza opiniones sobre temas de la gobernabilidad, pero sus palabras causan un efecto que no es el buscado y Pluma vuelve a la calle porque además “¿Quién quiere una puta que da consejos?”. El amor lo vive de manera efímera y no logra alcanzarlo. La empatía se diluye entre trabajadoras desocupadas a raíz del cierre de la fábrica de juguetes y personas en situación de calle golpeadas por la policía. El menosprecio, la falta de escucha y la soledad son las temáticas que acompañan esta obra que sale de la linealidad temporal a la que estamos acostumbradxs, para acomodarse exclusivamente a transmitir pedacitos de realidades yuxtapuestas que completan el cuadro de la vida de una persona que nació en un barrio sin que nadie la espere ni desee y que afirma haber salido de la oscuridad del vientre de su madre para fugarse a la oscuridad de la noche y de las calles.

La escenografía es minimalista. Pocos objetos y pequeños cambios de vestuario caracterizan cada una de las escenas. La palabra y el cuerpo son protagonistas y logran transmitir sentimientos que pasan por la tristeza, el amor, la desesperación, la bronca y las ganas de seguir construyendo en una anunciada tempestad, en un mundo en el que “la basura de ayer se acumula a la de hoy y mientras nadie la recoja no habrá mañana”.

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Un crimen, prohibiciones y personajes singulares. Una reconstrucción, a través de los detalles, abre diversos e impensables planos en “Detalles de autor”, un policial que tiene lugar los sábados de septiembre a las 18 horas en el Teatro El Ojo, ubicado en Juan D. Perón 2115.

Sergio Risatti fue acusado por la justicia de haber matado al amante de su ex pareja, Lucrecia. Pero la fiscal Elvira Ramírez descubre algunos detalles que hacen que sus sospechas recaigan sobre Saulo Iscovick, la excéntrica pareja de la madre de Lucrecia. El acusado por la justicia, Risatti, aparece hablando a través de un teléfono desconectado con los otros personajes durante toda la obra. Un hermano celoso, su secretaria y una madre sobreprotectora completan el staff de subjetividades alrededor de las cuales la historia se vuelve oscura y dudosa. La escenografía encuadra el relato en un espacio ficticio, rodeado de negro, necesario para que el escenario en el cual transcurren las acciones vaya mutando y para que la posibilidad de interrelación de las escenas quede abierta.

Detalles de autor es una obra que se autodefine como un policial tan falso como la verdad y que presenta complicados personajes que defienden sus intereses y enredan sus controversias en 75 minutos de acción. La obra, que va por su segunda temporada, apunta a un rol activo de quienes vayan a verla, escondiendo lo importante en las cosas pequeñas y haciendo que la atención se mantenga tensa hasta el final.

Durante la obra conviven diversos planos diferenciados por la acción y la quietud. Los personajes, que no dejan de estar en el escenario, permanecen, mutan, crecen, se convierten en recurso de nuevas escenas y van construyendo conflicto a medida que todo avanza. No hay mucho más que se pueda decir sobre la trama sin spoilear y resulta necesario que quienes vayan a verla estén abiertxs a la sorpresa y a no quedarse con las primeras impresiones de cada situación. Si hay un mensaje que nos queda claro es que la necesidad de preguntar sobre la realidad y de estar abiertx a diversas respuestas es primordial, siempre hay “detalles que revelan la trama de lo que deseamos y lo que nos prohibimos”, como explica la fiscal en la obra, y eso hace a nuestras características, nuestra personalidad y deja huellas que necesariamente se llevan impregnadas en cada acción.

La complejidad psíquica de los personajes contrasta con la simpleza de los objetos y de las luces utilizadas, lo que permite que la concentración quede totalmente captada por los saltos temporales y por el entramado que se conforma entre las complejas relaciones interpersonales empapadas por intereses y sentimientos. Con un predominio de colores oscuros, el vestuario característico de Detalles de Autor resalta la personalidad de los personajes y deja a la vista parte de su condición psicológica.

