Por Ignacio Marchini | Foto: Rodaje “Sueños”

¿Con qué sueña una persona que vive en la calle? ¿Sueña siquiera? Puede parecer una pregunta insensible pero, ¿quién no se ha acostumbrado a ignorar, en el trajín de la ciudad, a ese bulto en la vereda, ese sujeto que solo logra romper el maleficio de la indiferencia, en el mejor de los casos, mediante la palabra que convoca a mirar a la cara?

Ese universo ignorado está compuesto, en la Capital Federal, por más de 2500 habitantes, según las últimas cifras oficiales (y, por lo tanto, incompletas) del censo de personas en situación de calle del año 2021, llevado adelante por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

La inquietud sobre el mundo onírico de las personas en situación de calle guió el trabajo de Marcos Martínez, director de la película Sueños, que se estrena hoy jueves 27 de enero en el Cine Gaumont, a las 19.30 horas, y en la plataforma Cine.ar Play. Con la pregunta “¿Sobre qué soñas?”, Martínez armó un “relato coral”, como el mismo define al filme, con las historias de vida, frustraciones y añoranzas de personas sin techo. Marcha dialogó con el realizador audiovisual.

¿Cómo te interesaste en este tema y por qué decidiste encararlo desde el lado de lo onírico?

Me había quedado rebotando una nota que leí sobre la vida en las cárceles, en la que una persona presa decía, medio como “máxima carcelaria”, que nunca despiertes a un preso cuando está durmiendo porque es el único momento en que está libre. Esa idea del sueño como un espacio sagrado, como un lugar de fuga, me quedó grabada. Me empecé a preguntar sobre la pérdida de la privacidad particularmente, más allá de que todas las personas en esa situación tienen todos los derechos básicos vulnerados. Me pregunté si lograban soñar mientras dormían.

Con esa premisa como punto de partida, todavía sin saber si iba a haber una película, me contacté con algunas personas y organismos que laburan todos los días con personas en situación de calle. Me encontré con algunas cosas que imaginaba y otras que fueron una sorpresa. Por supuesto, es muy difícil y muy buscado el sueño en la calle. Y en relación a lo que soñaban, se mezclaba mucho la realidad con la fantasía, con fantasmas del pasado, con deseos por cumplir. Sentí que había una verdad importante, que eran como sueños documentales, una manera de entender lo que viven y sienten, una intimidad más profunda que la que se puede alcanzar en una entrevista clásica.

La idea de la película siempre fue que sea coral, con muchos protagonistas, distintas edades, diferentes historias. También hacer foco en lo que es la ciudad, su lado B. Dónde esconden sus cosas o frazadas, dónde se bañan, su día a día, cómo subsisten.

Son recurrentes en sus relatos los vínculos perdidos y la violencia. ¿Vos viste un hilo conductor en sus sueños?

Sí, tal cual. Me parece a mí que el principal tema es la ausencia de los vínculos, su pérdida. Sean familiares o amorosos, eso estaba muy presente y tiene que ver mucho con la vida en la calle. La mayoría tenía de trasfondo obviamente problemas económicos, de trabajo, pero también es importante que se llega a estar en la calle porque hubo pérdidas de los vínculos de contención. Se vuelve algo muy añorado: ese padre que se extraña, esa novia ausente. Siempre con la esperanza de que eso se reconstruya.

Y el otro tema recurrente claramente es la violencia. Es una constante en la calle, desde la más invisible como la mirada con desprecio, discriminatoria, hasta la violencia física que puede ser la policía, un vecino sacado, peleas con otras personas en situación de calle por una frazada, ese tipo de cosas. Cuando se van a dormir es un momento de mucha tensión por el miedo a que te pase algo, porque te roben tus cosas. Por eso muchos duermen de día porque sienten que hay más movimiento.

¿Qué buscabas con la realización de esta película?

La película trata de visibilizar para humanizar, para interpelarnos. Uno en general sale a la calle y tiene tan asimilado que hay gente durmiendo ahí, la tiene tan incorporada la indiferencia que es casi como si fueran mobiliario. Esto pasa en esta ciudad y en un montón más y uno espera que haya políticas para revertir esto pero pasa el tiempo y no sucede. Pasó la pandemia de por medio que fue muy dura, porque algunos de los protagonistas, cuando empezamos a contactarlos de vuelta, habían fallecido o no los encontramos. Fue una película muy fuerte para hacer, te toca una fibra.

Con el aislamiento, varios se contactaron con algún familiar así viviera en otras provincias, porque pensá que la ciudad de golpe quedó semivacía y las personas en situación de calle subsisten del movimiento: de los cartones que tira una empresa, de un bar que les da un plato de comida, de alguien que pasa y los ayuda. Entonces, para muchos fue desesperante y tuvieron que encontrar nuevas maneras de subsistir. Esto de “quedate en casa” para ellos era ridículo, era quedate en el mismo lugar, en la calle. Un mundo muy distinto, en una pandemia donde la higiene era fundamental y no podían acceder a ella.

Más allá de cualquier política social o laboral, que son necesarias, hay que reconstruir esos vínculos, esas redes de contención que tenía cada persona que quedó en la calle. Las medidas siempre van a fallar si no se escucha lo que están diciendo, lo que desean. Eso es un poco lo que trata de hacer la película: escucharlos.

Tráiler

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Por Vivian Palmbaum

El protagonista ya no está entre nosotrxs, el doctor Andres Carrasco,  un científico reconocido por sus investigaciones en embriología molecular, con una larga trayectoria que lo llevó a trabajar en distintos países.

¿Por qué uno hace lo que hace? Es quizás una de las preguntas que se desprenden del documental.  ¿Por qué un científico con reconocimiento internacional, una carrera prominente decide volver a su tierra natal y trabajar con los límites que tienen las investigaciones científicas en nuestros países?

Valeria Tucci, directora de la película, nos cuenta cómo nace el documental:    “estaba preparando un proyecto que sobre la industria alimenticia y me topé con el estudio de Carrasco, empecé a conocer de él, empecé a ir a encuentros de pueblos fumigados, a meterme mucho con la temática y empezó a gustarme mucho como figura y entendí que ahí había toda una película”.

Militar la vida

Que las silobolsas son más valiosas que las vidas parece haber quedado claro con el modelo productivo y Andres Carrasco se atrevió a ponerlo en palabras. Nadie, y menos aún desde el campo de la ciencia, se animó a exhibir una de las verdades que se esconde detrás del modelo de producción agroindustrial que mata. Carrasco salió del laboratorio para ver los efectos de sus investigaciones y denunciarlas.

“El glifosato en pequeñas dosis produce malformaciones en anfibios igual en las personas”, un descubrimiento que aún no estaba publicado, pero que se animó a develar por las graves implicaciones en la vida. Diferentes testimonios dan cuenta de las implicaciones de su compromiso de vida,  sufrió persecuciones, amenazas y hasta haber sido separado de la dirección del Conicet por su atrevimiento.

