El músico, compositor y cantante Pablo Fauanz presentará su nueva placa discográfica este jueves 2 de noviembre desde las 21 en Hasta Trilce. Antes del estreno, un repaso por su obra. 

Pablo Fauaz, es un compositor, guitarrista y cantante de Buenos Aires. Musicalmente, se formó desde sus ocho años de manera autodidacta para luego perfeccionar sus conocimientos en el Conservatorio Provincial de Morón y contar con el apoyo de Quique Sinesi, Armando Alonso, Roberto Calvo y Aníbal Arias. Asimismo, estudió composición y canto, mientras de forma paralela, participaba como instrumentista y colaborador en distintas agrupaciones y producciones discográficas.

Cuando se sintió listo, decidió despegar de nuestro suelo argentino y realizó giras por distintos países dando conciertos y masterclass. Entre ellos, Estados Unidos, Canadá, Perú, Brasil, Chile y Uruguay. Siempre inquieto, se sumó con su voz y su guitarra en diversos festivales de nuestro país y el mundo.

“Alumbrando”, fue su primer disco editado como solista en el año 2012. Este álbum, fue galardonado por su composición con el primer premio en el Festival Folclórico de la ciudad de Marcos Paz. Durante el año 2013, realizó diferentes presentaciones de éste su primer trabajo, en diversas salas de la Ciudad de Buenos Aires y en el interior del país.

En la misma línea de premios y reconocimientos, Pablo Fauaz junto al poeta Alberto Ortiz, dieron a luz la composición “La zurda del mundo” que forma parte del libro Letratango y recibió en el año 2015, un reconocimiento especial por “Quien bese tus huellas”, Premios Nacionales del Ministerio de Cultura.

Con su trayectoria y calidez, el próximo jueves 2 de noviembre desde las 21  y en el restaurante Hasta Trilce, Pablo Fauaz, nos espera para presentar su nuevo y segundo trabajo “Arreando Lunas”. Este nuevo álbum, cuenta con doce composiciones de su autoría y la participación de destacados músicos invitados que lo acompañan en este  renovado camino que recorre el músico y compositor junto a su guitarra y sus coplas.   Chacareras, cuecas, zambas, chamarritas, tonadas y candombes, prometen ser las protagonistas de este evento bien argentino.

*Allá por el 2012, “Alumbrando”, fue el primer disco editado como solista del compositor, cantante y guitarrista Pablo Fauaz. Su segundo disco, “Arreando lunas”, será presentado el próximo jueves 2 de noviembre a las 21 horas en Hasta Trilce (Maza 177, CABA. Entrada general: $150. Reservas en www.hastatrilce.com.ar).

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1953905194847581/

Temas en Youtube:

https://www.youtube.com/watch?v=SH56xezJcmM

https://www.youtube.com/watch?v=AHbzAJOXWos

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Halo Bestia es el primer trabajo discográfico del dúo SeraArrebol, compuesto por Nacho Vidal y Nadia Larcher, quienes luego de diez años de experimentación musical llegan a los escenarios con este material no sólo para unir sus voces sino además para plantearse  cada sitio como espacio de indagación sobre el rol social, cultural y político de los y las artistas.

Diez años pasaron desde el inicio de la amistad entre Nacho Vidal (voz y guitarra) y Nadia Larcher (voz). Diez años en donde el haber compartido una “trayectoria sonora” dio lugar a la formación del dúo Seraarrebol, que recientemente dio a luz Halo Bestia, su primer disco, compuesto por diez temas en los que predominan las raíces folklóricas entre melodías cálidas y la referencia a paisajes en temas que de tan descriptivos se presentan casi como pinturas. El disco, que fue lanzado formalmente el mes pasado, cuenta con la presencia de artistas invitados que suman belleza al secreto de esta obra: “La simpleza que logra una síntesis”.

A poco de la primera presentación oficial, el dúo dialogó con Marcha acerca de este trabajo y sobre cómo funciona Seraarrebol en la escena artística del país, tanto desde lo musical como desde otros roles.  

