Por Angie Ferrero

Con raíces del folclore tradicional en la voz, letras y composición, Violeta Azul es un disco que logra el equilibrio entre canciones populares de antaño reversionadas con lo contemporáneo, al fusionar el ritmo que nos representa con sonidos electroacústicos, logrando así un repertorio fuera del tiempo y para toda edad.

Espontáneo y personal, sin dejar de alcanzar todos los rincones, ríos, montañas, sierras y cielos latinoamericanos, el evento promete ser una fiesta entre amigos que disfrutan de la calidez y de la buena música.

Coproducido por Abi González y Juan Saraco, Violeta Azul nació con la presencia de los músicos Benjamín Ciprián en guitarras, Manuel Rodríguez Riva en clarinete, Belén Echeveste en cello, Agustín Lumerman en percusión y Juan Fracchi en contrabajo. Cabe mencionar la participación de múltiples artistas invitados, entre ellos, Liliana Herrero (voz), Pedro Rossi (guitarra), Andrés Pilar (piano), Federico Siksnys (bandoneón), Mario Gusso (percusión), Violeta Videla y Pablo Farhat (violín), Elizabeth Ridolfi (viola) y Lautaro Matute (voz y textos).

Desde Rueca en el año 2014, primer disco solista del músico bonaerense Abi González, hasta hoy, recorrió distintos proyectos y caminos para su formación que integró no sólo la música folklórica sino también la poesía y la danza.

Abi González, ganador del Premio Gardel 2019, presentará mañana sábado 24 de agosto su disco galardonado “Violeta Azul”. La cita es a las 21hs en Café Vinilo (Gorriti 3780, C.A.B.A.). Entradas anticipadas con descuento en venta en Alternativa Teatral

Escuchá algunos de sus temas:

“La aclaradora” – Abi González (VIOLETA AZUL)

“Milonga en tiempo” – Abi González ft. Liliana Herrero (VIOLETA AZUL)

“La jardinera” – Abi González (VIOLETA AZUL)

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“Canción de lluvia” es un adelanto del nuevo y tercer disco solista que lanzará el cantautor chileno, Tomás del Real. La fecha anunciada para poder conocer y disfrutar en distintas plataformas digitales, es el 27 de este mes.

Tomás del Real, cantautor nacido en Chile, tras sus discos solistas “Tomando forma” y “El segundo tiempo”, proyecta lanzar durante el primer semestre del próximo año, su tercera producción discográfica.

En la espera nos regala un single, “Canción de lluvia”, como adelanto de lo que se viene.

La fecha prevista para que este single sea de todos, es el 27 de julio.

“Canción de lluvia”, nació con la primera lluvia de Santiago de Chile y es un acústico que fue grabado en un pequeño estudio de nuestro país hermano. En esta grabación, la voz y guitarra de Tomás del Real cuenta con las percusiones de Magdalena Pachecho.

El cantautor nos dice, en relación a la idea del lanzamiento de este single, “Me gusta la idea del acceso a esa inmediatez de la música, desde la composición al lanzamiento sólo pasaron un par de meses, lo que le da un valor super bonito y orgánico a esta canción, la cual decidimos hacer en una versión acústica, para luego desarrollarla y darle otro giro en el nuevo disco. Esta versión es super real, cómo nació, y eso muestra el mensaje de la canción de manera muy transparente”

Con la sencillez y la complejidad de sensaciones que transmite la caída de la lluvia, la guitarra y la voz de Tomás del Real nos invitan con este single, a tener unos minutos de calma en algún momento de cualquier día, en todo tiempo y espacio, para pensarnos y reflexionar sobre nosotros mismos, a contemplar -sencillamente esa acción- en un mundo en el que parece que nunca dejamos de correr.

Para escuchar el single en la fecha prevista, basta con hacer click aquí. En Youtube, el estreno será completo con un video.

Las producciones discográficas de Tomás del Real, se darán a conocer por Spotify y otras plataformas digitales, y para no perdernos ninguna novedad, tendremos que estar atentos a sus redes sociales en Facebook e Instagram.

El 27 de julio, por unos minutos y por invitación de Tomás del Real, dejemos de correr.

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Por Angie Ferrero*

“Matrioska”, es el cuarto disco solista de Mariana Bianchini. Producido por Sergio Álvarez, cuenta con la colaboración de Marilina Bertoldi y Facundo Rodríguez. En el mes de mayo, tuvo su presentación oficial en el Auditorio Usina del Arte.

Mariana Bianchini el pasado mes de mayo, presentó su cuarto disco solista “Matrioska” en el Auditorio Usina del Arte,  de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.  La cantante y compositora  recorrió nuestro país  junto a su grupo de rock “Panza” y además fue banda soporte de grupos como: Living Colour, John Spencer Blues Explosion y Stephen Malkmus.