Andrés Carrasco recuperó una palabra que parecía en el olvido de la ciencia: ética. “Puso en discusión el sentido de la ciencia”, es una buena frase que condensa algunas de los testimonios del documental y pone en evidencia que la ciencia no es neutra, sino que responde a poderosos intereses. No hay ciencia sin humanidad, así lo entendió Carrasco que cuando descubrió los efectos que producía en las personas se fue a hablar  con quienes sufrían las consecuencias.

Uno de los tristes e inevitables testimonios del documental fue el de Fabián Tomassi “yo soy la sombra del éxito de este modelo”, una verdad que enuncia el horror que vivió en su cuerpo. Este trabajador rural que hacía fumigaciones, hoy ya está muerto por sus efectos. Distintas voces y presencias le ponen palabras al documental. Sus hijxs también dieron un tierno testimonio del compromiso de su padre y de un modo de enfrentar la propia vida. Casi como una paradoja del destino el cáncer también lo alcanzó.

El nombre Andres Carrasco, ciencia disruptiva, ya nos da una idea de lo que veremos en la pantalla. La película ya tuvo una proyección especial por el Día de los Derechos Humanos en el Centro Cultural Haroldo Conti, en la ex Esma. Además estuvo rodando por distintos festivales del cine documental y medio ambiental como en Bélgica, en el festival de cine documental BIFED, en el festival de cine del medio ambiente, SUNCINE en  Barcelona, en el Terra di Tutti en Italia, entre otros escenarios.

Se estrena este jueves 6 de febrero a las 20 hs. en el  Cine Gaumont Espacio INCAA Km0

Ficha técnica

Guion y Dirección: Valeria Tucci

Productores: Aníbal “Corcho” Garisto y Valeria Tucci

Productora Ejecutiva: Gabriela Franchini

Dirección de Fotografía: Santiago Canepa

Montaje: Valeria Tucci y Santiago Canepa

Cámara: Tobías Tosco y Santiago Canepa

Postproducción de sonido: Luciana Foglio

Casa productora: LumenCine

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Mirá el trailer 

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Por Ana Paula Marangoni | Foto: La Retaguardia

El documental comienza con la imagen de la Avenida General Paz, a la altura de la bajada de Emilio Castro. En ese punto, la avenida divide los barrios de Liniers y Mataderos, en Capital Federal, con Lomas del Mirador, en el partido de La Matanza. La cámara nos hace contemplar en un espacio estrecho (como si estuviéramos ahí, en ese paso de alta velocidad que no tiene cruces) el paso fugaz de los autos. La vista no logra focalizarse. Los vehículos parecen meteoritos sobre el cemento que cuando creímos ver, ya fueron reemplazados por otros.

Para quienes no conocen el lugar ni la historia de Luciano, esa imagen vertiginosa de autos a toda velocidad narra lo que fueron sus últimos momentos. Los policías lo llevaron a ese lugar, en la madrugada del primero de febrero de 2009, y lo obligaron a cruzar esa misma avenida, en ese tramo sin cruce alguno, contra su vida, contra su esperanza, contra los instintos de cualquier ser humano.

Pero todo eso se supo cinco años y ocho meses después, un 17 de octubre de 2014, cuando a partir de un cotejamiento de huellas se descubrió que Luciano había sido enterrado como NN en el cementerio de la Chacarita.

Por eso, el documental que recupera registros de Familiares y Amigos de Luciano Arruga, lleva el título de una pregunta que obligadamente debió transformarse, desde “¿Dónde está mi hermano?” hasta el título actual. De algún modo, el film acompaña el recorrido que fueron haciendo Familiares y Amigos de Luciano Arruga, antes y después de ese momento bisagra en que Luciano dejó de ser un desaparecido en democracia pero se hicieron más contundentes la crueldad e impunidad policial.

La película nos acerca a Luciano, a las calles de su barrio en Lomas del Mirador, a su mamá Moni y a su hermana Vanesa. Nos ayuda a dimensionar la lucha por la justicia que pudieron sostener colectivamente a lo largo de tantos años. Emociona y conmueve el registro de Vanesa haciéndole frente a fiscales y jueces, cuando la acompañaban apenas algunxs amigxs y organismos locales de DD.HH., como la Asamblea Permanente por los Derechos Humanos (APDH), exigiéndoles que hicieran algo por la causa. Conmueve todavía más ver a la mamá y a la hermana de Luciano declarando delante del oficial Julio Diego Torales, principal sospechoso del secuestro, tortura, asesinato y desaparición de Luciano.

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Ese camino incansable implicó logros colectivos impensados por parte de Familiares y Amigos de Luciano Arruga. Uno de ellos es la expropiación del ex destacamento donde detuvieron a Luciano y a otros pibes del barrio, y la transformación de ese lugar en un espacio de vida. Ahí, donde lo tuvieron detenido ilegalmente, donde lo golpearon, donde estuvo por última vez antes de ser asesinado, hoy hay una biblioteca con un mural de Julio López, se dan talleres, abren ese espacio para que los pibes de los barrios 12 de Octubre y Santos Vega tengan un lugar de contención.

El documental nos cuenta también algo sobre la indiferencia de vecinas y vecinos de Lomas del Mirador (un barrio de chalecitos donde los pibes de 12 de Octubre y la Santos Vega son la representación del chorro, del falopero, del pibe que la gente de clase media y alta quiere sacarse de encima); indiferencia que hizo posible la instalación del destacamento, con la falsa promesa de traer seguridad al barrio. La recuperación del destacamento implicó lidiar con el prejuicio de las y los vecinos de la zona.

Actualmente, desde hace 11 años, todos los 31 de enero se realizan marchas o festivales por Luciano Arruga, con una convocatoria desbordante y con la presencia de familiares de víctimas de Gatillo Fácil de todo el país. Continuarán los encuentros, los abrazos, las lágrimas y esa fuerza que se saca de donde ya no se tiene cuando la lucha es colectiva.

Mientras tanto, la película, que se proyectó en el BAFICI de este año y obtuvo distintos galardones, podrá ser vista en salas de cine próximamente.

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El realizador audiovisual Néstor Saracho dialogó con Marcha acerca de un nuevo proyecto llamando “Recuerdocs”, una serie de cortos basados en videocartas de intercambio entre Conurdocs (Argentina) y Caosgermen (Chile). La primera parte, nombrada por su autor como Hasta que las mariposas y los entrenadores de burbujas se encuentren, toca realidades sociales y políticas en clave de poesía. 

Imágenes del Sur argentino, la foto de Santiago Maldonado, juegos con sobras, las pantallas fuera del cine y manifestándose en la calle con cientos de personas, las mariposas naranjas, esas que participan de las manifestaciones, y la base de donde todo parte: la infancia. De todo esto habla Hasta que las mariposas y los entrenadores de burbujas se encuentren, primer corto surgido de las videocartas compartida entre Conurdocs y Caosgermen, resultado de este intercambio que plantea el diálogo audiovisual entre ambos colectivos.

Todo comenzó en 2017 con un intercambio de videocartas y un encuentro entre Néstor e integrantes de Caosgermen en Chile. A partir de ese momento decidieron que nada de eso quede en el olvido, ni las cartas ni las realidades que allí se contaban. “Filmar es herir de muerte a un olvido”, afirmó Saracho al explicar el sentido de las artes audiovisuales. “Creo que transmitir nuestras ideas a través de imágenes y sonidos es una batalla, una posición frente al olvido. Entonces, ¿cómo hacemos para recordar que a veces se nos intentan olvidar cuestiones personales, sociales o políticas? Elegir que quede un testimonio sobre una posición es un acto de justicia”, sentencia.