-Halo Bestia se presenta como algo simple, dos voces, una guitarra, pero esa simpleza fue lograda mediante un trabajo que incluyó invitados, ¿cómo fue esta primera experiencia de Seraarrebol?

NADIA: -Si, Seraarrebol nace como un dúo de voces y guitarra. Hemos trabajado así durante tres años. Pero, a medida que avanzamos con el disco entendimos que las canciones necesitaban nuevos sonidos y esa idea se consolidó con la invitación de  Andrés Beuwsaert, Mariano Agustoni, Mariano Cantero, Andrés Marino, Christine Brebes, Jordi Rossi, Matías Zapata y Sebastián Valsechi, quienes nos ayudaron a hacer crecer las canciones y a lograr que el disco también sea una instancia de creación. Es por eso que el proceso duró dos años. Es interesante pensar que la simpleza no es lo menos si no lo que logra una síntesis. Anhelamos haberla logrado.

-Este disco tiene un estilo bien marcado, ¿cómo lo definirían ustedes?

NACHO: -No sé cómo sería definirlo en términos de estilo. Sí hay una búsqueda en lo universal, pero con los pies sobre este suelo, el suelo donde crecemos, soñamos, amamos, danzamos y trabajamos… Hay una predisposición, aunque hay algo inevitable en esto, a la universalidad. Pero al caminar uno va pisando un suelo y ese suelo define en cierta medida los pasos y nos exige estar atentos. Sentimos que estas canciones y el modo de abordarlas, lo están. No porque debieran estarlo, nosotros las lanzamos al diálogo con las músicas que suenan y que resuenan en cada uno, ojalá convivan y enriquezcan lo que nos rodea y un poco más allá.

-La poesía es propia. Ustedes hablan de canciones inspiradas en paisajes, aunque en casos como el de “Muerte fabulosa de los caballos” se describe una situación, se cuenta una historia, ¿cómo surgió toda esa búsqueda hecha canción?

NACHO: -El poema Muerte fabulosa de los caballos preludia a “Halo bestia”, una música que surgió de la mano de una métrica predispuesta al verso. Esos versos cantados en jitanjáfora fueron entregados a Juan Andrés Despouy, quién terminó diciendo: “Si dejo correr al silencio / y me siento a verlo pasar / tal vez mi canto lo diga / con palabras simples como el pan / pero a lo simple lo pierdo / y sin pan no se puede hablar.” Este Juan, compañero de caminos y sueños, publicó “Muertes fabulosas”, el libro que alberga estas muertes, y entre la “Muerte fabulosa de los números”, por citar algunas, aparece la de los caballos. Ese poema acompaña hace muchos años los recitales de Seraarrebol.

-Si bien Seraarrebol ya lleva varios años de experiencia, ambos cuentan con un camino musical transitado antes de este dúo, ¿qué buscaban musicalmente cuando comenzaron a componer juntos?

NADIA: -Buscábamos un espacio de creación donde trabajar sobre nuestras intuiciones y sobre todo, aprender. Somos amigos hace mucho tiempo y estos años de trabajo nos han servido para plantearnos diálogos musicales pero también políticos y culturales. Cuando comenzamos este proyecto también comenzamos a discutir nuestro rol de artistas en esta ciudad y en el país, en el ámbito de la cultura y la sociedad. Con Seraarrebol comenzó una trayectoria sonora pero también un espacio de indagación.

NACHO: -Convertirnos en una sola voz.

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El viernes 12 de junio a las 21 horas el dúo de guitarras “Eguía-Romero” presenta, junto a músicos invitados, su primer disco, al cruce, en el Espacio Tucumán. Antes dialogó con Marcha sobre sus inicios, sus ideas y su futuro.

