Por César Saravia /Fotos José López Ruano

“El amor, posta, se siente como ir sentado en el caño de la bici del pibe de tus sueños. Si. Asi. Sintiendo su pecho cumbiero hinchándose en tu espalda y su voz… su voz humedeciéndote el alma y canchereando al pedalear”

Ioshua, el amor en Bici

Sensamiento es un unipersonal que se centra en la figura de Angelito, un migrante chileno que transita en su cotidianidad entre las marcas de la memoria del territorio chileno y la realidad de encontrarse en Argentina, con las formas que el sistema capitalista y la ideas hegemónicas sobre los cuerpos, que logran traspasar la cordillera.

La obra, originalmente pensada para montarse en teatro, se vio en la necesidad de plantearse en un híbrido entre lo audiovisual y lo teatral. El resultado es una obra que roza lo testimonial y el manifiesto. El diálogo retoma mucho de la obra de Ioshua, poeta del conourbano, de ahí que vemos un personaje que habita distintos lugares, el de la migración, el de la disidencia, el del laburante.

José López Ruano es el encargado de materializar este híbrido y facilitar el diálogo entre lo audiovisual y el teatro. Su trabajo es el que permite que podamos sentir, al menos de alguna manera, la experiencia teatral.

La obra además representa una búsqueda que ya no solo pasa por el sentido artístico del relato, sino que, en pandemia, también representa algo más primario, la necesidad del grupo de artistas de seguir laburando. Por eso hablamos que la obra es una respuesta y al mismo tiempo una resistencia a los efectos de la pandemia en el teatro, uno de los sectores del mundo del arte más golpeado. De ahí que haya en ella un poco de ese “nuevo cotidiano” que logra hacerse ver.

Para conocer más sobre Sensamiento, entrevistamos a Andrés Velásquez (AV), director, y Paulo Avello (PA), actor.

A pesar de que la obra fue pensada para montarse en el teatro, por la pandemia, se vieron en la necesidad de presentar en este formato híbrido, entre lo audiovisual y lo teatral, ¿cómo fue este proceso de adaptación?

AV: El proyecto nace, primero de una necesidad, por motivos personales, por motivos económicos y el deseo de hacer algo en este tiempo (de pandemia), que llevó a pensar en este proceso de adaptación, de cómo realizarlo. Ahí tuvo mucho que ver José (director de fotografía), en cuanto al nivel del relato, a los planos elegidos, a la forma de mostrar este unipersonal, estos diálogos. Eso fue dándose de manera natural, pensando siempre en una cámara enfrente, así que de a poco se fueron encontrando los lugares y las formas para poder ingeniar este relato y esta adaptación, de lo teatral/audiovisual. Llega a ser el formato de entrevista, como manifiesto, que para mí el resultado es un poco ese, el mostrar la cercanía, sin tanto trabajo de posproducción, poder llegar a mostrar el crudo del teatro, mostrar de cerca un actor, fue bastante trabajo pensarlo y mantener un eje entre el teatro y lo audiovisual. Esa adaptación fue dándose de manera natural.

¿Cómo se sienten respecto al resultado?

AV: La verdad estoy bastante conforme con el resultado. Si bien lo miro desde un lado audiovisual, un punto donde llega esto, se puede calificar como un relato más íntimo, parece un descargo, un discurso, puede caer en ese aspecto. Yo con el resultado estoy contento, porque se encontró en algún punto, según las devoluciones que nos hicieron personas cercanas al teatro, que pudieran ver algo teatral en sus pantallas. Así que estoy bastante conforme con ese resultado y con el trabajo de adaptación que fue en un corto tiempo, pero pudimos conseguir de manera efectiva algunas cosas.

Esta es una obra hecha en Argentina pero con participación de gente de varios países,  ¿cómo han vivido la pandemia desde su condición de artistas y migrantes? ¿Qué redes y esfuerzos se están generando para apoyarse, más allá de los programas estatales

AV: Bueno el equipo de Sensamiento es justamente un grupo de artistas, habemos muchos migrantes, tres somos migrantes y una persona de acá de Buenos Aires. De los tres que somos migrantes dos estamos ligados directamente al teatro, una persona más a lo audiovisual y otra persona que es también del arte pero más de la danza.

