Por Juan Stanisci

Leer es un engaño.
Alguien habla en otra habitación. Suena el teléfono. Un pájaro pasa volando por la ventana. El viento mueve las ramas de un árbol. Un auto transita la calle tocando bocina. La escritura tiene la incapacidad de lograr que estos eventos sucedan a la vez. Todo siempre se vuelve lineal, cronológico. William Burroughs intentó destruir la linealidad en la literatura a través del cut-up –luego de escribir cortaba cada oración en un papel, las mezclaba y volvía a juntarlas-. “Así, cuando se mira la ventana alrededor del cuarto, cuando se anda por la calle, la conciencia es entrecortada por hechos aleatorios. La vida es un Cut up. Cut ups están más cerca de los hechos de la percepción humana de lo que, digamos, la narrativa. La narrativa directa, algo lineal”, creía Burroughs. David Bowie llevó esa técnica a la música, varios de sus discos están hechos a través del cut-up. Concebía la realidad como una serie de eventos aleatorios y desordenados.

Eso refleja el documental de Brett Morgen Moonage Daydream. La película no busca hacer una biografía de Bowie. No tiene fechas, tapas de discos, opiniones, anécdotas ni referencias claras a cuando sucede cada cosa. Es una concatenación de imágenes del cantante inglés, entrevistas, fragmentos de recitales, mezclada con pedazos de películas, que pueden haber influenciado al músico, escenas que representan el universo o caras de personas que aparecen en mayor o menor medida en su discografía. Sucede todo junto y al mismo tiempo. Son dos horas y veinte de frenesí. Ciento cuarenta minutos al palo, cabalgando sobre las múltiples personalidades de David Bowie.

¿Te gustan los chicos o las chicas? Es confuso en estos días.

• Esta fue una de las mejores giras de nuestra vida. Quiero agradecer a la banda. Quiero agradecer a nuestro equipo de gira. De todos los recitales en esta gira, este en particular lo recordaremos por mucho tiempo. Porque no es solo el último recital de la gira. Es el último recital que vamos a hacer.

El tres de julio de 1973 David Bowie llevó al engaño en la música a uno de sus puntos más altos. Sobre el final del último recital de la gira anunció que no tocarían más. Los gritos del público después del anuncio se parecieron más a una súplica que a una ovación. Al día siguiente los diarios hablaron del retiro de Bowie. Tenía 26 años.Lo que no sabían el público ni la prensa, es que Bowie no se refería a su retiro. Estaba matando, frente a miles, a su personaje más celebre: Ziggy Stardust.

Un año y un día antes, Bowie había golpeado las estructuras de la cultura inglesa. Su presentación en el programa Top of the pops fue vista por un cuarto de la población de Inglaterra. El pelo naranja como una señora de cincuenta años, una guitarra azul y vestido con un mono, verde naranja y azul y unas botas rojas hasta la mitad de la pierna. En el coro abrazaba sensualmente a Mick Ronson, el guitarrista de la banda. Fue la presentación en público de ese tal Ziggy Stardust. “Las preguntas aparecen ¿Qué es él? ¿De dónde vino? ¿Es una criatura de un poder externo? ¿Es un raro? ¿Es peligroso? ¿Es inteligente? ¿Tonto? ¿Bueno con sus padres? ¿Es real? ¿Está loco? ¿Hombre? ¿Mujer? ¿Robot? ¿Qué es esto?”, se pregunta un periodista de la época en el comienzo de Moonage Daydream.