Son el dúo “Eguía-Romero”. Se conocieron tocando en la “Orquesta El Guitarrazo”  –que actualmente dirigen junto a Daniel Schneck y Lucas Bragán– pero terminaron de cruzarse en la carrera Tango y Folklore del Conservatorio Manuel de Falla. Ignacio Eguía me recibe en la puerta de su casa. Enseguida, mientras avanzamos por el pasillo largo, se escucha el sonido de la guitarra de Ignacio Romero que viene desde el fondo y se desparrama en esa suerte de canal amplificador. A los vecinos no parece importarles. Interrumpo un ensayo que continuará luego de mi partida. Están afiladísimos para el show presentación de su disco al cruce, que brindarán este viernes 12 de junio en Espacio Tucumán. Mientras tanto, hablamos de varias cosas.

¿Cómo se armó el dúo?

Eguía: Salió cuando en el Conservatorio nos pidieron hacer un arreglo a dúo. En ese momento ya hacía un año que veníamos trabajando con otro grupo que tenemos, “Trina la diuca” (cuarteto que, además de las guitarras, lleva las voces de Laura Luz De Iudicibus y Dolores Usandivaras), pero creo que ahí entendimos que trabajábamos bien juntos y que además nos gustaba lo que podíamos llegar a hacer. Ese trabajo fue el tango “Decarísimo” y hoy está en el disco. Después, se terminó de armar cuando vino Juan Falú, que era nuestro maestro en el Conservatorio, y nos dijo: “¿Quieren tocar hoy en el ‘Festival Guitarras del Mundo’?” Era en el Teatro Cervantes. Fuimos y tocamos este tema que era el único que teníamos. Más tarde, Juan nos propuso participar en el Festival del año siguiente, así que eso ya nos condicionó y nos empujó a armar más temas en dúo.

Cuando uno los escucha tocar siente un cruce de voces en todo momento. No hay una voz principal y un acompañamiento, sino un cruce constante, un intercambio de roles permanente. ¿Cómo arman eso?

Romero: A los dos nos gusta tocar las dos cosas, acompañar y tocar una melodía, pero no está muy pensado eso, se trata solo de ir variando. Tenemos una dinámica de trabajo conjunta. Antes nos tomábamos mucho tiempo, era probar un acorde, otro, cambiarlo. Ahora tomamos decisiones más rápido, vamos probando cosas juntos y eligiendo.

E: No tenemos un patrón. Se da porque en el proceso de buscar el tema sale algo que te gusta y queda así. El disco de Juan Falú y Ricardo Moyano es parte importante de nuestra formación. Ahí escuchás todo el tiempo ese juego, cómo ellos se comunican y se escuchan y pasan de uno a otro. Venimos de ese lado. Es una forma de agarrar la música.

R: Sí, son elecciones estéticas. Aunque esté ese cruce nosotros arreglamos todo, hay poco de improvisación; tal vez en cómo uno frasea la melodía, pero no mucho más. La creación está en el arreglo.

Eso se nota en los temas del disco, porque hay temas de ustedes y temas de otros compositores, pero todo tiene un mismo nivel, un mismo tratamiento que de alguna manera les da un estilo propio, como si ustedes se apoderaran de los temas ajenos.

R: Sí, aunque el otro día un amigo me dijo lo contrario. Pero sí, hay un color similar en los temas a partir de recursos que uno va usando más habitualmente y le van dando esa personalidad que sale de la manera de arreglar o también de cómo sonar. El sonido de la guitarra también te da identidad: uno vuelve a ciertos lugares que hacen que el disco tenga ese sonido de dúo.

E: Además, en el disco no hay música de una sola región, entonces, cada vez que te encontrás con un estilo para arreglar lo vas conociendo en la medida en que lo hacés; uno le va poniendo lo que conoce: capaz que es algo tradicional del estilo que se mezcla con algo de lo que usamos nosotros.

¿De dónde surge esa necesidad de abordar ritmos tan diferentes que incluso los lleva a mezclar tango y folklore?

E: Es que yo no veo al tango y al folklore de una forma distinta, los veo como música de diferentes partes del país. Por el lugar en el que vivimos, parece que uno tendría que decir que el tango es su música, pero yo no siento que sea la única música que me pertenece ni la única que me gustaría conocer.

R: Yo lo vivo todo más separado. Cuando el folklore me empezó a gustar encontré una conexión entre las músicas del país aunque fueran todas de características distintas. El tango me parece una música increíble y me encanta, pero emocionalmente tengo una distancia.