La obra resulta una reflexión sobre la realidad y la ficción en la cual quien está presenciando la función se debate entre culpables y víctimas. La clave: “Los detalles que revelan la trama de lo que deseamos y lo que nos prohibimos”.

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En un contexto en el que las expresiones artísticas en la calle están en el centro de atención de los colectivos culturales, la Casa Cultural Quetzal, ubicada en Guatemala 4516, apuesta una vez más por renovar su mural que tiene como escencia que las paredes del patio sean una continuidad de las calles.

Al entrar al espacio lo primero que llama la atención son las pinturas que recubren las paredes y el techo del lugar. Murales llenos de color y con una temática que los une y que cada año son renovados para que no pierdan vigencia, como cuenta Mariano Viceconte, parte de la cooperativa.

“Nuestra intención siempre fue que el patio del Quetzal sea una extensión de la calle misma”, explica Mariano y describe que en las paredes del exterior suele haber varias intervenciones, unas sobre otras, porque la gente dibuja, completa, interviene y hasta se tiran abajo paredes llenas de arte. “Lo efímero del arte muralista en estos tiempos es algo que lo define en sí mismo y queríamos que nuestro patio no sea distinto de eso”, explica Viceconte.

La temática año a año varía y siempre se relaciona con el muralista. Desde el Quetzal eligen al artista, que claramente siempre tiene un concepto personal y de la unión de artistas van surgiendo las obras completas que hacen al mural general. “Nuestra búsqueda en los últimos años se concentra en una exploración de la identidad. Estamos constantemente explorando entre artistas que saquen lo identitario de nuestras tierras y culturas, que sepan hacernos sentir adentro de las paredes, que nos hagan reflexionar sobre nuestro rol en la sociedad como individuos y nos empujen a un movimiento colectivo”.

Este año, una de las imágenes más impactantes es la de una mujer indígena que observa con mirada reflexiva.Se trata de un retrato psicológico que actúa como un espejo del estado de ánimo de quien la observa, explica Daniel Cortez (Decertor), quien vino desde Perú para participar de esta 7ma edición de renovación del mural. Decertor pintó sobre una pared de ocho metros de alto a una señora de una zona de la selva, de una ciudad que se llama Lamas. El artista cuenta que dibujó a una indígena quechua hablante, una lengua y una cultura que se están perdiendo. “La occidentalización cada vez es más fuerte. Me gusta trabajar con esta comunidad porque sigue manteniendo sus costumbres y utilizando sus propios recursos”, detalla.

La Pintura callejera está completamente marginada en nuestro país, tiene muy poca promoción, y se bandaliza a los pibes que pintan en la calle constantemente. Cuenta Mariano que mientras pintaban el mural leyeron la noticia de la muerte de un grafitero en Almagro porque un vecino le pegó tres tiros a quemarropa mientras se bajaba de una obra en construcción. “Estamos en un momento de mucho odio y de violencia exacerbada por el mismo Estado que reprime reclamos todos los días y fogonea el odio entre las personas constantemente”, afirma Mariano y agrega que en este contexto la reforma del Código Contravencional da más armas institucionales a los intolerantes de siempre y al mismo Estado para accionar porque desde esta modificación basta con que alguien considere que algo es un ruido molesto para que quién lo produce sea sancionado. Viceconte culmina: “Ahora, a través de denuncias anónimas, que todxs sabemos pueden ser inventadas por ellos mismos, para que las personas no puedan ocupar el espacio público que les pertenece por derecho”.

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Desde Lápices, un musical con memoria proponen un recorrido por los hechos de aquel septiembre de 1976 trayendo al presente una historia que merece no ser olvidada.

Si el teatro tiene una magia particular es la de transportarte, en este caso a un tiempo que, ya pasado, es necesario que se mantenga en el recuerdo. A pocos días de cumplirse 42 años de aquel 16 de septiembre de 1976, Lápices, Un musical con memoria, presenta la historia de Claudia y Pablo en 100 minutos llenos de recuerdos, memoria, reclamo por el boleto estudiantil y el pedido de “Nunca Más” que recorre el tiempo y toma fuerza en el presente.