En nuestra condición de artistas y migrantes la pandemia ha sido muy dura y difícil. A todos nos encontró, sobre todo a quienes somos de afuera, sin poder trabajar, sin un ingreso fijo, mucha incertidumbre la verdad. Por ese lado, bastante difícil y jodido, hasta que pudimos armar esta red, la red de Sensamiento también nos impulsó a poder llevar lo mejor y después cada uno de nosotros pudo generar sus redes y nosotros mismos como artistas nos dimos una mano muy grande.

Con la obra pudimos aplicar a unos subsidios estatales que, bueno, estamos a espera de algunas cosas, pero la verdad que lo más importante fue la red de artistas, la red de gente que somos amigos, que nos encontramos en un teatro, y que son estos mismos los que nos pudimos dar un apoyo más allá del Estado, que bueno, con todo este problema la verdad no está muy presente, sobre todo en el nivel artístico que estamos muy precarizados, muy abandonados, cuando la verdad deberíamos ser como cualquier otro trabajador en el país. 

¿Cómo fue el proceso de la construcción del personaje? ¿Qué tan presente está el poeta Ioshua en los diálogos de la obra? ¿Cómo llegaste a su obra?

La construcción del personaje de Sensamiento, que se llama Angelito, primero nace un poco de sentarnos con Paulo a leer y releer este texto, atravesados por el poema de Ioshua justamente, y bueno sin dudas a partir de ahí, desde Ioshua, empezamos a configurar bastante cosas, desde su personalidad, del mundo que habita, del cuerpo, del cuerpo del hombre hetero cis, de la hegemonía ,de la no hegemonía, de cómo la belleza puede ser mirada desde otros lugares. Desde el cuerpo, desde los afectos, desde el deber ser; de cómo debe ser una persona educada en un sistema capitalista, en el caso de Chile y Argentina, cómo trabajar ese híbrido entre los dos lugares. Me parece que todo eso empezó a ser parte del personaje y esto de los permisos, una persona que se puede permitir muchas cosas sin caer en algo que pueda ser moralmente juzgado. Le damos mucho valor a esto. 

El personaje se construye a través de las experiencias esta persona, hablamos de un errorista, de una persona que se da permiso de atravesar cosas y equivocarse. Equivocarse para la sociedad, no para él. Porque en realidad la cápsula en el que sucede Sensamiento encuentra acontecimientos poco comunes, cuando en realidad para mucha gente son comunes. Pero bueno, también es eso, cómo transitar la vida desde ese lugar. Cómo deseducarse, cómo romper con eso.

La obra de Ioshua estuvo presente todo el tiempo. Como estuvo presente en el principio, nosotros lo tomamos a él como disparador para la estética conourbano, más de ese estilo de persona que habitaba el cuerpo de Ioshua o los textos de Ioshua también. Yo llego a su obra de, no sé, no me acuerdo bien. Pero alguna vez leí el poema que es justamente el que está inserto que es amor en bici. Eso fue hace bastantes años. Después lo empecé a investigar de manera personal, empecé a ver quién era. Me gustó mucho indagar en su mundo y hacerlo parte de esta obra, con mucho respeto y con mucho cuidado para ver de hacerlo bien conforme al nivel de los artistas. 

Hay algo que ocurre en el cuerpo del personaje, como laburante, como migrante, como disidencia y como cuerpo que se encuentra con el otro y, además, el cuerpo de la realidad confinada en la que estamos. ¿Cómo fue el proceso en la actuación para poder habitar desde esos distintos lugares?