Pero, entonces, ¿por qué lo abordan? La pregunta sería: ¿éste es un disco de folklore?

E: No, porque incluso hay un merengue venezolano. Para mí la razón de todo esto va más allá de la música misma y es el amor por la guitarra: esto surge de lo que nos ha propuesto la guitarra. Por eso los temas nuestros son todos distintos, porque por ahí estás investigando cómo es una chaya y se te ocurrió una idea y entonces hiciste un tema; te salió un ritmo de otro lugar que nació de la guitarra y capaz nazcan otras cosas que sean incluso de otras músicas, algo brasilero, un candombe. Igual hay una decisión estética de armar un repertorio que tenga de todo.

R: Para mí también hay una decisión ideológica. Estamos en esta parte del mundo y está bueno hacer esta música porque te permite conocer un montón de otras cosas del lugar de uno que van más allá de la música misma. Nosotros hacemos música instrumental, pero si vas a mirar las letras terminás conociendo un paisaje, una comida, un lugar, cosas que están vivas, vigentes y uno tal vez por otro lado no las conocería. La música es una puerta para conocer el lugar de uno y la identidad de las distintas culturas que habitan un país o una región.

De todas maneras, hay cruces de otras cosas.

R: Sí, hay música que uno ha escuchado en distintos momentos de su vida que están en lo que hacés; si uno es sincero, eso va apareciendo. No se trata de copiar lo que hace otro sino de hacer tu propio camino, y en esa búsqueda todo lo demás aparece aunque no se repitan fórmulas. Juan es un referente pero nos despegamos de ahí, no es que queremos tratar de tocar como él.

¿Cómo fue la participación de los invitados en el disco?

R: Bueno, con Falú fue más libre, pactamos alguna melodía o algunos acompañamientos pero nada más.

E: Por suerte, pudo venir a un ensayo antes de grabar, pero fue más por tranquilidad nuestra que de él. Después, cuando grabamos tocó algo totalmente distinto. Hicimos tres tomas y las tres fueron distintas y estaban buenísimas. Elegimos la que más nos gustó. Con Dani y Lucas ya había un arreglo y los roles estuvieron más definidos: armamos un cuarteto con tres voces y un acompañamiento, un poco como funcionamos en “El Guitarrazo”.

R: Con Juan Sicardi también ensayamos para la grabación. Después con las chicas, bueno, ahí ya directamente no son invitadas sino que es “Trina la diuca” lo que suena, es un tema del repertorio del grupo que lo incluimos acá.

¿Este disco cierra una etapa?

E: Sí, es un repertorio que venimos haciendo hace tiempo y que se concentró en este disco. Cerramos pero también abrimos, porque queremos ver cómo funciona, qué repercusión tiene, y tenemos que presentarlo. Ahora está la fecha central en Espacio Tucumán, pero el 2 de julio volvemos a tocar en un ciclo de dúos y en agosto vamos a tocar en Córdoba.

R: Ya para un próximo disco la cosa apunta a que haya mayoría de temas nuestros.

E: en este disco están las músicas que hemos ido aprendiendo en todos estos años.

Tal vez por eso se llama al cruce. No es el título de ningún tema sino una manera de nombrar esto que está pasando ahí.

R: Sí, es una mezcla de cosas. Cruzar distintas músicas, pero también el dúo en sí mismo, este habernos cruzado nosotros y habernos metido en esto. Además, es pensar el cruce como un encuentro: ir al cruce para ver qué pasa.

E: Toda nuestra formación, toda nuestra música y lo que nos ha pasado sale de cruzarse con gente que hace algo que te despierta. Si no salís a ese cruce, te quedás, o por lo menos te perdés muchas cosas que están buenísimas.

al cruce se presenta este viernes 12 de junio a las 21:00 hs. en Espacio Tucumán (Suipacha 140).