Bowie se declaraba abiertamente bisexual en una época que no estaba preparada para eso. Eran los años que forjaron el ascenso de Margaret Thatcher. Cuando hablaba de sus relaciones personales, nunca hacía referencia al género de la otra persona. Incluso antes de la explosión popular de Ziggy, Bowie aparecía en sus videos o en las tapas de sus discos vestido de mujer. No vestido como una mujer. Vestido de mujer. Sus rasgos le permitían jugar con la androginia. Y así romper con la heteronorma de su época. No solo mostró que los hombres podían usar plataformas o maquillarse. Le hablaba a un sector de la juventud que no era escuchado. Los raros. Cincuenta años después se puede caer en el error de creer que su música está destinada a un público culto e intelectual. Pero a principios de los setenta era profundamente popular. Sus discos eran comprados por los hijos e hijas de la clase trabajadora. “Millones de mini-Hamlets retraídos que vivían su propio infierno sin amor en todo tipo de aldeas, pueblos y ciudades oyeron esas palabras y quedaron atónitos”, escribió el filósofo Simon Critchley en su libro Bowie. Critchley fue uno de esos adolescentes descontentos con el mundo que los rodeaba, que sintió como Bowie le hablaba a él.

“Bowie/Ziggy recalibró la sexualidad de un modo disoluto pero destilado, decididamente atrevido, pero lleno de refinamiento”, describe Critchley. No solo acompañaba a quienes sentían que nadie los miraba, sino también mostraba un mundo no binario. Una forma de ser por fuera de las etiquetas y los rótulos que la sociedad inglesa tenía listo para pegar en la frente de las personas. La mayoría de las entrevistas de la época tocaban el tema de su bisexualidad. Lo acusaban incluso de pedante por declarar que le gustaban hombres y mujeres. Hay una de ellas donde el entrevistador intentó llevarlo hacia ese lugar durante todo el reportaje. “Those are men shoes or women shoes? (¿Esos son zapatos de hombre o zapatos de mujer?)”, pregunta el periodista en un momento. Bowie le sonríe y mira hacia abajo. “They are shoe shoes, silly (son zapatos de pies, bobo)”, responde con una sonrisa juguetona.

Bienvenido a la realidad

Brett Morgan plasmó en Moonage Daydream el pensamiento de David Bowie. A través de las entrevistas logró captar las mutaciones que fue a experimentando con el correr del tiempo -normalmente de manera frenética, año tras año-, en sus ideas sobre el arte, la espiritualidad, el rock, la música o la relación con su público.  Su percepción del mundo varía, incluso hasta la contradicción, a medida que el documental transcurre. Pero Morgan no buscó la linealidad, ya que esto iría contra la propia concepción de Bowie del arte. O de la realidad. O de las dos cosas. Morgan rompe canciones, fragmenta entrevistas, juega con la idea alienígena que orbita alrededor de Bowie.

Durante el éxito de Ziggy Stardust en 1972, Bowie pensó en llevar la historia al teatro. La realización tenía ciertos problemas, como el hecho de tener que representar “agujeros negros” o “infinitos”. Pero además, la búsqueda narrativa de Bowie complejizaba más su realización. “Estaría bien que los personajes y los actores aprendieran todas las escenas y las barajáramos en un sombrero en el momento de la actuación y las interpretáramos como el azar decidiera ese día”, comentó en una entrevista junto a William Burroughs en esos años.

Después del asesinato público de Ziggy Stardust, Bowie siguió creando personajes. Algunos trascendieron las canciones y se apoderaron del escenario, como Aladdin Sane o el Duque blanco. Otros habitaban algunos temas para no volver a aparecer. Quizás el personaje más extraño creado por Bowie fue uno que no tenía nombre. Incluso fue el que más se confundió con el propio músico: el Bowie modelo ochentas. Rubio, impecable y con ganas de simplificar sus canciones. Optimista y simpático en las entrevistas. Cansado seguramente de tanta búsqueda. Tratando de buscar un lugar donde acomodarse, hacer recitales para cientos de miles de personas y giras mundiales. El Bowie más antibowie de todos. Al que, años más tarde, también se encargaría de asesinar.