PA: Creo que la añoranza del encuentro en esta pandemia, y también en la obra, juega variables fundamentales en las intenciones que busqué comunicar: Por un lado, en la ficción, el personaje añora ese ser que encarna el deseo, la fuerza de lo sexual genital, la alegría, el descontrol, las charlas, los paseos en bicicletas, birras, roces, el consumo de droga… contactos. Por otro lado, en el plano de lo real ,quizá algunos  nos morimos de ganas por volver a encontrarnos, o nos morimos por no comprender  personas cerca de nuestro espacio personal ahora trastocado y antes normalizado. Somos capaces de separar, desmembrar inclusive, nuestros vínculos en la nueva realidad del asedio, que nos pone de frente y sin esquivas espaciales con nuestras zonas escondidas, en nuestros horarios, quizá en algunos casos, horarios que  perfectamente no cuadran para poder vivir en una “paz”. No me gusta tal sensación, tal respuesta o actitud (de mí, o de otre) así que la esquivo, con una u otra actividad, acción, movimiento, y lo exorciso sin que quizá el mundo necesite notarlo.

En la actualidad probablemente es diferente para algunxs u otrxs. Poner en el actuar esas posibilidades de diferencia enriquecen y ensanchan lo que pensaba que entendía del personaje, y lo hacen más él y menos yo. Y al final del ejercicio, eso es algo lindo e importante que se presentó y continué buscando al actuar en este personaje en sus devenires.

El personaje recorre varias emociones, la angustia, la falta de tiempo, el miedo a la ausencia, aparecen también aspectos relacionados con el consumo, ¿cuál es el mensaje más potente que esperabas lograr con esta obra?

El mensaje, potente que esperaba lograr, es esta primera irrupción de teatro audivisual, de presentar algo “teatral” y que se vea en una pantalla. Eso para mí es un mensaje de desespero en algún punto, también la precariedad del trabajo, de lo que se logró. Como te decía, autogestivo, hecho con muy poco y sí, alguien puede ver un resultado de esto. La verdad que es increíble el trabajo que tiene adentro. Primero que nada es el mensaje a quien pueda ver el trabajo y que nos pueda calificar como trabajadores de estas áreas, un mensaje potente, que pudimos seguir haciendo ante una necesidad, antes que todo, antes que cualquier cosa. Tomando resguardos, siendo cuidadosos justamente, con todo el contexto actual.

Como mensaje, como obra, yo creo que un poco es visibilizar a Ioshua, visibilizar su obra, hablar un poco de todos estos estigmas del varón cis, de las drogas, de las vivencias, de descriminalizar tantas cosas, que se hacen de manera discreta y correcta. Se pueden transitar, sacarse un montón los prejuicios de lo que se puede llegar a ver. El que se incomodó con algún prejuicio dentro de Sensamiento la verdad es que es eso donde queremos llegar, es ese lugar. No hacer sentir la incomodidad, pero por supuesto llamar a la reflexión. Vivir un poco más liberados de muchas cosas. Por ahí, lo dice una persona que viene de Chile, Santiago, y puede darse estos permisos, ¿por qué no darse permisos? 

Ficha técnica

Director: Andrés Velásquez Ravello (IG @andrev.e)
Actor: Paulo Avello (IG @pauloavello)
Producción y Coreografía: Macarena Orueta (IG @macarenaorueta)
Audiovisuales: José López Ruano (IG @jose.lopezruano)

Próximas funciones de Sensamiento: 

SENSAMIENTO, SABADO 26 DE SEPTIEMBRE.
DESDE LAS 20 A 22HS SE LIBERA EL LINK
PREVIA RESERVA EN: https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSczGv9QCrVYdgVN5F45spadnV_7FbnNty079HQbBZb8k4B2zg/viewform

INTÉRPRETE: PAULO AVELLO
PRODUCCIÓN Y DISEÑO DE MOVIMIENTO: MACARENA ORUETA
AUDIOVISUALES: JOSÉ LÓPEZ RUANO
GUIÓN Y DIRECCIÓN: ANDRÉS V. RAVELLO

GANADOR DEL CONCURSO DE ACTIVIDADES PERFORMATICAS EN ENTORNOS VIRTUALES DEL INT.

