El jazz, el candombe, los sonidos latinoamericanos junto con los norteamericanos se entremezclan en esta producción discográfica de AMZ Trío, agrupación que hace de la música instrumental una invitación a nuevas mixturas.

Según indica su página, fueron las márgenes rioplatenses las que vieron nacer a AMZ Trío. Allí fue que se encontraron musicalmente hablando Hugo Acuña (bajo), Gustavo Marge (guitarra) y Ernesto Zeppa (batería) para comenzar a crear a partir de la fusión del jazz, el candombe, las raíces latinoamericanistas y las improvisaciones. La mixtura sonora y ese estilo musical relajado característico de la agrupación son características que se reflejan en “Partida”, disco de estudio que se presentará el miércoles 13 de julio a las 21.30 en Boris Club (Gorritti 5568).

¿Por qué es recomendable escucharlos en vivo? Simplemente porque los doce temas que componen “Partida” son garantía de un buen show, con una alta calidad musical y con un toque de originalidad y frescura que hacen del candombe y del jazz (ambos estilos que ya llevan muchos años de interpretaciones) una convivencia exquisita de sonidos.

Pero este disco también tiene lugar para otros estilos. Si bien los primeros cuatro temas del disco son casi completamente jazzeros, el quinto propone un corte, una vuelta de turca que lleva quien escucha directamente a otro paisaje, a aquél donde el folklore vive. Es así que “El empujón” suena entre piano, guitarra y batería sin ningún inconveniente y hasta para demostrar una vez más la calidad de los músicos, quienes al oído suenan relajados e invitan al disfrute. Sucede algo similar al sonar “El final del cielo”, una cálida melodía que suena entre cuerdas golpes y vientos.

Es que “Partida” tiene eso que lo hace especial: los temas ordenados al estilo montaña rusa, con tracks jazzeros bien arriba, mechados con otros más melódicos, folcklóricos o alguna forma que hace que quien escucha se sienta en un mismo tema con variaciones.

Entre las virtudes de este material, es interesante destacar que se trata de composiciones propias bien ejecutadas por este trío que para la “Partida” a este viaje sonoro contó con la colaboración de invitados como Juan Cruz de Urquiza, Ricardo Nolé y Nora Sarmoria.

Para quienes gusten del estilo jazz y estén abiertos a las fusiones y al hecho de explorar la tierra propia a través de la música, AMZ Trío es una buena forma de comenzar a explorar nuevos caminos a través de un disco o de la música en vivo, siempre recomendable.

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El septeto tanguero presenta su primer material discográfico. Apuesta a que el dos por cuatro abra sus oídos para escucharse fabricado por trompetas, trombones y tubas. El miércoles se presenta en Capital Federal.

Música riopaltense con instrumentos de bronce, un toque tanguero más algo de “corajudos e inconscientes”: esa es una posible síntesis de Los Civenti, un septeto porteño que presentará su primer material discográfico, “Derecho a los caños”, en el Centro Cultural Galpón B. En su mística hay algo del espíritu negro y del legado de las primeras generaciones de inmigrantes a la orilla de Buenos Aires, reminiscencias folklóricas y bastante de luchas. Una fusión cuyos protagonistas prefieren despojar de etiquetas.
Los Civenti atravesó desde finales de 2012 varias formaciones hasta alcanzar la actual, integrada por Juan Manuel Vazquez en voz, Sebastián Di Pardo y Gonzalo Pereyra en trompetas, Fernando Bonavita y Rodrigo Ruiz en trombón, Ariel Bisignano en tuba y Ezequiel Frias en percusión. Marcha conversó con el cantante de la agrupación sobre los objetivos musicales y las definiciones de cara a compartir su trabajo inaugural este miércoles desde las 21:30, en Cochabamba 2536 de Capital Federal.

-Si tuvieran que definir el estilo de la formación dentro del tango, ¿cuál sería?
-Nosotros intentamos no pegarnos a ningún estilo muy definido. Nos gusta probar, experimentar, no ponernos techos y tratar que nuestra identidad vaya mutando con el tiempo. En el repertorio específicamente tanguero tenemos una ensalada de autores: Di Sarli, Troilo, Piazzolla, entre otros, y además la formación cuenta con percusión, lo que nos permite incluir la raíz afro del tango y la milonga.
-Ya desde el empleo de algunos instrumentos la propuesta se diferencia del tango ortodoxo. Sin embargo, ¿se puede encontrar algo de lo “típico” en su música?
-Lo “típico” que se puede encontrar en la música de Los Civenti es la elección de este primer repertorio, en el que la mayoría son tangos clásicos. En estos primeros pasos intentamos con mucho respeto aprender y reproducir con los bronces los sonidos de las grandes orquestas de tango. Recibimos ayuda también de colegas de algunas formaciones tangueras que nos escucharon y trasmitieron sus experiencias.
-¿Hay un eje temático que atraviesa “Derecho a los caños”?
-Es nuestro primer disco, no tuvimos ni producción, ni productor, ni nada de esas cosas que salen bien caras. Al que le agradecemos la paciencia y la escucha es a Alejandro Saro, el técnico que estuvo a cargo de grabarnos en los míticos estudios ION, mezclarnos y además masterizar el material. Podríamos decir que empezamos a ciegas, con un alto nivel de inconsciencia respecto de lo que buscábamos. Queríamos “tocar tango con los caños” y lo hicimos, entonces quizás el eje temático principal tiene que ver con abrir el espectro musical de lo que es el tango en el Río de la Plata y que esto no se quede simplemente en algo raro o meramente alternativo, sino que además sea algo que motorice a nuevas experiencias.
-En ese marco, ¿qué logros musicales destacan de este trabajo?
-Por ejemplo, buscar el soporte rítmico en una tuba, cuando lo lógico es seguir un contrabajo si hablamos de tango, o que un trombón haga un “solo” que normalmente lo hace el fuelle. Hay un cambio tímbrico increíble en ese aspecto y también en la armonía que se va construyendo entre todos en cada compas.
-¿Grabar el material de manera “independiente” fue una decisión?
-En esto nos gustaría decir que sí, que fue una decisión como algunas bandas legendarias o algunas que sostienen que son “independientes”, pero no, somos un proyecto muy humilde con la aspiración de viajar, difundir lo que hacemos. Estamos dispuestos a trabajar en esto para que se convierta en nuestra fuente de ingreso económico. Con respecto a la grabación intentamos encontrar los canales oficiales, los alternativos, pero nada de esto resultó, en resumidas cuentas editar un “disco legal” no es nada fácil. Algo que debería ser sencillo por lo que significa la producción discográfica para la cultura, resultó bastante tedioso y tratamos entonces sí como decisión colectiva resolver de manera “independiente” todo lo que pudimos. Pero nadie es independiente en el mercado, eso está claro.
-En una época atravesada por la discusión política, ¿”Derecho a los caños” asume una mirada sobre esa temática?
-“Derecho a los caños” tiene la particularidad de ser un trabajo colectivo, no hay dirección fija. Está el que sabe un poco más de música y se le animó hizo arreglos, algunos gestionaron y coordinaron, otros que pudieron pusieron plata de su bolsillo. Creo que este tipo de trabajos en una coyuntura atravesada por elegir el menos malo para conducir los destinos de un pueblo marca una gran diferencia. Nosotros optamos por un trabajo lento, pero seguro, donde todos seamos dueños de lo que queremos, tanto de los aciertos como los fracasos. Y queda claro que elegimos el rojo, el negro, un violeta o tantos de la gama de colores; el que claramente hoy no podemos elegir es el amarillo.

