El actor y quien tuvo la idea original de la obra, Mariano Mazzei, conversó con Marcha y dijo: “Es una obra que te invita a reflexionar sobre la historia propia y de los seres queridos”. El espectáculo se presenta los domingos a las 16:00 en el Centro Cultural 25 de Mayo (Av Triunvirato 4444).

• ¿Cómo surge esta historia?

Mariano: Yo tenía hace tiempo la idea de hacer un homenaje a mis abuelos. Ellos, como la mayoría de los inmigrantes de principios de Siglo XX (época en la que transcurre la obra), vinieron desde Italia a nuestro país para “hacer la América”, como se decía en ese momento. Ese fue el disparador, aunque la historia no es exactamente la de ellos.

En la obra, un inmigrante italiano viene a trabajar y deja a su enamorada en Italia. Ellos se comunican solamente a través de cartas. En aquella época, las cartas tardaban mucho tiempo en llegar e incluso algunas se perdían.

– Decís lo de las cartas y no puedo evitar pensar en cómo la tecnología cambió esa situación.

M: Con respecto a eso, en “El Puente Azul” hay dos parejas: Una del S. XX y otra de principios de este siglo. Ellos guardan un vínculo que no podemos revelar para que quienes vayan a ver la obra puedan descubrirlo, pero son dos historias de amor que se muestran en paralelo y transcurren con casi 100 años de diferencia.

A las dos historias de amor les pasa lo mismo: el mar se interpone, la distancia es la que se cuela en las dos parejas impidiendo concretar ese amor. La pareja más actual utiliza el skype y el whatsapp para comunicarse. Y aunque ellos puedan verse y escucharse a través de computadoras o teléfonos celulares, la situación es similar a la de antaño porque de todas maneras no pueden estar juntos.

• En la obra, vos y Dolores Ocampo interpretan a todos los personajes. Hay escenas en las que pasan de la risa al llanto ¿Cómo es el trabajo actoral para lograr eso?

M: Interpretar varios personajes en una misma obra es un desafío interesante para cualquier actor. En “El Puente azul” particularmente, Dolores y yo debemos entrar y salir en cuestión de segundos de un personaje de una época a otro personaje de otro tiempo y lugar, ya que el espectador ve las dos historias en paralelo. Pasamos del 1900 al 2000 y más allá de estas dos parejas también se interpretan  otros personajes.

• En un momento, pasan del llanto a un canto alegre en París. Dos emociones, un cambio muy grande ¿Ustedes llegan a ver las caras y la reacción de la gente con estos cambios?

M: Nosotros estamos haciendo esta obra desde el año pasado y sabemos que el público nos acompaña en la emoción y en las risas. Ellos viven cada momento junto a nosotros, eso se ve y se siente. La obra es muy emotiva y también tiene momentos divertidos. Además, pienso que la música es un medio ideal para transitar emociones y eso nos ayuda a construir cada momento.

• Hablas de la música…. ¿Cómo se prepara una obra con música original y en vivo?

M: Lo primero que hice fue juntarme con Fernando Albinarrate, autor de la música y del texto. Recién con la dramaturgia y la partitura de la obra en mano, busqué a Dolores Ocampo, que es una actriz excepcional y una gran cantante, y es con quien siempre soñé representar este espectáculo. Ahí comenzamos el trabajo de aprender y estudiar la música de la obra junto con Anahí Scharovsky, nuestra entrenadora vocal. Y más tarde con todo lo musical aprendido empezamos a trabajar con Emiliano (El director) sobre el texto en sí y la puesta en escena.

• Muy particular la puesta en escena.

M: Eso es mérito de Emiliano. Construyó una especie de puente, una pasarela para contar esta historia. La sala del Centro Cultural 25 de mayo es redonda y es hermosa, pero había que encontrarle la manera de que la acústica nos favorezca. Entonces elegimos usar un rincón particular del espacio circular y allí se armó esa pasarela, el puente, donde transcurre la obra todo el tiempo. Lo atractivo de esta puesta en escena es que es austera: están el piano y el violín, los dos actores y nada más.

• Yo vi la obra y me fui pensando sobre mi pasado y mi historia familiar. ¿Te planteaste dejar un mensaje así con la obra?

M: Lo que pasa es que el teatro tiene esa magia: uno ofrece una obra y el espectador la toma, se emociona y reflexiona con lo que le toca, y eso es lo lindo. Personalmente siento y compruebo que esta obra cala de manera especial en el espectador. La gente se va emocionada. Es una obra que te invita a reflexionar sobre la historia propia y la de los seres queridos y muchos me dicen que sienten que es un reencuentro con sus abuelos. Una de las ideas que tuve al pensar este proyecto era celebrar el esfuerzo, el amor, el empeño y el trabajo que realizaron nuestros bisabuelos al dejar su país y venir a construir una nueva vida acá. Muchos de nosotros somos el resultado de eso.