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El joven quinteto folklórico Curepas presenta mañana su primer disco, De soles y veredas, en el que dan rienda suelta a la originalidad y poesía de sus letras e interpretan algunos clásicos que ya son parte de nuestra historia.

Abril ha sido un mes de gratas presentaciones en la música popular argentina y la capital federal ha sido testigo de ello. Nuevas formaciones compuestas por jóvenes compositores, músicos, cantores y cantoras de nuestro suelo, han dado luz a álbumes de gran valía que nutren la plena vigencia del canto local, que, como toda parte viva de nuestra cultura, se renueva a partir de sus raíces.

La cantera anda bien, y para certificarlo, este jueves 23 de abril  a las 21:00 horas el joven y prometedor quinteto del conurbano sur bonaerense, Curepas, presenta De soles y veredas, su primer disco, con un recital en Hasta Trilce –Salvador Mazza 177, C.A.B.A.)-, junto con los músicos invitados Popi Spatocco, Carlos Moscardini y Hernán Ríos.

Curepas está integrado por Nicolás Lapine en guitarra y voz  (además, compositor de la gran mayoría de los temas del grupo), Pablo Brie en contrabajo y voz, Sebastián Medina en violoncello y voz, Matías Wilson en piano y bandoneón, y Santiago Brie en percusión. Su repertorio se destaca por la particularidad de privilegiar las canciones propias, aunque no falta en él la presencia de logradas versiones de distintos clásicos, como por ejemplo la emotiva “Vidala de la copla” con la que se inicia el disco, del Chango Rodríguez, la altísima versión de “Zamba del Chahuanco”, de Hilda Herrera, y la aparición de “Maestras de Jujuy”, de León Gieco, y “Tonada del cabestrero”, del venezolano Simón Díaz.

El trío de voces y la constancia del violoncello, el contrabajo, el piano y el bandoneón, dan peculiaridad sonora a la propuesta musical de Curepas entre la joven camada de artistas que van surgiendo. La amalgama de la formación es total, se nota en sus canciones un trabajo arduo detrás, de mucho ensayo y presentaciones en diversos espacios, para llegar a una combinación armónica que parece natural en ellos, experimental y a la vez con evidente raíz popular.

Como se ha dicho, De soles y veredas inicia con la vidala de autoría del Chango Rodríguez, que emerge luego de unos segundos a puro sonido que van generando el clima telúrico que recorre todo el disco. Arrancar con una vidala a varias voces y con una nutrida concentración de instrumentos da cuenta de la marca que pretende dejar Curepas en nuestra música: la manera en que se afinca en la tradición, le imprime rasgos propios y construye así una nueva producción cultural tan innovadora como vernácula.

El segundo de los dieciséis temas del disco, “Mirar”, de Nicolás Lapine, es uno de los doce de producción propia que podemos oír en De soles y veredas. Obra más experimental, se enriquece aquí con la participación de Facundo Guevara como músico invitado. Del mismo compositor es “Soy distancia”, que nos remite al viaje, a la itinerancia ligada no solamente a la profesión musical sino a una forma de vida y, sobre todo, a una mirada existencial sobre el mundo: “No conozco lejos, cerca ni distante, no tengo una forma, soy la que vos quieras darme”, expresa la canción que se detiene en el sonido de unas manos en el barro y en la que Carlos Moscardini pone las suyas a las cuerdas de la guitarra. Mensaje, canción, puente, todo eso se puede ser con “Soy distancia”, uno de los muchos poéticos momentos del disco, que continúa con la chacarera de Medina y Wilson “La consecuente”. Ésta, lejos de lo que su nombre indica, innova musicalmente a partir del ritmo más popular de nuestro folklore y al que siempre le sienta bien el últimamente tan poco utilizado bandoneón.

Otro infinitivo titula un tema en De soles y veredas, como queriendo sustantivarlo todo, volver cosa concreta la acción de brindar música. “Crecer” (Lapine) también se destaca por la impronta de su letra, que busca en la mirada clara como un horizonte, anda buscando siempre cosas entre los ojos de los demás, como una rara costumbre. Luego llega “Temático lunar” (Medina-Lapine), que arranca con un hablar pausado que describe diversas situaciones, mientras la música asoma de fondo hasta volver todo canción.