Más info: https://www.facebook.com/events/1663065420606687/

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Grabar un disco quizás signifique resguardar para siempre retazos de una composición. Sin embargo, hay excepciones: lo irrepetible. 64. Antes del fin, es el segundo CD + DVD virtual del músico y compositor Milton Arias y, a diferencia de lo que uno considera como regla, esta grabación puede ser reproducida más de una vez y en cada recorrido, presentarse de una manera renovada y única, un campo abierto de sonidos e imagen sin principio ni final.

Milton Arias, músico y compositor de la ciudad de Córdoba, lanzó en el año 2014 su último trabajo 64. Antes del fin. Con un recorrido de ocho videos, el jazz se hace presente y toma la palabra. En ellos, la vida y la muerte, se encuentran en una línea horizontal y se unen en el punto de lo irrepetible de cada experiencia sonora formando el círculo del devenir, lo inevitable y la trascendencia.

64. Antes del fin, es atravesado por la vida del compositor y su historia. En este trabajo, se despide con cada sonido de familiares, músicos y amigos. Así los perpetúa, les regala su aliento de vida. También se hacen presentes quienes lo inspiran y su gato, Poldoro.

Producido por Milton Arias, este trabajo discográfico fue grabado en vivo en Cocina de Culturas (Córdoba, Argentina). Cuenta con la participación de Lucas Ramírez (batería y percusión), Martín Barroso (piano y rhodes), Lucas Acuña (guitarra), Martín Dellavedova (saxo tenor) y Milton Arias (bajo y composición).

Esta serie de ocho canciones es una continuación del trabajo anterior del músico, denominado En Vivo en 1961 AudioEstudio, ambos con el sello del jazz argentino. A quien guste de este estilo, puede descargar el disco en forma libre y gratuita desde la página oficial www.miltonarias.com.ar. También se lo puede disfrutar on line en YouTube.

Para conocer todos los trabajos de Milton Arias y seguir paso a paso los eventos en los que participa, basta con seguir su Fan Page en Facebook Milton: Arias Músico/ banda.

*Si te gustó esta recomendación, podés leer más en la página de Angie Ferrero

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Vida y obra del genial compositor que pudo superar su ceguera y convertirse en un artista admirable.

Ray Charles Robinson nació en Albani, Georgia el 23 de septiembre de 1930. Alrededor de los 5 años, empezó a perder la vista a causa de un glaucoma. Al mudarse su familia a Florida, empezó a tomar cursos en la Escuela de Sordos y Ciegos donde si bien enseñaban mayormente música clásica, Ray mostraba gran interés por el jazz y el blues.

Cuando sus padres fallecieron, y ya fuera de esa institución, tuvo que buscarse la vida con la música a pesar de ser aún adolescente, primero en Florida y más tarde en Seattle.

Ray había tomado como modelos a Charles Brown y Nat King Cole y tuvo su primer éxito con sólo 21 años. Gracias a eso, empezó a girar junto a las estrellas del Rhythm & Blues, empapándose de su sonido y esforzándose en revolucionar su estilo. Fue criticado por cantar canciones gospel con letras populares, aunque hay una gran tradición al poner letras religiosas a canciones y viceversa.

Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante con “(The night time is) The right time” y su canción más popular titulada “What’d I Say”. En 1965, Charles fue arrestado por posesión de heroína, a la que fue adicto durante 17 años. Fue su tercer arresto por este delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en San Francisco aunque pasó un año en libertad condicional.

Ray Charles fue adicto a la música, no dejó de crear hasta el último momento: lo último que legó fue un álbum de dúos en el que colaboraban desde BB King a James Taylor. Cuando murió preparaba una gira tras superar una operación de cadera.

Falleció a los 73 años, el 10 de junio de 2004 en su casa de California. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.

Otras Notas del autor:

Die Toten Hosen o la locura suelta en San Telmo

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