Si bien en este momento ya se está pensando en la segunda parte del intercambio, Saracho destacó que desde lo personal y desde el principio, la idea fue contar desde un modo no tradicional, sin arrancar por el “qué, quién, cómo, cuándo y dónde”, sino pensando en “sumergir al posible espectador o espectadora en esa atmósfera” que el realizador intenta crear. Esta lógica seguirá vigente en el resto de los cortometrajes, generando la armonía justa para el material final que, aunque todavía no tiene formato definido, sí tiene entre sus planes ser proyectado en simultáneo a ambos lados de la cordillera, en lo que llamarán “Recuerdocs”.

Si hay algo que se muestra como una constante en la filmografía de Saracho, eso es la poesía, la necesidad de contar dolencias sociales, de dejarlas registradas a través de imágenes y sonidos que interpelen al espectador o a la espectadora no solo desde la vista o desde los oídos, sino un poco más allá, desde los sentimientos, desde la idea de sensibilizar a quien observa desde afuera para crear conciencia allí, donde quizá no haya interés por cuestiones sociales que afectan a una parte de la población, donde quizá no haya conocimiento de algunas problemáticas. En ese sentido, el arte aporta a la idea del “no olvido”, a la del recuerdo y a la de los actos de justicia que al mismo tiempo representan una caricia al alma.

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A propósito del documental “Toda esta sangre en el Monte”, de Martín Céspedes. Esta película es un viaje hacia el interior de la vida campesina para sentir los motivos de una muerte violenta, las alternativas de un juicio con suspenso, y la naturaleza de una fuerza vital que no se rinde. Desde que el agronegocio hizo foco en el monte, los territorios rurales se tornaron un escenario minado de tensiones. 

Hace casi un siglo atrás, en las páginas de la revista Amauta -dirigida por el joven José Carlos Mariátegui-, la pionera en crítica de cine María Wiesse reflexionaba acerca de la dialéctica entre la imagen y la palabra: “El ritmo precipitado, y quizás un poco inarmónico, de la vida moderna, concuerda perfectamente con el ritmo intenso y nervioso del cinema. Esta época es la época de la imagen, que triunfa sobre la palabra. Más que un diálogo nos emociona y nos seduce una actitud, una expresión, un gesto o una mirada”, escribía en diciembre de 1926. Ríos de tinta han corrido desde ese entonces, en torno a este dilema centrado en la tensión y complementariedad entre ambas dimensiones en términos estéticos.

Una de las grandes virtudes de Toda esta sangre en el Monte es, precisamente, su capacidad de cautivar tanto desde la imagen como a partir de la palabra, aunque sin apelar a representaciones sensibleras ni a la victimización de sus protagonistas, y omitiendo la trillada voz en off o las placas para orientar el sentido del audiovisual. Tal vez como desafío a aquel ritmo precipitado que supo inaugurar el cine con su artificialidad técnica que trastoca nuestra percepción, la película decide poner el foco en el Monte y en la belleza de una naturaleza que nos ofrenda sus contornos, tonalidades y múltiples sonidos, componiendo una temporalidad estacional que cuestiona las manecillas del reloj y la velocidad extrema de las grandes ciudades, activando el “inconsciente óptico” tan atrofiado por el cemento, la contaminación y la urbanidad capitalista. Esta particularidad se ve reforzada con la apelación recurrente que Céspedes hace a la puesta del sol y a las variaciones de un cielo siempre imponente, que en cada cierre de pliego visual nos maravilla e interpela.

La sangre en el Monte se nos presenta como violencia en carne viva y sin mediación alguna: se impregna en las manos campesinas al acompañar el parto de un cabrito, pero también al degollar lo que luego deviene alimento familiar. Es sangre que salpica el hocico de los perros, lamida por ellos en la tierra, y que nutre también a gallinas picoteando el suelo. Vida y muerte se combinan en estos parajes desde un linaje común. Sangre que no se muestra, pero se intuye en el juicio que sienta en el banquillo de los acusados a sicarios y empresarios asesinos de Cristian Ferreyra, integrante del MOCASE. Sangre que late en las venas de brazos campesinos, que sacuden sin cesar un árbol añejo a hachazo limpio, hasta hacerlo sangrar. Sangre-miel que despunta de un panal de abejas que es defendido por el enjambre, tanto como el metro de tierra por quien deglute el néctar, mientras reflexiona acerca de este momento sublime que ofrece el entorno rural.

Desde el título mismo, la película denota una toma de partido y una denuncia, a pesar de lo cual no hay bajada de línea ni entrevistas guionadas que induzcan al espectador. La única pedagogía que se deja traslucir es la que ejercita el MOCASE en su vida cotidiana, sin grandes académicos ni educadoras con delantal: aquella que se vivencia y resignifica en la cría de cabritos, en la paciente cosecha del suelo sin agrotóxicos y en la búsqueda de aves escopeta en mano, la que circula en las rondas de mate y en la asamblea realizada debajo de un tinglado o a cielo abierto, la que se aprende y convida de manera colectiva en las movilizaciones, flameando whipalas para exigir justicia por Cristian al grito de “¡Ni un metro más!”. Una verdadera pedagogía de la tierra que sabe que es preciso convencer, para lograr vencer. Es toda esta sangre en el Monte, exuberancia y diversidad de sentidos en la disputa por la tierra, y a la vez toda esta sangre, porque siempre somos las y los de abajo quienes ponemos los muertos en cada conflicto.

El documental retrata la simultaneidad de realidades y tiempos que se contrastan: la de un poder judicial tan precario e improvisado en su estructura mobiliaria como insensible al clamor de las clases populares, y la de comunidades campesinas que enfrentan al desarraigo poniendo el cuerpo, la cabeza y el corazón en una lucha profundamente desigual. Estos actores que libran una relación de fuerzas tan asimétrica, quedan “fuera del encuadre” de las películas de ficción, que tienden a acontecer casi sin excepciones en locaciones urbanas, donde si aparece, la violencia social y política es atravesada más por motivaciones psicológicas o amorosas que sistémicas. Y si bien el cine documentalista argentino y latinoamericano ha abordado en mayor medida este tipo de conflictividades, suele predominar en él una mirada empática y de idealización de los procesos de resistencia campesinos e indígenas, que restan complejidad al análisis y obturan la reflexión crítica en torno a las dinámicas contradictorias que los condicionan.

El decidir colocar al “campo” profundo dentro del campo visual y sonoro (si cabe el juego de palabras), resulta un excelente disparador para debatir y problematizar las transformaciones que se vivieron durante todos estos años en los ámbitos rurales. ¿Quiénes fueron los verdaderos ganadores y quiénes los que perdieron? ¿En qué medida sufrieron una invisibilización las múltiples formas de violencia inherentes al modelo de los agronegocios, a partir de la bonanza relativa y transitoria extraída precisamente del excedente generado en esos territorios? ¿Hasta qué punto esa inyección dineraria que abonó a un consumo acrítico, no operó adormeciendo la sensibilidad en las grandes ciudades, configurando un silencio cómplice frente a estos atropellos distantes geográficamente? ¿No hay, acaso, una especie de daltonismo constitutivo de la mirada citadina, que impide ponderar a estos asesinatos de manera análoga al de otros caídos en la lucha popular?