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Por José López y César Saravia / Foto Festival Ícaro

El Festival Ícaro es un festival de cine que desde hace 20 años ha aportado en la difusión del cine centroamericano, promoviendo un encuentro entre los países de la región, con muestras en otros países, incluyendo Argentina. Este año, a raíz de la emergencia provocada por la pandemia del COVID-19, el Festival Ícaro trae una muestra de largometrajes y cortometrajes por cada país de Centroamérica, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica y Panamá. 

Recorriendo la región de norte a sur, la muestra arrancará el 7 de abril con la proyección de largometraje IXCÁN, dirigida por Henrique Goldman, que narra 40 años de historia guatemalteca a través de la mirada de tres mujeres maya quiché. También en esta primera proyección se podrán ver los cortometrajes Insurrectos, de Ana Lucía Ponciano, y El Sombrerón, de Wonf Reyes y Rodrigo Jiménez. 

Durante los días que dure la muestra también podremos disfrutar de Malacrianza (El Salvador), del director Arturo Menéndez, que se desarrolla en las calles de San Salvador y donde la violencia social aparece protagonista; Un Lugar en el Caribe (Honduras), del director Juan Carlos Fanconi, una historia de amor en la paradisiaca isla de Roatán; El canto de Bosawas (Nicaragua), de Camilo de Castro y Brad Allgood; Abrázame como antes (Costa Rica), de Jurgen Ureña, que narra la cotidianeidad de la comunidad transgénero en las calles de San José; Los puños de una nación (Panamá), dirigida por Pituka Ortega, narra, a través de la historia de un ídolo del boxeo, la búsqueda de un país por una identidad nacional. La muestra estará disponible hasta el 12. Las películas podrán ser vistas en el sitio web www.festivalicaro.tv 

La apuesta por el cine en Centroamérica 

La región centroamericana, con un aproximado de 47 millones de habitantes, es, como señala el escritor Sergio Ramírez, premio cervantes 2017, una región que reclama por su propia identidad. El cine no es ajeno a esta búsqueda, en medio de un contexto social y político complejo que lo convierte en una “tarea titánica”. Así lo define Ana Xochitl Alarcón, directora del Centro Costarricense de Producción Cinematográfica, quien conversó para Marcha a propósito de esta muestra. 

¿Qué representa para el cine centroamericano el Festival Ícaro?

El Festival Ícaro desde que inició hace más de 20 años en 1998 tuvo como idea fuerza, convertirse en la “Vitrina” o “Ventana” de la producción audiovisual en Guatemala al inicio y a partir del 2000 de la producción de la región. Hoy a 20 años sigue siendo, indiscutiblemente una ventana en la que el público no solo de Guatemala, sino también de la región puede ver y tomar el pulso de lo que se narra cinematográficamente en Centroamérica. Es también un impulso para el encuentro de personas creadoras, realizadoras y talento en el que se comparte y se estrechan vínculos.   

¿Cuál es la evolución del cine centroamericano en el último tiempo? ¿Cuáles son las propuestas más interesantes?

La evolución reciente del cine centroamericano la podemos situar con dos indicadores:  la cantidad de películas que se están haciendo en la región que podríamos hablar de más de 30 por año, así como el incremento en la calidad cinematográfica que tienen sus obras.

¿Cuáles son las temáticas más recurrentes que aparecen plasmadas en el cine centroamericano?

Sin duda las temáticas recurrentes son la identidad de la región, con todo lo que implica.  Hay una constante en el intento por retratar la realidad y exponer las aspiraciones y sueños de nuestros personajes y pueblos.  Pero más que lo recurrente lo que es impresionante si pensamos en retrospectiva, es el definitivo retrato de la diversidad que nos caracteriza como región.