“Hacer el papel de Pablo Díaz es un desafío, lo fue y lo seguirá siendo porque ensayo a ensayo y función a función el equipo de Lápices deja todo arriba de esas tablas y es imposible no involucrarse y no sumarse a su lucha”, cuenta Ignacio Bernárdez, encargado de ponerle el cuerpo a uno de los detenidos-desaparecidos durante el gobierno del represor Rafael Videla. Él y Claudia son, esta vez, las historias centrales, pero la obra remarca la importancia de todos los compañeros y compañeras para la resistencia y la lucha que permitió que Pablo salga en libertad. Además de reconocer que, así como esta historia hay muchas más y que la personalización es solo una excusa para tener un hilo conductor.

Pablo Díaz fue a ver la obra. Aunque el encuentro entre el actor y la persona en la cual se basa el personaje se dio antes de comenzar las funciones, cuando realizaron una entrevista para armar la obra. “También hubo un segundo encuentro -cuenta Ignacio- fue muy inesperado porque me lo crucé en un tablado al cual yo voy siempre, desde chico, en Uruguay que es de donde soy. Tuve una hermosa charla con él, conocí a su familia, él a la mía y fue un momento que siempre voy a guardar. Compartimos más cosas de las que creí”.

En la obra, los personajes múltiples van desde los detenidos-desaparecidos por luchar, pasando por las madres que reclamaban ante la angustia de no saber si sus hijos están enfermos, si tienen frío o si tienen hambre y no olvidaron retratar a los represores, figuras que se completan con audios de discursos que, con su sola presencia en el aire de algunas radios, generaban miedo.

Ignacio afirma que todo el proceso que hicieron para contar esta historia no hubiera sido posible si no era acompañado del enorme elenco formado por más de 20 artistas en escena y muchos otros y otras que no vemos, pero que conforman lo que el actor reconoce como “una gran familia”.

La obra cuenta con un excelente manejo de las luces y del sonido, sumado a músicos en vivo que acompañan la historia contada a través de canciones de la época como la “Marcha de la bronca” o “Yo vengo a Ofrecer mi Corazón”.

“Por alguna razón fuimos todos a parar a esta hermosa obra, que también se puede hacer gracias a la gente que apoya el arte y valora con su aplauso y abrazos este pedacito de historia que interpretamos para entregar este mensaje de lucha y amor”

* La obra, que empezó como un proyecto estudiantil, continúa con presentaciones hasta fin de agosto los sábados a las 23:00hs en El Galpón de Guevara (Guevara 326)

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La Química Diaria es una obra que abre un montón de posibilidades en el plano del “Qué hubiera pasado si, hubiese hecho otra cosa” y busca esa relación entre el presente y un pasado que se va modificando, generando así diferentes líneas temporales. Hasta fin de agosto, La obra se presenta los sábados a las 22:00 horas Nun TeatroBar (Juan Ramirez de Velasco 419). Marcha se comunicó con Francisco Prim, director de La Química Diaria, quién dice que cuando una obra es buena genera que quienes están viendo crean en algo que de por sí saben que no es real y concluye: “Eso es el fenómeno más atractivo del teatro. Elegimos creer en ficciones que nos cuentan”

-¿Cómo fueron las acciones del pasado que trajeron la obra hasta este presente?

Hace un año y medio que estamos trabajando con el elenco. La obra se estrenó con un nivel artístico muy alto, pero a medida que se fue consolidando el trabajo y la relación entre los actores, se vio un crecimiento magnífico. Los vínculos son una de las cosas que me gusta trabajar mucho durante los meses previos a las presentaciones. Yo considero que las grandes obras se basan en conflictos de relaciones y de lo que habla esta obra en particular es de la relación de tres amigos. En este caso, los actores realmente se pudieron hacer muy amigos.