Más allá de las posibles respuestas y de una polémica que queda abierta, el documental deja en evidencia que el extractivismo no respeta ni siquiera a quien lo gestiona, y deglute comunidades enteras y cosmovisiones de largo aliento en pos de consolidarse hasta en el último rincón donde puedan germinar esos brotes verdes que, por paradójico que parezca, son la maldición de la abundancia para quienes pretenden defender un modo de vida antagónico al del monocultivo de la soja transgénica.

En tiempos de ajuste y creciente criminalización de la protesta, la película de Martín Céspedes se adentra en el Monte santiagueño cámara en mano, para desmenuzar la compleja y ardua trama que se teje, desde abajo y a pulmón, en la digna lucha en defensa de la tierra y contra el despojo. La pantalla es al mismo tiempo un espejo donde mirarnos y confrontar la supuesta “bonanza” del extractivismo en las megalópolis, desde su contracara necesaria en los territorios rurales, sin romantizar la resistencia campesina e indígena, pero tampoco negar la potencia plebeya de lo popular-comunitario, que nos incita a con-movernos a partir de lo sentí-pensante.

Si buena parte del documental es un duelo entre la imagen y la palabra, el cierre del film, con la fuerza telúrica de la “Deo” -militante campesina que, a pesar de la adversidad del poder judicial y represivo del Estado, arenga a sus compas a grito pelado para no bajar la guardia y redoblar la lucha, en un escenario circular donde la carga dramática alcanza su máxima expresión-, parece definir la partida no por uno de aquellos polos en tensión, sino por su abigarrada y cautivante conjunción.

En su imprescindible libro Zapata y la revolución mexicana, John Womack inicia su obra con una provocativa frase, que bien puede ser la puntada para enhebrar el doble relato que, a cara y cruz, se hilvana en Toda esta sangre en el Monte: “esta es la historia de unos campesinos que no querían cambiar y que, por eso mismo, hicieron una revolución”. Luego de ver la película, no quedan dudas de que -a su modo- las y los integrantes del MOCASE también la están haciendo.

Trailer

PRÓXIMO ESTRENO
Rosario – Cine El Cairo – Unicas funciones 16 y 18 de Agosto, 20:30hs

EN CARTELERA
CABA – Cine Gaumont – Todos los días 15hs y 20hs
La Plata – Cine Select – Todos los dias 19:30hs

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Hoy se estrena en el Cine Gaumont “Sacar la voz: trabajadoras de prensa en tiempos de ajuste”, documental de Mariela Bernardez y Lorena Tapia Garzón que a través de historias de tres mujeres cuenta las realidades de todas las mujeres que desarrollan tareas en ese ámbito. Ante la precarización, el machismo y la desigualdad de oportunidades, la única salida es la organización.

Tres historias: la de Gimena Fuertes (Tiempo Argentino), Natalia Vinelli (Barricada TV) y Silvia Martínez Cassina (delegada de Canal 13, la primera). A partir de ellas, la periodista e integrante del Colectivo de Trabajadores de Prensa de Buenos Aires Lorena Tapia Garzón y la integrante del grupo Revbeladas Cine, Mariela Bernardez, representaron en imágenes y diálogos el panorama general que viven las mujeres que hoy forman parte de medios de comunicación.

“Este documental está acompañado por un trabajo de investigación, un relevamiento que hicimos en casi todos los medios, sobre todo en los más grandes para ver cuál es verdaderamente la representación de las mujeres. Nos encontramos con lo que ya sabemos pero quedó plasmado en números para que incluso los propios compañeros se den cuenta”, indicó Lorena, quien además destacó que muchos integrantes de esos medios se sorprendieron al ver los números reales.

Sacar la voz llama a la reflexión acerca de qué roles ocupan las mujeres, cuáles se le asignan y en cuáles ni se las contempla, pero habla también de la transformación de todos estos problemas vinculados a la naturalización de distintos tipos de violencias en luchas, en la necesidad de que la perspectiva de géneros dentro del ámbito laboral y en las producciones periodísticas sea transversal, esté en todas las secciones, con todos los trabajadores y trabajadoras involucradas, tanto de medios hegemónicos como de los populares, alterativos y autogestivos.

Antes del estreno de esta tarde, las directoras del documental dialogaron con Marcha acerca de esta experiencia basada en la historia de tres y de todas, incluso de ellas, que mientras investigaban vivieron en carne propia la precarización, los despidos  y los derechos vulnerados.

¿En qué contexto comenzaron a idear el documental?

Mariela Bernardez: -El documental es la resultante de una experiencia colectiva, de una búsqueda que excede lo estrictamente narrativo o creativo. Hablamos del proceso social que protagonizan las mujeres, lesbianas y trans que tal como tiene su expresión en las calles en cada movilización multitudinaria del movimiento Ni Una Menos y en los poderosos Encuentros Nacionales de Mujeres,  también expresa su potencia al interior de las asambleas, en los espacios de trabajo, en los sindicatos y en las casas. “Sacar la voz” aborda historias de emergencia y consolidación de mujeres en posiciones de decisión y representatividad y esto sucede, también, en respuesta a un contexto crítico en lo laboral, especialmente en prensa, donde el impacto en los medios de comunicación ha sido devastador, con cierre y  pérdida de puestos laborales, creciente precarización y multifunción.

La presencia y aporte de estas compañeras en las luchas sindicales y en los debates al interior de los medios, habla de algo más general, que existe más allá de ellas y que es la condición que las habilita y potencia. Se trata de la consolidación de redes que procuran las mujeres trabajadoras para diseñar estrategias de cuidado mutuo y de resguardo de derechos y oportunidades, de la búsqueda de las activistas por forjar una agenda sindical y un programa de acción que no sea ciego a las desigualdades de género, que sepa de las condiciones diferenciales de acceso y permanencia en el mundo laboral que para el caso de las mujeres como colectivo social se ve plagada de obstáculos y requerimientos solo asociados a su condición de sexo-género.  Programas y estrategias que idean las mujeres para atravesar un momento de marcada crisis laboral mientras no dejan –no dejamos- de demandarle e interpelar al Estado por el impacto concreto que tiene en la vida y trabajo de las mujeres, sus políticas de ajuste y retracción tras ya casi dos años de su asunción.

Por eso, esta historia es una expresión de ese fortalecimiento transversal del colectivo de mujeres, lesbianas y trans, de la decisión de traspasar las fronteras de lo establecido por el status quo patriarcal y su régimen de reparto desigual de la “palabra legitimada o autorizada”, hacer presente y audible la voz de las trabajadoras dentro de las redacciones y en  las asambleas también.