Cinco años tardó Morgen en realizar el documental. Con un infarto en el medio. Su objetivo, creo que cumplido, no fue abarcar la vida entera de Bowie, sino realizar su propio recorte. Fragmentar y destruir la realidad mundana a través del músico. Intentar meter, aun con las limitaciones que el cine tiene en este sentido, todo junto y al mismo tiempo. Y que eso tenga una idea narrativa detrás. Agarrarse a trompadas con Cronos. Mostrar al ser de las mil caras de la forma más directa posible.

¿Dónde ver?

El documental puede ser visto en CineMark Palermo, y de forma rotativa puede aparecer en otros cines. Todavía no hay fecha para su estreno en plataformas streamings. Recomendación: Este finde largo, incluilo en los planes

Source

Por Darío Cavacini. Collage Iván Barrera

¿Cómo fue el proceso que dio origen a esta película?

JM: La película nace de una investigación que realizamos en la Revista THC, sobre el origen de la prohibición en Argentina. Por supuesto, esto fue hace varios años, unos seis o cinco años atrás. Esa investigación fue saliendo por entregas y ahora está recopilada en un libro que se llama La Prohibición, que se publicó hace dos años. La verdad es que cuando empezamos a hacer esa investigación yo en particular ya estaba pensando en que llegase a la forma de un documental. Había también una decisión ahí, primigenia, digamos, que fue que ese proceso de indagación que bien se podría haber encuadrado de forma más institucional, saliese en cambio en una revista hecha por usuarios y usuarias de una droga ilegalizada para lectores usuarios y usuarias de esa misma droga. Era una declaración porque nunca se había hecho, de hecho, fue un problema conseguir fuentes secundarias porque casi no había en ese momento, y lo íbamos a hacer desde ese lugar marginalizado y callado y estigmatizado. Ese es el origen de la peli que supo conservar ese espíritu incorporando a la narración de la historia con mayúsculas, la historia macro, la historia de Eric Sepúlveda, un pibe de Florencio Varela que se mudó a las sierras de Córdoba en plan de no joderle la vida a nadie, y la policía cordobesa lo apresó por tenencia de aceite de cannabis y hasta el día de hoy está acosado por la llamada Justicia. En ambas líneas narrativas que se van cruzando, subyace la intención de que se visibilice lo que hasta ahora se mantuvo oculto, sin relieve ni profundidad, echado al tacho de basura de la historia.

MR: En mi caso me sumé con la investigación ya hecha y el libro publicado y la verdad es que me había gustado mucho. Juan Manuel por su parte había visto mi primera película “Selva”, a ambos nos gustaba lo que el otro hacía y siempre tuvimos ideas muy parecidas en relación con el tema de las drogas y fue tan natural que la verdad no recuerdo quién de los dos le propuso al otro hacer la película. Siempre sentí que tenía que hacer esta película, que era una gran oportunidad para aportar desde nuestras especialidades a un debate que considero necesario porque la política de drogas actual es un desastre absoluto y afecta millones de vidas en el mundo entero, el caso de Eric, nuestro protagonista, es uno de ellos.

¿Qué fue lo que más les atrajo contar de este tema?

MR: Desde adolescente, cuando descubrí que “las drogas” no eran lo que me decía el Dr. Miroli en la televisión, que muchas de las personas que yo admiraba se drogaban y que ser adolescente era en gran parte evitar que te agarre la policía y te meta preso por tener dos porros, supe que la prohibición alrededor de las drogas no estaba relacionada con cuestiones de salud sino con cuestiones de poder, de control, de regimentación de la juventud y los sectores populares que son los que más sufren la prohibición. A diferencia de otros temas relacionados con la represión de las libertades individuales y democráticas, como son el matrimonio igualitario o el derecho al aborto, donde el progresismo y la izquierda tienen posturas claramente definidas, en la cuestión de drogas aún hay mucho tabú y conservadurismo y se sigue avalando desde todos los sectores el avasallamiento, la represión y la estigmatización de los usuarios de drogas. He visto a legisladores de izquierda votar en contra de leyes de reducción de daños porque es hacerle el juego al narcoflagelo. Evidentemente, necesitamos concientizar un montón aún y ojalá la película sea un aporte en ese sentido.