El presente de la obra es muy bueno, pese al contexto en el que estamos. Sabemos que hubo una baja importante en la venta de entradas en general y la crisis económica es muy visible. Aun así, podemos hacer nuestro segundo año de presentaciones y la gente se va contenta con la calidad de la obra.

En La Química Diaria se conjugan varias cosas: es una obra que está muy bien escrita y la gran elección del elenco, que no solo hacen muy bien sus papeles sino que también son muy compatible entre ellos. No recuerdo haber participado en otro equipo en el cual esta relación se dé de manera tan fluida.

-En un momento de la obra, actores y actriz siguen siendo los mismos personajes pero cambian las personalidades ¿Cómo se construye eso desde lo actoral?

Tiene que ver con la teoría de los universos paralelos que dice que nosotros vivimos en uno de los tantos universos que existen en simultáneo y tienen mínimas diferencias los unos con los otros. Entonces lo que buscó el autor (Mariano Saba) es justamente trabajar estas pequeñas diferencias. En los ensayos lo que hacemos es apoyarnos en cambios mínimos de vestuario y buscar características que al momento de modificar la línea temporal se vuelvan opuestas, o pequeñas actitudes que podamos exagerar. Siempre cuidando que sean cosas mínimas, pero perceptibles para los espectadores.

-¿Quién tuvo la idea de poner una carpa en el medio del escenario?

Lo de la carpa fue obra de José Escobar, el escenógrafo. Yo, como director, le pedí que no haya una escenografía tradicional. No me imaginaba reproduciendo un bosque o un camping normal. Con esa premisa, él trabajó y la carpa fue una de sus primeras ideas. La probamos y funcionó. Lo que tiene de favorable es que al tener uno de sus lados transparentes permite que funcionen los cambios de luces y con eso le damos el efecto mágico que tiene la obra.

A mi hace tiempo que no me gusta trabajar con escenografías tradicionales, prefiero buscar escenógrafos que planteen cosas fuera de lo normal.

-¿Creés que todo lo que estamos haciendo ahora vamos a verlo crecer en el futuro?

No necesariamente. Por ejemplo la actuación es un arte en el que lo que es tendencia y furor en un determinado momento, se agota prontamente. Si ves cualquier obra que hace 30 años se consideraba vanguardista y la comparás con algo actual, la técnica de actuación va a estar completamente deformada. La técnica tiene una vida útil corta y depende mucho de los directores de vanguardia indicar hacia dónde va la forma de actuar. No creo que tenga una injerencia directa lo que hacemos ahora, en lo que va a pasar dentro de 30 años en el teatro. Si bien el teatro no muere nunca, varían las formas en las que se encaran los trabajos y la forma en que impactan.

y “La Química Diaria” ¿Cómo creés que impacta en el público?

La gente sale muy agradecida de ver buenas obras y La Química Diaria lo es. Cuando una obra está bien escrita y bien encarada genera que quienes están viendo crean en algo que de por sí saben que no es real. Eso es el fenómeno más atractivo del teatro. La gente va, se sienta ahí y le pasan un montón de cosas de distinta índole con algo que de entrada sabe que es mentira. Elegimos creer en ficciones que nos cuentan. Y eso funciona si está bien contado y se vuelve una porquería si el engaño no está bien hecho.

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Una nueva temporada de la obra Mientras Sea Hoy, No! se está presentando en el espacio Tole Tole (Pasteur 683) los domingos a las 19 horas. Marcha estuvo en el estreno y conversó con la actriz y directora Belén González para saber cómo se perfila este mes de presentaciones.