Las acciones más populosas, transversales desde la diversidad y conmovedoras por su nivel de movilización han sido empujadas por la tenacidad de delegadas, mujeres trabajadoras de la economía formal e informal, activistas feministas, militantes del colectivo LGBTIQ, migrantes, campesinas, “amas de casa”, estudiantes y profesoras. Si eso no es una interpelación directa al Estado y al sindicalismo argentino todo, pues entonces se están quedando abajo del tren de la historia, o mirando otra película.

Hoy las calles hablan y testimonian esta potencia movilizada que crece inexorablemente desde el pie.

Lorena Tapia: -Surge el año pasado. Las dos estábamos haciendo un posgrado, un programa de actualización en género y sexualidades, en la UBA. Era un curso gratuito y estaba financiado por la Defensoría del público se venía haciendo desde hacía cuatro años pero este año dejó de hacerse supuestamente por el recorte presupuestario que hubo en materia de comunicación y políticas de género desde el Estado. Las dos empezamos ese programa en un contexto en el que nos habíamos quedado las dos sin trabajo. Este documental tiene una fuerte autoreferencia, con Mariela ya nos conocíamos, nos encontramos en ese posgrado. El trabajo final tenía que ser algo relacionado con la temática de género en un formato comunicacional. Mariela es documentalista y era trabajadora precarizada a través de una productora tercerizada que hacía contenidos para Canal Encuentro y yo era redactora de El Argentino Zona Norte, un diario gratuito que pertenecía al Grupo 23. Arrancamos el año y fuimos víctimas de ese fuerte ajuste. En ese contexto surge esta idea.

Decidimos retratar ese contexto a través de la mirada de las mujeres trabajadoras de prensa porque empezamos a darnos cuenta de que en ese contexto había cada vez más compañeras poniendo el cuerpo y la voz en la lucha gremial. Veníamos en el contexto del año anterior, 2015, que había sido el primer Ni Una Menos, que fue un quiebre importante en las luchas y reivindicaciones que ya existían desde mucho antes del movimiento feminista, generó un quiebre importante por su masividad. Para empezarnos a reconocer en ese lugar de que las mujeres históricamente estuvimos en desigualdad con los varones, al igual que otras identidades de género.  En ese contexto pensamos que sobre eso había algo que decir, porque se habla mucho del gremio de prensa, siempre son los compañeros varones los que hablan, pero están pasando otras cosas, hay compañeras que están participando cada vez más.

Si bien el documental habla de todas las mujeres en medios de comunicación y sus roles, se centran en tres historias, ¿por qué ellas?

MB: -En momentos “de crisis” son las mujeres las primeras en pagar los costos de ésta con su fuente de trabajo, con su modalidad de contratación, con ensanchamiento de la brecha salarial y desjerarquización de sus tareas, en definitiva, con más precarización del trabajo y de la vida. La elección de tres historias, dentro de las muchas otras posibles, de comunicadoras del sector de medios comercial y de los populares, cooperativos y comunitarios buscó expresar en ellas la trama general que atraviesan las trabajadoras y los efectos que tienen las medidas de ajuste particularmente sobre las mujeres en el sector formal e informal de la economía.

Tres compañeras, del sector de medios comercial y también del cooperativo, comunitario y popular. Gimena Fuertes, Silvia Martínez Cassina y Natalia Vinelli, en ellas buscamos narrar las historias de muchas más. En su voz se proyecta el grito de todas las demás. Su historia de emergencia y consolidación dentro de los medios que integran es la expresión más clara de debates y luchas que permean cada espacio en el camino de la “despatriarcalización”.

No son historias aisladas, en ellas y en los pasos que dan hay un camino recorrido, consciente o inconscientemente, sobre las huellas de todas las que nos antecedieron y que hoy tienen sus ecos en espacios que se permiten dar la discusión. De alguna manera, las compañeras integran el linaje de las que lucharon por nuestro derecho al voto, de las lavanderas que batallaron para que no les descontaran de su sueldo el lavado del delantal y de la cofia, de las hermanas Mirabal asesinadas por su oposición al dictador Leónidas Trujillo, de las campesinas e indígenas criminalizadas o avasalladas por su defensa de la tierra y sus recursos, por todas las que se animaron y lo siguen haciendo a hablar las voces y escribir las letras de equidad, autodeterminación y liberación.

El documental expone la mayor presencia femenina en los gremios, un mayor debate acerca del rol de las mujeres en los medios y su participación en las luchas. ¿Cómo fue evolucionando la labor femenina no solo en medios sino además en sindicatos? 

MB: -El compromiso y la participación de las mujeres en instancias de organización gremial le imprime, necesariamente, a la política sindical otra perspectiva. Que ellas estén, participen, se muestren y proyecten su voz o que no lo hagan no da lo mismo, y que esto suceda marca una diferencia. También interpela a la dirigencia sindical a revisar su agenda, a construir consensos que no las tengan como mera presencia decorativa en una asamblea o solo completando una lista, tampoco limitadas a adherir a la moción de los compañeros varones.

Su protagonismo en la política sindical habla de la potencia, de la decisión, pero también de los innumerables obstáculos que deben sortear las compañeras a la hora de “sacar su voz”. No son barreras imaginadas, ni la fantasía de una “conspiración”, son dificultades concretas y se hacen sentir. Lo complejo de tomar y disputar la palabra, cuando por años –una cultura entera- han determinado que la legitimada y valorada era la voz y letra del dirigente varón, entrenado en la habilidad de hablar en público y visibilizar su posición sin pudor. La propia autoestima y seguridad necesarias para librar y sostener las discusiones y posturas cuando hay disenso y el camino plagado de dudas y prejuicios a sortear de cara a la consolidación de roles de liderazgo femeninos, todos -en conjunto- hablan de por qué es importante, hoy más que nunca, relatar la historia de emergencia de estas mujeres que desde la experiencia de distintos medios se meten de lleno en disputar las relaciones de fuerza. Disputar derechos, oportunidades y condiciones con las patronales si acaso las hay, con el Estado, y al interior de sus propios espacios para transformar la economía de poder entre los géneros. Para construir no solo relaciones sindicales más abiertas e inclusivas, sino relaciones sociales más justas y democráticas.

LT: -Tenemos a Silvia Martínez Cassina que es de un medio dominante, hegemónico, donde además la precarización es más fuerte. Silvia empieza a ser a partir de 2015 y 2016 una referente para sus compañeros y compañeras en esa demanda por los derechos laborales. Ella logra apropiarse de eso, al principio no quería hablar pero toma la decisión de cumplir un rol importante. Cuando nosotros terminamos el documental Silvia termina siendo la primera delegada mujer dentro de Canal 13 y TN.  Gimena Fuertes es otro emblema de lo que sucedió con la comunicación y con los medios el año pasado, Tiempo Argentino es un emblema, la mayor referencia de cómo después de la debacle de un medio, de un vaciamiento furioso que dejó 800 trabajadores y trabajadoras en la calle, los compañeros y compañeras de Tiempo Argentino deciden apropiarse de eso y armar una cooperativa, seguir adelante y mostrar que otra forma de comunicación también es posible. Nos parecía importante que una compañera de ese medio esté porque fue otra pata de las cuestiones más fuertes de lo que había pasado el año anterior en el campo de la comunicación. Después está el caso de una compañera (Natalia Vinelli) que venía trabajando ya en un medio alternativo, comunitario y popular, es una de las directoras de ese canal que al mismo tiempo tiene toma de decisiones asamblearias donde hay mujeres y varones pero nos mayoría mujeres, a diferencia de medios comerciales en donde las mujeres somos minoría. Ahí son mayoría mujeres, tres en la comisión directiva y que tuvieron que batallar porque si bien en ese campo hay más mujeres, las compañeras tuvieron que pelear por sus derechos y en la batalla que llevaron adelante junto con otros canales alternativos que habían ganado por concurso un lugar en la TDA y que el gobierno de Cambiemos no les dejaba lugar y, después de una batalla muy larga liderada por muchas compañeras de Barricada, obtuvo hace poco la posibilidad de acceder a la TDA.