Con “Tonada del cabestrero” retorna la tradición musical, esta vez latinoamericana, al disco (nuevamente con la participación de Facundo Guevara, a quien en este caso se suma Gastón Carbajal), que enseguida continúa en la misma línea con uno de los más logrados momentos del álbum, el de “Zamba del Chahuanco”, con la inestimable voz de Liliana Herrero.

Hasta acá, un gran disco, pero sólo lo estamos promediando. La otra mitad logra mantener el mismo nivel; primero, con el primer tema puramente instrumental, “Eh, gato”, de Matías Wilson -un gato “extraño”, con el piano en primer plano-, y después con “La que no es lo que parece” -con la participación de Hernán Ríos en piano- y el aire litoraleño “Buscando” (ambas de Nicolás Lapine), cuyo sonido trastoca un poco la línea previa gracias a la aparición de la flauta de Eugenia Sanjurjo, el clarinete de Santiago Pedernera y el fagot de Agustín Uzal.  Esta tríada muestra cómo diversos ritmos son interpretados con igual lucidez por estos curepas. Les sigue “Maestras de Jujuy”, el último de los temas que no son propios en De soles y veredas y donde la letra de Gieco cobra nueva voz en este quinteto.

Entrando en la última porción del disco, llegamos a “El pensamiento” (de Pablo Brie), otra canción instrumental donde el bandoneón es lo que estructura un tema de raigambre tanguera. Continúa “Sólo un día” y tras él la semblanza de un hombre común que lleva en su pecho la humildad, el sereno “Tío Humberto”.

“Vieja tonada” -las tres últimas canciones, nuevamente, de Nicolás Lapine- da fin a De soles y veredas con una letra que suena a declaración de principios sobre el canto de Curepas, que nos regala “esta humilde tonada/que se abre paso nomás/entre el campo y la ciudad/ para adentrarse en el alma”, y que nos insta a llevarla despacito en su triste mirada, llena de pena porque nadie quiere cantarla. Una vieja tonada, entonces, que deja una huella que hay que llevar siempre con uno mismo, aun andando nuevos caminos.

En definitiva, vidalas, tonadas, chacareras, zambas, gatos, aires litoraleños, canciones, casi todas tenues en su sonoridad, voces y rasgueos, sin estridencias, pueblan este primer disco de Curepas, con el cual inician un camino en el que tienen todas las posibilidades de llegar bien lejos.

Curepas no es ni calco ni copia, sino construcción novedosa a partir de pilares que sienten propios, el del cancionero argentino, el del voceo de nuestra música, el de la incorporación de clásicos a sus nuevos repertorios, el del agregado de fusiones con músicas de otras regiones. Por todo esto, Curepas es una genuina expresión del nuevo folklore.

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El dúo bonaerense Sur Adentro, constituido por María Valeria Palermo y Pablo Roselló, presenta el sábado su tercer álbum, Viajeros, donde continúa en la firme línea con la que nació: la de recorrer e interpretar el cancionero folklórico nacional.

Este sábado 18 de abril a las 21:00 horas el dúo Sur Adentro, integrado por María Valeria Palermo en voz y piano y Pablo Roselló en voz y guitarra, presentará su tercer disco, Viajeros, enteramente producido de manera independiente. La cita es en el Teatro del Viejo Mercado (Lavalle 3177, C.A.B.A.). Junto con ellos, estarán allí Cristian Loudet en percusión y Federico Suárez en bajo.

Escuchar Viajeros es continuar la línea de un extenso y único itinerario que Sur Adentro viene recorriendo con suma convicción desde su surgimiento, allá por el año 2003, y que se cristalizó en sus álbumes previos: Por mi tierra (2004) y Un mismo cielo (2007). El dúo de la mujer oriunda de Tres Arroyos y el hombre quilmeño lleva más de una década en la misma senda, tras la huella de nuestro folklore, dando nueva vida con sus voces y musicalización a obras que ya forman parte de la historia cultural argentina y a producciones propias con las que enriquecen su repertorio.