JM: A mí lo que más me atrajo sobre el tema fue en principio el desafío formal, artístico, que significa abordarlo y el valor que tiene en sí mismo para el debate público. Lo formal en tanto teníamos que ir entrecruzando las dos líneas narrativas, y, además, una de las dos demandó de un trabajo de síntesis casi imposible. La genealogía de la prohibición no es tan fácil de identificar porque son muy numerosos los intereses, los discursos, las instituciones; son muchas fuerzas influyéndose recíprocamente. Lo bueno de ese proceso es que quedó un, digamos, destilado, en el que la fuerza de nuestro propio discurso al respecto quedó muy diluida y el espectador tiene que hacer su trabajo de seguir los hechos y después seguir pensando por las suyas. A pesar de que está claro que hay una posición de los directores y del equipo, la propia imposibilidad de cargar demasiado de argumentos la peli hizo que quedase más liberada y eso me parece que la beneficia.

El guión está basado en tu libro “La Prohibición: Un Siglo de Guerra a las Drogas”. ¿De qué manera desarrollaron el proceso de adaptación hacia el formato documental?

JM: Bueno, ahí, como en todo el resto de la realización, fue muy importante el rol de Martín, y también de Martín Armada, que es el jefe de redacción de THC y es el que lleva la voz en off. Un poco está en la respuesta anterior: hubo que armar un esqueleto con los hechos más importantes y luego confiar en el trabajo de archivo, de la imagen, porque nada sustituye a la imagen en el cine y más bien todo lo que no es imagen un poco hasta que perturba. En un plano de lo ideal casi que todo debería poder reducirse a la pura imagen, y creo que en ese sentido la adaptación está lograda, si ves la peli en mute la idea sigue estando ahí. No lo hagan, véanla con sonido, pero para que se entienda la idea de lo que, para mí, al menos, es en esencia una buena adaptación.

MR: Fue la parte más difícil para mí y la más atractiva desde el punto de vista del desafío que representaba. Creo que hicimos una buena tríada con Martín Armada y Juan Manuel en la síntesis de la historia y hay un enorme trabajo de archivo que coordinó Juan Manuel con Ana Bovino y Gabriela Haberle. Y a esa historia de la prohibición luego le sumamos la historia de Eric, que creo que además de cumplir una función dramática cinematográfica, en el sentido de contar una historia, es también una demostración de que la historia que estamos contando no es algo del pasado, sino que es algo que afecta a miles de personas día a día en la actualidad.

¿Cuánto tiempo les llevó la realización del documental?

MR: Si contamos desde la escritura del guión al estreno son cuatro años, claro que no fueron cuatro años de trabajo de ocho horas por día porque todos tenemos otros trabajos, así que fueron cuatro años con momentos de más trabajo que otros.

El rodaje de la película comenzó en 2016, justo al inicio del gobierno macrista, con todo el recrudecimiento del accionar represivo de las fuerzas de seguridad en relación con este tema, ¿qué fue lo que más les impactó durante estos años de rodaje?

MR: Macri hizo todo mal en este tema como en casi todos, así que eso no me sorprendió. Lo que sí creo que me impactó e hizo reflexionar fueron los contrastes que recorrimos con la película. El primero, sin dudas, entre Eric y sus verdugos, los policías que lo apresaron y con quienes nos reunimos. Dos universos tan distintos y cercanos físicamente, pero regidos por valores tan diferentes. Lo mismo de los contrastes lo sentí cuando cruzamos a Uruguay y vimos al estado apoyando a los cultivadores de allá, acá los persiguen y los encarcelan, allá son trabajadores en blanco con aportes, y todo. Allá es una industria legal más y es mucho más sana que muchas industrias legales de acá, como la del tabaco, el alcohol o las golosinas.