La lucha de mujeres en medios tiene que ver con cambios desde lo laboral pero también con la importancia del rol de los y las comunicadoras a la hora de informar. Partiendo de la base de que transformar el lenguaje es importante para cambiar la visión de las realidades y teniendo en cuenta conquistas como el hecho de cambiar “crimen pasional” por “femicidio” en una nota, por ejemplo, ¿qué otras acciones de mujeres en medios pueden mencionarse como fundamentales en esta transformación en visión de géneros?

MB: -Inundar los medios con una perspectiva de género y feminista se trata, también, de la elección de palabras y tipo de definiciones, pero no apenas de eso. En la base está la disputa por el “enfoque”, es decir, cómo se cuentan y comunican las noticias, de qué manera su abordaje permite o no ubicar lo que sucede en una larga trama que expresa relaciones de poder y la naturalización de subordinaciones. Esto es lo más difícil de erradicar, porque pueden cambiar las palabras, que no es poco ni menor, pero no es suficiente. Si las coberturas, en cualquiera de los temas o áreas, no pueden reconocer lo particular de la condición de algunos colectivos sociales y del impacto sobre éstos de las medidas que se adoptan, las prácticas que se desarrollan, o los dichos que circulan, el sexismo en los medios seguirá siendo un estado dominante.

Más periodistas comprometidxs con un abordaje plural y diverso, capaz de desarmar estereotipos y pensamientos binarios. Hay un camino recorrido y logros conseguidos, el aporte de las periodistas feministas fue clave en eso, pero falta mucho aún. Las noticias siguen siendo escritas o presentadas en su mayoría por varones, muchos con poca o nula sensibilidad e interés en reveer sus propios juicios y privilegios. Hacen falta más periodistas feministas que sigan tensionando los límites y los binarios, develando las violencias que operan las palabras y coberturas, reivindicando que “todas somos fiesteras, viajantes ´solas’ y fanáticas de los boliches”.

A pesar de todos estos cambios positivos, las mujeres siguen siendo las más vulnerables a la hora de hablar de derechos laborales, ¿qué tiene que cambiar para que esto deje de ser así?

MB: -En medios son mujeres las que trabajan, en su mayoría, bajo la modalidad de “colaboradoras”, en formas precarias y flexibles de trabajo y contratación; las que, en alto porcentaje, no tienen firma u ocupan un lugar marginal o subalterno en el tratamiento de las noticias en televisión. Sin pasar por alto la verdadera grieta horizontal que hace que un altísimo porcentaje de ellas no accedan a puestos jerarquizados y de decisión en materia de política editorial dentro de los Medios que integran.

Las mujeres vivencian –vivenciamos- la precarización creciente, la multitarea, el vaciamiento de los medios en los que trabajábamos y el desempleo. Las circunstancias no han cambiado para mejor, todo lo contrario. Estamos cada vez algo más ajustadas, más pobres, más amenazadas en nuestra proyección laboral dentro del campo de la comunicación y el periodismo, como en muchos otros también. Pero lo que se robusteció, lo que maduró hasta encenderse, es la conciencia que la batalla que libramos, esa de la que tenemos mucho por recorrer aún, no puede dejar cruzar las muchas capas de opresión y postergación que nos pone a cada mujer, lesbiana, travesti o trans en situaciones particulares que no pueden ser omitidas o ignoradas. Del reconocimiento de esas circunstancias y no de su disolución en un todo homogéneo, tomamos la fuerza que nos impulsa. Esa es la clave y la potencia.

“Sacar la voz: trabajadoras de prensa en tiempos de ajuste”, se estrena hoy a las 18 en el Cine Gaumont, Rivadavia 1635, CABA.

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La semana pasada se estrenó “El Monte” corto documental que relata a través de sus protagonistas cómo es vivir en un barrio olvidado de Quilmes, en donde la pobreza, la contaminación y las inundaciones rigen el día a día de sus habitantes.

El Monte es una villa ubicada en Quilmes. Está a la vuelta del edificio municipal desde donde deberían salir las respuestas, desde donde cualquier persona se puede asomar por la ventana y observar que El Monte existe y en las peores condiciones desde hace años. Está también al costado de la ruta, ahí donde casi como si fuese una ironía se mantiene firme el enorme cartel del programa “El Estado en tu barrio”. La demanda de vecinos y vecinas y el Estado ausente, hicieron que un grupo de comunicadores y comunicadoras pensaran en reflejar a través de un cortometraje documental cuál es la realidad del día a día, cómo se vive y con qué consecuencias. Así nació este proyecto audiovisual del periodista y director de “El Monte”, Pablo Lapuente, material que desde la semana pasada puede verse por YouTube.

Con poco menos de veinte minutos de duración, este trabajo pretende mostrar a través del testimonio de vecinos y vecinas, cómo se vive en una porción de terreno en donde gobierna la basura, en donde un factor climático como la lluvia se vuelve enemigo o un recurso natural como el agua se vuelve fuente de enfermedades. Pero El Monte también es la historia de la desilusión de aquellos que decidieron confiar en un nuevo líder político del que pensaron que haría algo más que el histórico “Barba” Gutiérrez. Pasaron los meses, la confianza se fue, la ausencia del Estado (ahora en manos de Cambiemos) siempre ahí, en cada charco, en cada calle embarrada, en las instituciones educativas tan lejanas para niños y niñas que tienen que salir del barrio para poder estudiar.

“Nosotros también somos personas” puede escucharse en un testimonio que afirma algo que no se pone en duda para quien observa pero si para quien habla, para quien entre lágrimas explica qué pasa con sus muebles cuando el barrio se inunda, o para quien explica a cámara cómo se duerme los días de lluvia. Una historia de injusticias, de necesidades básicas insatisfechas, una historia paralela surgida a metros de esas calles que se ven renovadas, que indican que un Quilmes mejor es posible. Pero, ¿incluye este Quilmes a toda su población? Esa parecería ser la pregunta inicial.

Marcha Noticias dialogó con Lapuente acerca de este proyecto de investigación periodística que refleja realidades cotidianas, tan cotidianas como la tristeza de los habitantes de El Monte ante tanto olvido.

La realidad que se vive en El Monte es la realidad de muchos barrios carenciados del mismo distrito, ¿por qué eligieron ese lugar para contar estas historias de vida en donde es claro que hay un Estado ausente?