Haciendo un guiño al nombre del dúo, Viajeros arranca con “Patagonia”, de Marino Coliqueo, uno de los compositores emergentes del país, reconocido integrante del grupo Che Joven; y sigue con “El tero tero”, polca de Marcos Velásquez, inolvidable en la memoria de  aquel hito de la música popular uruguaya, “El Sabalero”. Así, viejos y nuevos temas engarzan en el canto de Palermo y Roselló, en ensamble de piano y guitarra con mención especial a la participación de los músicos Loudet y Suárez.

Si ambos temas son cantados con soltura y originalidad, lo mejor del dúo sale a la luz en sus interpretaciones de los clásicos con los que continúan desandando el disco. Las zambas “Paisaje de Catamarca”, del Polo Giménez, y “Zamba del carnaval”, del Cuchi Leguizamón, son espacios donde detenerse una y otra vez al oír Viajeros. La “Chacarera del Mishki Mashu”, por su parte, de los Hermanos Ábalos, suena a propia en este dúo que tiene al piano en su conformación musical “titular” al igual que el ya legendario grupo santiagueño. Y también en sintonía con ellos, a esta chacarera no le falta “una guitarra ni un buen criollo que la pulse”, gracias a la siempre variada interpretación de Roselló.

Uno de los más altos momentos poéticos del mayor poeta de nuestra música, Atahualpa Yupanqui, aparece aquí con una versión a su altura en las serenas voces de Sur Adentro. Me refiero a la milonga “Guitarra dímelo tú”, de Atahualpa Yupanqui, donde logran crean el clima telúrico necesario para enaltecer una letra que nada le envidia a lo mejor de nuestra literatura. La otra milonga del disco llega de parte de tangueros de ley;  “Baldosa floja”, de Bocazzi y Giraldoni, conocida fundamentalmente a través de la voz de Argentino Ledesma y, más acá en el tiempo, de La Chicana, asoma aguerridamente en el fraseo de Palermo y el acompañamiento de Roselló.

El chamamé “La fiesta grande” deja de lado la tranquilidad reflexiva para invitar al baile con la mesa larga, la fresca del parral y Doña Rufina llegando con sus chipás, en un grabado de los días de encuentro festivos de nuestro litoral, entre luna y agua y la alegría de los cambá en acordeón, bailando hasta el dolor. Ya sobre el final, el aire coplero y triste de “Lejos” nos envía a un norte en el que culmina el álbum gracias al huayno “Como el mar”, de autoría propia.

En estos diez temas que constituyen Viajeros, Sur Adentro logra articular un cancionero que, a pesar de contar con un solo tema que les pertenece, ya es suyo, y en el que emerge una selecta compilación de la música nacional.

El repertorio elegido se afinca en el objetivo de cronicar la cotidianeidad de nuestro “interior”, con sus costumbres tan provincianas, como se dice en “Paisaje de Catamarca”, y como podemos encontrar en “La fiesta grande” o la “Chacarera del Mishki Mashu”. Fiestas, nostalgias, pesares y esperanzas vistas por el hombre de pueblo, en la pluma de los más grandes autores de nuestra música, se dejan oír en un disco en el cual este grupo consolida su identidad.

Con Viajeros, el dúo expresa su andar a lo largo y ancho del país y sus presentaciones en escenarios de toda la Argentina. En sus palabras: “Hace diez años elegimos el camino de llevar pueblo por pueblo nuestra música, nuestra canción. En cada rincón del país, alguien nos llama viajeros y así nos sentimos. Amamos lo que hacemos y éste es nuestro destino.”

Su música refleja exactamente eso: zambas, chacareras, milongas, chamamés, huaynos, y en sus discos previos gatos, loncomeos, tonadas y chamarritas, forman parte de lo que van juntando y construyendo en su constante rodar por la música y el territorio del país. La capital federal los recibe este sábado. Nuestros oídos, gustosos.

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Uniendo músicas del sur: Ancarola pasea su vos por Buenos Aires

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