JM: En términos muy concretos hay secuencias con la policía antinarcóticos de Córdoba que fueron arduas para filmar y como no es el ámbito natural de uno, fue impactante ver cómo se entrenan locamente cada día, armas, patadas, toda clase de prácticas de irrupción, y claro, cuando les sueltan la correa tienen unas ganas de poner en acción toda esa violencia contenida… También fue impactante conversar con mucha gente sobre el tema y poder ver cómo funciona el tabú. Personas que consumen y uno sabe que consumen y pueden reproducir la lógica prohibicionista de una forma tan interiorizada, que niega su propia experiencia. Y en oposición un impacto positivo fue ver la experiencia uruguaya, que tiene todo un apartado en la peli, y el impacto fue ver que en realidad Montevideo sigue siendo la misma ciudad de siempre, que no hay ninguna alteración notable post legalización.

En relación al macrismo que preguntas, sin dudas fue un retroceso y se disparó la represión. La Guerra a las Drogas no es una ideología, es un entramado de intereses que tiene por centro, que pivotea sobre el aparato militar y securitario de los Estados Unidos. Entonces en un gobierno tan alineado con los Estados Unidos tiene entre sus tareas reforzar ese vínculo, y comprometer aún más a las fuerzas de seguridad, y ahí el decreto de Macri comprometiendo a las fuerzas armadas en la supuesta lucha contra el narcotráfico. Sin embargo, el prohibicionismo de baja intensidad, como el que puede tener un gobierno progresista, mantiene el orden que hace posible los posteriores picos y a mi juicio condiciona la soberanía.

¿Qué les gustaría generar en el público con esta película?

JM: Siempre que uno hace algo para los demás creo que busca alguna emoción, así que eso vale para Una Historia de la Prohibición. Que genere alguna emoción, dentro de eso se cuenta la reflexión, el rechazo, el placer. Y en un nivel más político que sirva para generar espacios de debate colectivo, esperemos que dentro de no demasiado tiempo podamos tener la experiencia de compartirla en espacios físicos también.

MR: Para mí el sólo hecho de haber hecho esta película con fondos del Estado es un éxito, porque abordamos el tema de las drogas de una forma honesta, seria y comprometida y la filmamos en plena era Macri que fue a contramano de todo lo que está bien sobre este tema, en mi modesta opinión, claro. Generar una reflexión basada en los hechos y en el respeto a las libertades individuales para mí ya sería un montón. Uno de mis sueños es que el Estado y la policía dejen de perseguir a los consumidores más vulnerables, la prohibición es clasista y todos lo sabemos. Si logramos ser un aporte en esa dirección voy a sentirme completamente realizado respecto a esta película.

¿Cómo ven la situación actual en Argentina en particular y en Latinoamérica en general, en relación a la llamada Guerra contra las Drogas?

MR: Bueno, tenemos realidades muy diferentes, desde la de Uruguay, el primer país del mundo en legalizar la marihuana para todos sus fines y hasta las de México y Colombia, los dos países del mundo donde la guerra a las drogas encuentra su peor versión. No me animo a predecir el futuro, pero pareciera que la tendencia general va hacia la regulación, sobre todo del Cannabis que ya cuenta con muchos experimentos positivos en ese sentido. Será un camino largo y que dependerá de muchos factores, en Uruguay por ejemplo la ley se logró por la movilización de las organizaciones civiles y los movimientos sociales. Luego en el nivel de la política internacional está la cuestión militar y económica, a nadie puede escapar que EEUU viene utilizando hace cien años la prohibición de drogas como excusa para tejer alianzas militares con los estados de todo el mundo, así que lamentablemente el futuro de la prohibición no se decidirá en torno a “qué es lo más sano para los pueblos”, como debería ser, sino que dependerá de la correlación de fuerzas entre EEUU y el resto del mundo y de la persistencia en la lucha de las organizaciones civiles y movimientos populares en la defensa de las libertades democráticas y los derechos humanos.