Es cierto que son varios distritos, el cordón que rodea la Ciudad de Buenos Aires, incluso la Ciudad de Buenos Aires también tiene villas con características similares, con la misma infraestructura y otros problemas. Lo hicimos ahí primero porque desde lo político hay una lectura que puede ser un poco más clara, que muestra esa falta de políticas de Estado. El Municipio, como dice el corto, literalmente le da la espalda a la villa. El edificio fue construido después, la villa tiene décadas. Fue construido de espaldas, o sea que la entrada mira para el centro y hacia la estación de trenes, no hacia la villa. Eso es algo característico que queríamos mostrar. Y en segundo lugar, porque no queríamos caer en ningún barrio como si fuera un trabajo de campo o algo similar. En El Monte hay una suerte de organización de los vecinos, una necesidad de muchos vecinos de contar cuáles son sus problemáticas. Además todos vivimos, trabajamos o estudiamos en Quilmes. Todos tenemos una llegada muy cercana, por eso elegimos El Monte.

¿Cuál es el principal problema que existe en El Monte?

La problemática principal que atraviesa todo el documental es la falta de infraestructura que trae como principal problemática la inundación, que tiene consecuencias como la pérdida de objetos materiales como muebles, cocina, heladeras, presupuesto para desagotar el lugar, a eso no lo hace nadie del gobierno, lo hacen ellos mismos. Eso fue lo primero con lo que nos encontramos. No fuimos a hablar sobre eso sino que hubo una pregunta en común que le hicimos a todos los vecinos, que fue cuáles eran las principales problemáticas. A todos los ejes en común los usamos para el documental. Pero No es que decidimos hablar de una cosa en particular y no de otra, lo que no queríamos era caer como los grandes medios en caer un día e irnos y hablar de inseguridad, narcotráfico y hacer una estigmatización de la pobreza, como hacen grandes medios cuando se meten en un barrio.

¿Hubo alguna repercusión por parte del Municipio a partir de la difusión del corto?

No hubo repercusión concreta de si se iba a saldar esa problemática, no hubo respuesta oficial ni nada, tampoco lo esperábamos, pero ojalá así sea. Hasta el momento los vecinos que nos invitaron a sus casas siguen sin saber nada de eso. De lo que sí nos encargamos durante toda la difusión es de que a muchos de ellos les llegue el video para que lo tengan en cuenta, para algunos será una novedad, para otros no, más teniendo en cuenta que el edificio municipal está pegado a la villa, en el tercer piso está el despacho del intendente y en el de abajo el de todos los concejales y funcionarios. Imagino que muchas de las ventanas de oficinas deben dar hacia la villa, o sea que lo ven y lo palpan concretamente todos los días pero nadie hace nada.-

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El 5 de marzo fue la presentación de la película documental Chávez Infinito, que pretende hacer contrapeso a las nuevas arremetidas mediáticas contra la revolución bolivariana. Entrevista a la realizadora del documental, María Laura Vásquez.

La documentalista argentina María Laura Vásquez, que vivió en Venezuela entre 2000 y 2011, tomó como punto de partida esos sentimientos y los plasmó en Chávez Infinito, producción que se verá el próximo 5 de marzo a las 22.30 en la cadena Telesur (www.telesurtv.net).

Vásquez, que trabajó junto al director Oliver Stone en las películas Al sur de la frontera y Mi amigo Hugo, asegura en esta entrevista que el documental “es la visión y la historia de la irrupción de Chávez dentro del pueblo venezolano” y “cómo fue construyendo el vínculo con su pueblo, cómo influyó en la vida de cada uno de los venezolanos, y cómo vivieron y viven la desaparición física de él y el legado que dejó en todos ellos”.

La película de Vásquez se construye a través de ocho personas que cuenta sus historias con Chávez desde un lugar de amor, respeto y conmoción, por fuera de las conocidas consignas repetitivas y vacías.

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“Estuve en Venezuela en el 2013 –recuerda la directora argentina-, unos meses después del fallecimiento de Chávez, y me impactaron mucho los relatos de los venezolanos y las venezolanas de cómo vivieron el día de su muerte. Me resultó profundamente conmovedor escuchar cómo ellos hablaban de Chávez como si fuera un amigo o un hermano con el que habían compartido más de una década, y contaban si lo habían visto, qué les había pasado cuando Chávez decía tal o cual cosa. Y ese vínculo tan hermanado entre ese pueblo y Chávez me llevó a tener la necesidad de contar ese vínculo”.

La problemática venezolana no es ajena para Vásquez, no sólo por haber vivido 11 años en el país, sino por su trabajo documentalista que anteriormente se plasmó en Cuando la brújula marcó el sur y Proyecto Independencia.

Para su nuevo film se despegó de cuestiones más teóricas, por eso Chávez Infinito “no es un análisis histórico-político de lo que significó para Latinoamérica o para la política petrolera mundial, sino que es una visión desde el mismo pueblo y desde lo emocional”.

-¿Por qué elegiste contar la historia de Chávez y de la Revolución Bolivariana desde los testimonios de gente de a pie?

-Ya me había ocupado de hacer un trabajo que tenía que ver con una mirada más política, histórica y analítica, con un documental más de tesis. Lo que más me había impactado tenía que ver con la construcción de ese vínculo muy particular, como los que generan los líderes, los hombres y mujeres que realmente son líderes. Esa construcción del líder y su pueblo describe y relata esta película con toda la carga emocional.

-¿Cómo fue la elección de las personas que brindan sus testimonios?

-Los personajes que se eligieron tuvieron que ver con seres capaces de hablar de Chávez desde el corazón. Para mí era muy importante no hacer un documental lleno de consignas, que muchas veces son repetidas de una manera mecánica. Las personas elegidas fueron gente del pueblo que fue capaz de conectarse con un relato emocional, desde el corazón y sin estructuras que marcaran esos discursos.

-¿Desde tu primer documental sobre Venezuela cómo ves tu proceso personal y el de la revolución bolivariana?

-Llegué a Venezuela en el año 2000. Mi llegada no tuvo que ver con que me interesara el proceso bolivariano y me impactó muchísimo lo que viví en ese momento. No me dedicaba al documental, pero la vida y la necesidad de registrar lo que estaba viviendo me llevó a eso. Fueron 11 años de registrar no sólo el proceso chavista sino enmarcar ese proceso dentro de la historia de Venezuela. A veces se habla de Chávez y del proceso que vivió Latinoamérica como si no fuera parte de nada, como si hubieran sido un grupo de líderes que, de manera casual, aparecieron en la esfera política. Pero son líderes que vienen arrastrando 500 años de luchas, entonces me dediqué a poner en contexto y en la línea de tiempo ese proceso y en tratar de entenderlo y trasmitirlo. Y fue bien interesante porque fue un cine profundamente político para trabajar la política con el pueblo. Fueron películas que además de salir en el cine se trabajaron mucho en cine foros, se hizo mucho laburo político e ideológico dentro de las comunidades. Esa experiencia fue muy enriquecedora porque sentí en carne propia la potencia que el audiovisual tiene.

-¿Qué aportes pensás que brindás con la película al proceso Latinoamericano?