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Las cifras dejan más que clara la desigualdad: en 2017 se estrenaron 149 películas de las cuales solo 43 fueron dirigidas por mujeres. Frente a esta situación, visibilizar el cine hecho por mujeres es el objetivo que se persigue a lo largo de esta semana en espacios INCAA y salas comerciales.

Hasta el 14 de marzo se presenta en todos los espacios INCAA del país y en las salas comerciales de Hoyts, Village y Cinemark, un ciclo de películas dirigidas por mujeres. “Camila”, “Sinfonía para Ana” y “La novia del desierto” son algunas de las historias que se van a estar proyectando. “Mostrar cine nacional hecho por directoras es una manera de apoyar a que haya más mujeres delante y detrás de cámara”, afirma la directora Sabrina Farji y agrega que invisibilizarnos también es una manera de violencia simbólica y material; y que una mujer sin trabajo, difícilmente pueda ser libre. Marcha estuvo en la presentación del ciclo que tuvo lugar el 9 de marzo en el Cine Gaumont.

La Semana de las Directoras argentinas se suma, de una manera artística, al reclamo de muchos otros sectores por igualdad y equidad de posibilidades y por la lucha de la mujer como persona capaz de producir, tanto contenido material como simbólico. “Las imágenes que creamos manifiestan aquello que vivimos en la realidad”, dice Sabrina Farji y ese es el punto en el cual se vuelve necesario que sean las mujeres mismas las que produzcan la imágen de ellas que después se ve en los films.

Esta semana de proyecciones fue pensada como una actividad cultural y política, basada en números concretos. La productora Rocío Gort, afirma: “Durante el año 2017 se estrenaron 149 películas, de las cuales solo 43 fueron dirigidas y co-dirigidas por mujeres” y agrega que, a pesar de que nos parece muy poco, Argentina es uno de países de Iberoamérica con mayor cantidad de productoras.

“Creemos que este tipo de sinergia entre los organismos del Estado, en este caso representado por el INCAA y muchos otros espacios del sector, constituyen un buen ejemplo de cómo organizar acciones que nos beneficien y nos potencian en nuestros objetivos de bien común”, destacó Rocío.

Además de las películas antes nombradas, estarán presentándose “Alanís”, “Cuatreros” y “Nadie nos mira”. El ciclo cuenta con el apoyo de muchos organismos como el Ministerio de Cultura de la Nación y la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC), que se suma con un ciclo de cortometrajes realizados por egresadas de la institución que tendrá lugar en el microcine de Moreno 1199, todos los días a partir de las 18.

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´Infinito´, es el nombre del sucesor de ´Auricular´, el E.P. que la banda porteña lanzó a las redes en 2014. “Este nuevo disco tiene que ver con la constancia. Nos costó mucho encararlo y por eso tiene que ver con el reinventarse ante cada circunstancia”, afirmó Luis, baterista de Auricular, en comunicación con Marcha. La banda se va a estar presentando el 2 de marzo junto a Cuerpo y a Frank Berlín & Los Poetas Malditos en Casa Colombo (Gallo 557).

Auricular, fue formada en 2013 y está compuesta actualmente por tres músicos que se autoatribuyen un espíritu inquieto. Lucas Lescano en guitarra, Marco Pallaro en bajo y Luis Herrera en batería. Por primera vez, los tres estarán a cargo de ponerle el cuerpo y la voz a un material sonoro. La preparación no fue fácil. Se produjeron mutaciones en la conformación de la banda y el hecho de que estos sean los primeros pasos como trío, hacen de la grabación toda una nueva experiencia. Sin embargo, no se pierde lo que consideran importante: generar, mediante la música, atmósferas y llevar a quién escucha al mayor nivel posible de intimidad y aislamiento.

Los shows en vivo son una puesta en escena en la que las luces acompañan los sonidos y se logra apelar a diversos sentidos. Por eso, es muy importante que la persona que hace la iluminación (Rodrigo) se repita en cada presentación.

Auricular se sustenta de manera independiente y maneja su propio presupuesto, lo que hace que todo sea más lento. “Ponemos la plata nosotros y eso suele costar mucho porque no podemos vivir de la banda, todos tenemos nuestros otros trabajos, pero tratamos de ponerle ganas e invertir todo lo que podemos en el proyecto”, afirma el Luis.

En la composición del nuevo material, que se viene preparando desde 2015, predomina la electrónica. Teclados, sonidos reales procesados y pistas distorsionadas, reemplazan lo que antes fueron estribillos repetidos y formatos canónicos.

Auricular, continuará este año produciendo atmósferas y apelando a los sentidos para quienes quieran escucharlos por parlantes, en vivo o, como el nombre lo dice, por auriculares porque, como reflexiona Luis, “La música ayuda a estar de mejor humor o a estar más conectado cuando uno está de mal humor, como para conocer el sentimiento y después poder salir de ese negativo”

Pueden escuchar Auricular en  

https://open.spotify.com/artist/6IB2uMBJtLtD5pHCFCHBiT

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