JM: Acuerdo con lo que dijo Martín y agregaría que en el peor de los escenarios dependerá más de la interna dentro de los Estados Unidos que de lo que pueda suceder en el orden de los países latinoamericanos. Hay que animarse, hay que ver qué sociedad queda pospandemia también. La política, entendida como la administración pública y sus funcionarios, tiende a ser conservadora, por eso como dice Martín tiene que haber algo por afuera que garantice y desborde, al menos en este tema.

Source

“Ricky Espinosa: el documental” recorre los pasos de la carrera del líder de Flema a través de testimonios de familiares, colegas y amigos, y busca rescatar su obra dejando de lado la figura de punk descontrolado.

Desde su muerte en 2002, la figura de Ricky Espinosa no dejó de estar presente; ya sea porque se publicó su biografía, porque algún periodista decidió recordarlo en un nuevo aniversario, o porque Flema volvió a los escenarios. Ahora, “Ricky Espinosa: el documental”, vuelve sobre él para rescatar su costado de compositor, artista y amigo.

El proyecto realizado por Juan Pablo Duarte, publicado en forma gratuita en Youtube, recorre casi en orden cronológico los inicios de Ricardo en la música, hasta su conversión en figura fundamental de la historia del punk y el rock nacional. Ricky entró a la banda como guitarrista y terminó poniéndole voz a siete discos de Flema. Pero como no le era suficiente, además editó dos discos con Flemita, y uno solista, que es -sin dudas- la obra en la que más se refleja. Artista prolífico, al momento de su muerte dejó proyectos discográficos sin terminar.

“El documental surge porque al pasar los años no vi nada que lo homenajee como Ricky se merecía. No sé si yo era la persona más indicada, pero me animé a hacerlo, todo de manera autogetionada y sin fines comerciales, sólo a modo de homenaje. Podría haber sido más profesional, pero conlleva mayores gastos económicos. Yo no fui amigo de Ricky, soy simplemente un admirador de su trabajo”, explicó Juan Pablo Duarte en diálogo con Marcha Noticias. El proyecto comenzó a principio de 2014 con la autorización de la familia Espinosa, “de no haber sido así no existiría”, afirma el autor.

Desde lo audiovisual el trabajo de Duarte presenta testimonios pegados por corte directo, fotos y viejos videos; no hay separadores ni otros elementos, la historia artística de Ricky avanza con las respuestas de los entrevistados. El valor que tiene el documental es, precisamente, algunos de los testimonios, en especial el de Orlando, el padre de Ricky. El relato presenta a un tipo salido de un barrio humilde de Gerli, que no tenía prejuicios para llevar adelante sus proyectos. Seguidor del heavy metal, encontró en el punk un lugar para expresarse libremente, aún cargando con los prejuicios de la misma escena: pasan las imágenes y Ricky sale maquillado, con pollera, con corte stone, teñido, siempre desafiante.

Los testimonios de sus excompañeros de banda, como Fernando Rossi (actual cantante de Flema), Diego Piazza (ex baterista de Flema), El Hongo (ex bajista de Flemita); compañeros de ruta como Mantu (cantante de Bulldog), Curly Curley (ex guitarrista de Sin Ley), y Chary (cantante de Loquero), dan cuenta de la génesis de cada uno de los proyectos de Ricky. Meche, la ex novia, destaca que él se involucraba en el arte de las tapas y los videos, y aporta una yapa: un video inédito del tema “Viejo y cansado” que grabaron con Ricky.  Orlando recuerda los cassettes que su hijo editaba, cómo distribuía en persona los discos. Era la autogestión como parte del proyecto artístico.