-En América Latina estamos viviendo un proceso particular y de retracción de lo que fue la oleada de gobiernos transformadores, algunos menos y otros más revolucionarios. Uno de los elementos de la nueva oleada neoliberal en la región es mostrar a estos líderes como líderes casuales, que no tuvieron que ver con nada, que no están dentro de una línea e invisibilizarlos, descalificarlos y desacreditarlos. Es muy importante revalorizar la figura de Chávez y del proceso bolivariano. El material es crítico en algunos puntos y desde lo que la misma gente dice. No me pongo como directora argentina cuestionadora, sino que mostramos lo que la gente puede sentir como críticas al proceso venezolano. Es un material que lleva a la reflexión, pero que revaloriza el proceso venezolano y a Chávez como líder indiscutido de todo ese movimiento. Para mí eso es un aporte a la visibilización, para que no olvidemos y sigamos revalorizándolo en la justa medida.

-¿Cómo podés definir a Chávez en pocas palabras?

-Tuve la experiencia de verlo en varias oportunidades. Capaz es poco político lo que digo, pero era un ser de luz absoluto. Para mí fue un maestro en todos los sentidos de la palabra, por lo que decía, por lo que hacía y por lo que sentí las veces que estuve cerca de él. Era un tipo energéticamente arrollador, apabullante, magnético, fantástico.

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Se estrena “Pañuelos para la historia”, documental que relata las historias de las Madres de Plaza de Mayo y de las Madres por la Paz de Kurdistán.

Nora Cortiñas sube una cuesta acompañada por un grupo de mujeres. El cielo cae gris sobre las montañas. Nora, sin parar, continúa su marcha ayudada por un palo. Las mujeres que la guían también son madres y aprendieron, al igual que Nora, la importancia de resistir a la opresión. Todas tienen ausencias en sus pechos: sus hijos e hijas fueron desaparecidos o asesinados por estados criminales.

Nora, integrante de Madres de Plaza de Mayo –Línea Fundadora-, habla con las mujeres, que forman parte de la organización Madres por la Paz de Kurdistán, esa nación de Medio Oriente que década tras década defendió su identidad y su cultura que quisieron borrar.

Esas madres, con sus pañuelos y sus años, son las protagonistas principales del documental “Pañuelos para la historia”, realizado por Alejandro Haddad y Nicolás Valentini Lassus, y que este viernes se estrenará en el cine El Cairo de Rosario a las 20.30 horas.

El documental, además de contar dos experiencias unidas en una profunda resistencia contra la injusticia y el terrorismo de Estado, permite recordar a Alejandro Haddad, periodista y escritor, fallecido en 2014. Poeta, realizador documental y co-autor del libro “Kurdistán. Crónicas insurgentes”, Alejandro fue un conocedor a fondo de la historia del pueblo kurdo y sus luchas por la liberación.

Consultado por Marcha y Resumen Medio Oriente, Valentini recordó que conoció a Ravi (como le decían sus amigos y amigas) en la provincia de Chaco, donde tuvo “la inmediata magia de la comunicación en ese humor que hay que morderse la lengua para no reírse y seguir hablando con seriedad” que regalaba Alejandro.

“Aunque Ale fuese porteño nunca lo pareció –recuerda Nicolás-, porque hay muchos porteños que no pueden dejar de parecerlo aunque hagan fuerza, pero él era de Rosario, de Santiago del Estero y de todas partes, con una tonada de aquí y otra de allá. Así trabamos una buena amistad que nos llevó a trabajar juntos en este proyecto”.

El nacimiento del documental fue cuando Alejandro volvió de un viaje a Turquía, donde participó en el Foro Social de la Mesopotamia. “Analizando juntos –relata Valentini-, le sugerí que para hablar sobre los kurdos era necesario generar un lazo con nuestro pueblo e historia, a través del viaje de Nora, con un objetivo concreto donde los espectadores la acompañen y se vean reflejados viendo otra realidad pero, a su vez, con muchos puntos de encuentro”.

Para Alejandro, las mujeres del Kurdistán siempre fueron un espejo en el cual reflejarse, tanto por su coraje como por su incansable resistencia. En una entrevista brindada a la agencia de noticias Rodolfo Walsh, decía: Las mujeres de allá tienen que convivir su lucha contra sus Estados que la reprimen y contra su propio pueblo. En la guerrilla dijeron bueno, vamos a hacer una organización paralela, paralela pero dentro, son como autónomas. En la vida tienen que luchar contra la violación de los hombres, que si un hombre la viola a ella a la que matan es a la mujer no al tipo, porque ellos consideran que la mujer conversa el honor de toda la familia. Entonces como deshonró a la familia la matan a ella y no al tipo a tal punto que el gobierno de allá, de Irak, Turquía no le da importancia a ese asesinato a pesar de que es un delito. No le dan importancia porque está dentro del Islam. Hay toda una confusión y la mujer dice: esto se tiene que terminar, a mí no me mata ningún chabón porque yo no tengo nada que ver con el honor de la familia”.

Nicolás también tiene una historia que se entrelaza con el documental. “Haber nacido en España a causa de que mis viejos fueron perseguidos en la dictadura, los temas relacionados con los derechos humanos y las Madres de Plaza de Mayo me movilizan profundamente”, señala.

El documental no sólo registra el encuentro de Nora con las Madres por la Paz, sino que también da un pantallazo de la historia del pueblo kurdo y su actualidad, además de lograr que los espectadores conozcan de cerca una tierra lejana, bañada de montañas, sembradíos e historias.

Con Nora hasta pasamos su cumpleaños 83 mientras filmábamos –recuerda Valentini-. En el viaje teníamos un chofer llamado Sedat, que nos llevaba en su camioneta por la Mesopotamia junto a las Madres de la Paz y en estos viajes cantábamos y nos reíamos más allá de las lenguas. También tuvimos la oportunidad de ir a tomar té a la casa Zhera, una de las madres, y filmar un encuentro con Nora”.

En el trascurso de la filmación también sintieron de cerca la presencia del Estado turco, el principal responsable por la represión sistemática contra el pueblo kurdo. “Al cuarto día, comenzamos a notar que la policía a nos seguía, siempre en las esquinas del hotel estaba el mismo oficial. Cuando salía a dar una vuelta en mis ratos libres, me acercaba a una de las mezquitas más antiguas de Turquía y comenzaba a preocuparme por la connotación que podría tener para la policía que vaya a ese lugar o cualquier otro. De esta manera comencé a entender algo de lo que alguna vez pudieron sentir mi padre o mi madre en los ‘70”, recuerda Nicolás.

“¿Cómo este
pueblo puede sufrir tanto? ¿Por qué un pueblo milenario no pude ser reconocido por un país que tiene menos de noventa años? ¿Por qué desaparecen y encarcelan personas por luchar por su identidad?”, se pregunta Valentini. Pero también afirma que lo vivido junto al pueblo kurdo “son las verdaderas cosas que me motivan, esos lazos internos y fuertes que se remontan a mi pasado individual y familiar hasta llegar al colectivo. Quiero a los kurdos que conocí, quiero a Nora Cortiñas, quiero un mundo que alguna vez soñaron mis padres, que sea más justo, sin represiones y genocidios”.

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