Mientras sea hoy, no! es una obra que abre a un montón de preguntas para que queden resonando en la cabeza de los espectadores y las espectadoras. El tema que recorre las cuatro escenas que se presentan en la obra es la violencia en sus diferentes expresiones. Desde el maltrato explícito hacia la mujer, hasta cómo se reproducen, a través de diferentes patrones como la culpa, algunas violencias que existen en esta realidad que, a la vez, es en la cual transcurre la obra. La actriz y directora Belén González cuenta que muchas veces estamos acostumbrados a ver violencia y hay muchos prejuicios incluso sobre quienes reciben violencia: “Pensamos ´¿Cómo puede pasarle eso?´ o ´¿Cómo no se defiende?´. Eso se ve sobre todo en la segunda de las escenas. Es una cuestión social que se está tratando de cambiar. Tiene que ver con mostrar eso”, reflexiona González.

La segunda escena se llama “Si tengo suerte” y es una adaptación de una obra que pertenece a la escritora y dramaturga argentina Griselda Gambaro. “Nos pareció interesante la obra, pero queríamos incluir algo que no se comenta tanto que es la violencia entre las parejas homosexuales”, cuenta Belén. De esta manera, la obra cuenta sobre un chico que va a la casa de su amiga en búsqueda de ayuda porque su novio lo maltrata. De esta manera, la obra logra romper con todos los estereotipos típicos de los hilos narrativos de los dramas en ficción.

Belén González y Mauricio Blumetti son quienes le ponen el cuerpo a “Si tengo suerte” y es particularmente una escena que genera risas entre el público. “Creo que tiene mucho que ver el hecho de que se muestre todo sin filtro. A veces está muy naturalizado el ver violencias y lo interesante es que la gente se ríe porque remite a esa mirada de prejuzgar a las víctimas de violencia que muchos tenemos o conocemos alguien que tiene. Eso de pensar por qué no se defendieron, de culpabilizarlos o culpabilizarlas. Justamente lo que muestra la obra es esto, como siempre se busca al culpable en la víctima”.

Dirigir en teatro independiente tiene la particularidad de contar con poco presupuesto y por eso es elemental contar con un equipo que tenga ganas de trabajar, mejorar y poner mucha energía para ensayar y conseguir la utilería. En la obra participan 6 actores y un director y Belén cuenta que fue un gran punto a favor el haber podido mantener el equipo que viene trabajando desde el año pasado, cosa que suele ser difícil porque cada uno tiene además sus otros proyectos y sus trabajos.

Con dos escenas escritas por Mauricio Blumetti especialmente para esta ocasión y las otras dos elegidas en el camino de mostrar diferentes violencias y teniendo cuidado de no dejar de lado la lucha que hoy en día llevan las mujeres. Las luces ayudan a construir las escenas que, combinadas con el sonido y la calidez e intimidad que permite la sala, logra que la obra atraviese las subjetividades desde la reflexión y la autocrítica.

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Repetir la historia, una tragedia

“Si volvió Cavallo al Banco Central ¿cómo no vamos a volver nosotros?”, anunció en las redes Cristian Cimminelli, actor de “Pollo, el último parripollo del país”. La obra comenzó su segunda temporada el domingo 14 de mayo a las 20:30 horas en Espacio Cultural Urbano (Acevedo 460). “Dicen que la primera vez que pasa algo es gracioso, pero la segunda es una tragedia. Este es el año de la tragedia, pero trataremos de que resulte gracioso”, dijo Guido Villaclara, director del espectáculo.

“Pollo…” transcurre haciendo un paralelismo entre la actualidad y 1998, tomando el contexto político y social de cada época para ironizar sin dejar de ser una crítica a la vuelta del neoliberalismo. Si bien la base está armada por las presentaciones del año pasado, la obra se actualiza y agrega en cada función frases o gestos de políticos argentinos contemporáneos que hace dialogar con actitudes similares de sus colegas de los noventa. “Si hay algo que aprendí, es que no hay que repetir los errores del pasado”, enfatiza la actriz Lucila Casalis, dejando en claro que la obra además de divertir, busca generar reflexión en quienes la vean.

El Espacio Cultural Urbano cuenta con un bar para que los espectadores puedan tomar algo mientras esperan que empiece la función de la obra que hayan elegido, en este caso “Pollo….” se estará presentando todos los domingos a las 20:30 hasta el 19 de agosto.

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