Quizás el tramo fallido del documental sea el que carga contra el libro “Ricky de Flema: el último punk”,  del periodista Sebastían Duarte (ninguna relación entre un Duarte y otro), porque según el director y los testimonios, presenta a un Ricky parcial, reflejando sólo su costado de descontrol de drogas y alcohol. Con un mensaje tan propio y claro, esos minutos se corren el eje. “Eso se fue dando. Charlando con los entrevistados algunos quisieron hacer su descargo respecto a ese libro, considerando que hasta el momento no habían tenido el espacio para hacerlo, en especial la familia Espinosa que no autorizó ese libro y lo considera desagradable. A diferencia de un libro, aquí cada entrevistado pone la cara, eso no hay cómo refutarlo”, explicó Duarte. Otro punto incómodo en el relato es la declaración de Fernando Rossi sobre mantener el recuerdo al seguir tocando, como intentando legitimar la vuelta de la banda sin su elemento esencial: el propio Ricky declara en video que “el 99 por ciento de las canciones” eran compuestas por él.

La figura de Orlando, el papá, aporta anécdotas y frases conmovedoras sobre Ricky como persona y su relación padre-hijo. Por ejemplo  -y dejo lo mejor para que lo vean-, recuerda que Omar Chabán llamaba para saber cómo estaba Ricky, y en una de las conversaciones convenció a Orlando para que vaya a ver un show de su hijo, porque nunca lo había hecho. Chabán les mandó un remis a los Espinosa. “A mi me gustó verlo”, dice Orlando.  También relata la discriminación que sufrieron por  parte de las casas velatorias cuando su hijo falleció, y cómo cambió su mirada sobre los punks.

Ricky Espinosa tiene elementos en su personalidad, en su obra, y en su muerte que lo hacen perfecto para convertirlo en mito, pero ese pasaje es difícil de cumplir porque era demasiado real como para convertirse en algo con sesgos de ideal. “Cada palabra que él cantó la vivió. Era un compositor de su propia realidad, no hubo nada de ficción en Ricky. Fue una persona muy honesta”, resume Julián Ibarrolaza, cantante de Embajada Boliviana. “Ricky Espinosa: el documental”, es una pieza importante para acercarse a una figura tan compleja. Una forma menos cruda de verlo para los que no lo conocían, otro costado para los que saben de su lado salvaje, y una invitación a las lagrimas para quienes vibraron con su insoportable voz y sufrimiento.

Source

Recientemente se ha publicado en este portal una nota que reivindica la película La educación Prohibida. Éste documental realiza una crítica a los sistemas educativos “iberoamericanos” (en principio creemos que este abordaje tan general es una primera dificultad del film) proponiendo una serie de experiencias pedagógicas como nacedoras de una transformación. Habiendo logrado un amplio alcance de audiencia a la hora de su estreno en youtube, la película trajo aparejadas variadas críticas por su simplismo argumentativo.

Fue ante estas críticas que el director elaboró un  descargo, donde sostenía que la película es “tan solo una parte de una discusión que no es acabada”, que existen “educadores como acompañantes de los procesos de desarrollo y aprendizaje de un otro, educadores que hoy podemos encontrar tanto dentro como fuera de la escuela convencional” y que “La Educación Prohibida” plantea una búsqueda de una educación pública y gratuita, pero a su vez libre de las directivas del Mercado o del Estado, una educación hecha por y para la comunidad.”

En el film se puede observar una crítica no tan nueva hacia las corrientes bancarias de la educación, la homogeneización y violencia simbólicas que ha ejercido la escuela positivista clásica. Se retoman las ideas  de la escuela nueva donde la visión está centrada en el sujeto, sus intereses  y sus experiencias. Se cuestiona con acierto la catalogación de los estudiantes en una cierta escala de valores a través de las evaluaciones, una planificación de los contenidos de las materias ajeno a los intereses de los estudiantes, excesiva exposición; en suma, dinámicas donde los estudiantes no logran poner en conflicto sus conocimientos para construir nuevos saberes de manera colectiva.

Ahora bien, el enfoque escolanovista en el cual se basa la película desconoce el desarrollo posterior de las discusiones en educación en el continente, donde la educación popular ha puesto en el centro de la escena la politicidad del hecho educativo. Pugnar por el objetivo de una educación para la libertad (como enuncia la película), escindiéndola de una educación políticamente contextualizada en función de la organización y la lucha por la igualdad  es alimento para la hipocresía del discurso neoliberal en educación en el que prima, aunque el director quiera desconocerlo, una lógica de mercado.