¿Cómo es hacer cine en Centroamérica? Tomando en cuenta los pocos recursos que desde los gobiernos se destinan

Hacer cine en la región es una tarea titánica, constituye un esfuerzo monumental, justamente porque no hay recursos destinados para su desarrollo.  Sin embargo, en varios países están sucediendo cosas como la aprobación de Leyes de cine. Eso va a ser un dinamizador.   

Sin embargo, las personas creadoras de la región han demostrado que, a pesar de las infinitas limitaciones económicas que se tienen, cada vez es más reconocido a nivel internacional que existe talento, creatividad y una factura técnica muy bien ponderada, lo que comienza a reconocerse en Festivales Internacionales. Quizás hace 20 años cuando inició esta aventura no hubiéramos podido ni imaginar que en menos de dos décadas la región se alzaría con premios en festivales muy reconocidos.

Programación completa de la muestra 

Martes 7 de abril, Guatemala

IXCÁN

Película Inaugural de la Primera Edición del Festival Ícaro en 1998. Dirección: Henrique Goldman

Cortometrajes

INSURRECTOS

Premio Icarito, Mejor Cortometraje Estudiantil, 2017. Dirección: Ana Lucía Ponciano

EL SOMBRERÓN

Selección Oficial Icaro 22, 2019. Dirección: Rodrigo Jiménez & Wong Reyes

Miércoles 8 de abril, El Salvador

MALACRIANZA 

Selección Oficial 2016. Dirección: Arturo Menéndez

Cortometrajes

LA CAMPANA

Nominado y Tercer Lugar en Premios TvQ-Tv Icaro22, 2019; Dirección: Michael Flores

DURO DE AMAR

Nominado en Cortometraje Centroamericano de Ficción, 2019; Dirección: Jorge Ávalos 

Jueves 9 de abril, Honduras

UN LUGAR EN EL CARIBE

Premio a Mejor Producción, Icaro 2017. Dirección: Juan Carlos Fanconi 

Cortometrajes

VICTORIA

Premio a Mejor Cortometraje Centroamericano Documental, 2019; Dirección: William Reyes 

SE MÍA, SEMILLA

Nominado en Cortometraje Centroamericano de Animación, 2019; Dirección: Michael Baruch

Viernes 10 de abril, Nicaragua

EL CANTO DE BOSAWÁS

Mención Especial del Jurado, 2014; Guion y Dirección: Camilo de Castro y Brad Allgood 

LIH WINA 

Premio a Mejor Cortometraje Centroamericano Documental, 2013; Dirección: Dania Torres

HASTA CON LAS UÑAS

Premio a Mejor Cortometraje Centroamericano Documental, 2016; Dirección: Tania Romero

Sábado 11 de abril, Costa Rica

ABRÁZAME COMO ANTES

Premio a Mejor Largometraje Centroamericano de Ficción, 2017 Dirección: Jurgen Ureña

Cortometrajes

EL DESPERTAR DE LAS HORMIGAS: LA NIÑEZ

Premio a Mejor Cortometraje Centroamericana de Ficción, 2018 Dirección: Antonella Sudasassi

MOMENTO BIEN

Nominado en Cortometraje Centroamericano de Animación, 2019 Dirección: Alejandro Bonilla

Domingo 12 de abril, Panamá

LOS PUÑOS DE UNA NACIÓN

Premio Mejor producción, 2006 Dirección: Pituka Ortega

Cortometrajes 

WATA

Premio al Mejor Cortometraje de Ficción Centroamericana, 2010. Dirección: Enrique Castro & Ana Endara

CARROS ROJOS 

Premio Mejor Videoclip, 2006 Dirección: Marco Luque

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Por José López Ruano

En la cima de toda esta historia está la familia Park, que vive en una mansión diseñada por un arquitecto famoso. Con su vida lujosa y acomodada, solucionan cualquiera de sus problemas con dinero. Saliendo de la casa Park y yendo hasta lo más bajo de la ciudad (literal y figuradamente), refundidos en un pequeño departamento dentro de un barrio pobre, está la familia Kim, luchando día a día con un trabajo precarizado y de mala paga. La fortuna de las dos familias cambia cuando sus mundos se encuentran.