Nosotros coincidimos con Pineau cuando, en La educación es un derecho, critica a aquellos que conciben a “la mejor educación como aquella que les enseña a los alumnos lo que ellos -de antemano- quieren aprender. A nuestro entender, estas posiciones son mezquinas porque se corren de la función de abrir el mundo a las nuevas generaciones que implica todo acto educativo, y que por tal dificultan el ejercicio de ciertos derechos. En una posición que acerca peligrosamente la educación al marketing y al gerenciamiento empresarial, y convierte a los alumnos y la comunidad en consumidores inteligentes que saben todo lo que necesitan, por lo que concurren al mercado educativo a saciar demandas previas incuestionables, a cuya satisfacción debe limitarse el acto educativo.

Consideramos de suma importancia sostener una mirada crítica de las prácticas educativas. Las preguntas acerca de estos temas son fundamentales para evitar caer en una defensa conservadora del sistema existente. Pero la película en cuestión propone una serie de simplificaciones que no ayudan, sino obstaculizan, el pensar la lucha política por la transformación de la educación. Se muestra a las escuelas públicas como espacios monolíticos donde los sujetos, docentes y estudiantes pasivos, serían moldeados a discreción por un estado autoritario.

En las escuelas públicas hay maestros y maestras que día a día trabajan ayudando a los niños y niñas a reconstruir sus identidades en contra de la violencia que los rodea, a fortalecer sus derechos, a aprender más allá de los obstáculos que las injusticias sociales y la exclusión les imponen. Maestros que siguen el ejemplo comprometido de Carlos Fuentealba. De estos maestros no habla La educación prohibida. A todos ellos los desconoce porque su eje está corrido de la función política de la educación y del contexto económico y social dentro del cual debe darse la transformación. Estos maestros saben que todos pueden aprender y para ello muestran que es posible y necesario  reconstruir la escuela como un espacio de confianza, de organización comunitaria, de defensa de derechos, mientras cada pibe se alfabetiza, juega, conoce el mundo y adquiere herramientas para enfrentarse a una realidad que es hostil. Frente a estas tareas la educación “alternativa” que muestra la película parece no tener ni pregunta ni respuesta alguna.

En el continente existen además experiencias paridas desde los movimientos sociales, que nacen en función de la organización popular retomando el legado de las perspectivas de la educación popular nacida en los años ´70, como los jardines, Bachilleratos y primarias populares en la Argentina, o las escuelas del MST en Brasil. El pueblo organizado construye sus propias instituciones educativas, muchas de ellas las considera públicas y dialoga con el estado como responsable de garantizar derechos vulnerados. No lo desconoce como lo hace la película porque entiende que el Estado y sus instituciones son herramientas de disputa en función de lograr pasos de avance en el camino por una educación emancipatoria, publica y popular.

Ojalá las críticas que se han venido expandiendo sirvan para que este u otro documentalista hunda los pies en el barro y pueda dar cuenta de esta diversidad de experiencias que nacen desde los trabajadores de la educación pública y el pueblo organizado.

*Integrante de la Corriente docente estudiantil Darío Santillán.

Compartimos aquí otras miradas críticas sobre el documental para ampliar el debate:

http://www.rebelion.org/noticia.php?id=155031

http://nexos.cippec.org/Main.php?do=blogView&id=170

http://www.ctera.org.ar/index.php/educacion/item/1025-cr%C3%ADtica-de-%E2%80%9Cla-educaci%C3%B3n-prohibida%E2%80%9D-por-susana-di-pietro/1025-cr%C3%ADtica-de-%E2%80%9Cla-educaci%C3%B3n-prohibida%E2%80%9D-por-susana-di-pietro

Nota Relacionada:

La educación prohibida, la lucha por una enseñanza basada en la libertad

Source