Todo comienza cuando Ki-woo se hace pasar como universitario para cubrir a su amigo como tutor de inglés para la hija de les Park. Aprovechando la oportunidad de trabajar para una familia rica, busca que la suya también se beneficie de ello. Con bastante astucia e ingenio, toda la familia logra entrar a trabajar. Lo hacen en base a engaños y harán hasta lo imposible por mantenerse ahí. ¿Hasta cuándo podrán sostenerlo?

Parásitos es una película que entretiene, su dinamismo la hace fácil de digerir. Tiene tantos matices que hace que no encaje en un solo género. Nos hace pasar con fluidez de momentos cómicos hasta momentos de angustia. Esto es lo interesante que nos trae Bong Joon-Jo, quien consiguió hablarnos de desigualdad utilizando todas las herramientas que tenía. La historia misma y la narrativa audiovisual nos lo muestra.

Hay muchos símbolos en la película que muestran un orden vertical de las cosas: quién está encima de quién. Se ven muchas escaleras, subsuelos, subidas, bajadas, hasta la posición de los elementos marcan estas divisiones.

Es interesante la empatía que se genera por la familia Kim, siendo que ésta de forma tramposa rompieron con la aparente “estabilidad” de la familia Park. A quienes la comodidad les lleva a depender del trabajo de la familia Kim. Su ingenuidad llega a rozar lo inverosímil y no llegan a generar la empatía del público.

El olor es un elemento clave para marcar esta paradoja. Por un lado la familia Kim no lo percibía, pero al darse cuenta les molesta tenerlo. Por otro lado, les Park muestran intolerancia a este olor al punto que parece despectiva y humillante su forma de hacerlo notar. Sin embargo, esta familia rica llega a desarrollar un fetiche con “cosas de pobres” como la ropa interior barata.

Si bien estas metáforas y simbolismos son bastante obvios; se mezcla de manera perfecta con el tono caricaturesco de la película. No logra perder en ningún momento la seriedad del tema a pesar de la sátira. El guión es redondo, al verla una segunda vez se puede percibir la sutileza y sentido de los elementos en la construcción de la película. La fotografía acompaña estos contrastes que ambientan desde lo más luminoso hasta un inframundo cuasi apocalíptico.

No es la primera vez que Bong Joon-ho hace películas con crítica social y política, también en otras películas como Okja critica a la industria de la carne o en Madre, que nos muestra las complejidades humanas que pueden rodear a un asesinato. Vale la pena ir y explorar sus películas.

A mi parecer no es la mejor película del director, pero sí considero que es la mejor película para entrar en el mundo occidental donde Hollywood impera. Nos muestra las luces y las sombras de las cosas, las divisiones de clase y el conflicto que pueden generar estos extremos.  Nos trae cosas humanas con complicaciones universales, por eso ha logrado el alcance y éxito que ha tenido.  De las mejores películas del año sin duda alguna.

Vale la pena destacar como Corea del Sur está en pleno auge en cuanto a proyección internacional de su arte y cultura, lo podemos ver en el fenómeno del K-Pop, en los K-Dramas y en esta cúspide el cine también vino a formar parte.

Fueron unánimes los votos que la llevaron a ser la primera película coreana en ganar la Palma de Oro en Cannes. También en la 92º entrega de los premios Oscar, luego de ganar a “Mejor película extranjera”, Parásitos marcó un antes y un después en la historia de estos premios, ganando también en la categoría de “Mejor Película”. Esta fue la primera vez en la historia de La Academia que una película de habla no inglesa gana este premio, conquistando así el mundo occidental y proponiéndole nuevos retos a Hollywood.

Circulan rumores de una serie basada en la película producida por HBO. ¿Tendrá el mismo éxito?

Dirección: Bong Joon-ho

País: Corea del Sur

Género: Drama

Año: 2019

Duración: 132 mins.

La película se encuentra en la cartelera de los principales cines argentinos

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