Desde el año  2017, Mariana Bianchini, es parte de la agrupación “Pájaro de Fuego” liderada por Esteban Sehinkman, Daniel Piazzolla; Mariano Sivori y Lucio Balduini. A partir del año 2003, la cantante comenzó a editar sus discos solistas. En primer lugar lanzó “Post Incubadora”; le siguió “Bú”, y el tercero fue “Indisciplina. Mariana Bianchini y las Bailarinas Anarquistas”.

También de la mano de la música en el 2015, publicó “Informes desde Villa Estruendo”, su primer libro de cuentos e ilustraciones.

“Matrioska”, cuarto trabajo de la artista, reúne nueve historias de mujeres diferentes que pueden ser la misma. Mariana Bianchini es ella y las mujeres que la rodean; ella, vos, yo y todas.

“Matrioska” es la voz de la mujer que somos,  las mujeres que fuimos alguna vez o las que podemos llegar ser; la que superó las heridas del amor y cree dominarlo si ya no siente; es la abuela que vive y respira por sus nietos; la que lucha entre la realidad y la virtualidad, la que se rebela; la que es habitada por un luchador de sumo y pelea contra él pulmón a pulmón; es la mujer que se levanta a pesar de todo, la que rompe los estereotipos, la que lucha por ser ella, por ser única, por ser la mujer que se ve y las mil mujeres que tenemos dentro de cada una de nosotras.

La empatía es la clave, es la que nos salva; la que nos permite conectarnos y reconocernos en la voz de Mariana Bianchini que es la voz y son las voces de las mujeres que se alzan desde sus entrañas.

*Leé más de Angie Ferrero acá.

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´Infinito´, es el nombre del sucesor de ´Auricular´, el E.P. que la banda porteña lanzó a las redes en 2014. “Este nuevo disco tiene que ver con la constancia. Nos costó mucho encararlo y por eso tiene que ver con el reinventarse ante cada circunstancia”, afirmó Luis, baterista de Auricular, en comunicación con Marcha. La banda se va a estar presentando el 2 de marzo junto a Cuerpo y a Frank Berlín & Los Poetas Malditos en Casa Colombo (Gallo 557).

Auricular, fue formada en 2013 y está compuesta actualmente por tres músicos que se autoatribuyen un espíritu inquieto. Lucas Lescano en guitarra, Marco Pallaro en bajo y Luis Herrera en batería. Por primera vez, los tres estarán a cargo de ponerle el cuerpo y la voz a un material sonoro. La preparación no fue fácil. Se produjeron mutaciones en la conformación de la banda y el hecho de que estos sean los primeros pasos como trío, hacen de la grabación toda una nueva experiencia. Sin embargo, no se pierde lo que consideran importante: generar, mediante la música, atmósferas y llevar a quién escucha al mayor nivel posible de intimidad y aislamiento.

Los shows en vivo son una puesta en escena en la que las luces acompañan los sonidos y se logra apelar a diversos sentidos. Por eso, es muy importante que la persona que hace la iluminación (Rodrigo) se repita en cada presentación.

Auricular se sustenta de manera independiente y maneja su propio presupuesto, lo que hace que todo sea más lento. “Ponemos la plata nosotros y eso suele costar mucho porque no podemos vivir de la banda, todos tenemos nuestros otros trabajos, pero tratamos de ponerle ganas e invertir todo lo que podemos en el proyecto”, afirma el Luis.

En la composición del nuevo material, que se viene preparando desde 2015, predomina la electrónica. Teclados, sonidos reales procesados y pistas distorsionadas, reemplazan lo que antes fueron estribillos repetidos y formatos canónicos.

Auricular, continuará este año produciendo atmósferas y apelando a los sentidos para quienes quieran escucharlos por parlantes, en vivo o, como el nombre lo dice, por auriculares porque, como reflexiona Luis, “La música ayuda a estar de mejor humor o a estar más conectado cuando uno está de mal humor, como para conocer el sentimiento y después poder salir de ese negativo”

Pueden escuchar Auricular en  

https://open.spotify.com/artist/6IB2uMBJtLtD5pHCFCHBiT

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Tangrama, ensamble de músicos cordobeses, presentó su tercer disco, Naturaleza Sonora, una fusión de jazz y música popular latinoamericana de Brasil, Uruguay, Perú y Argentina, con composiciones originales que buscan transmitir la esencia de nuestra Madre Tierra desde el centro del país.

Así como una semilla cobija en sí misma un brote de vida, un disco puede resguardar el sonido de la naturaleza: el canto de la tierra, el susurro del viento que cuenta secretos a las montañas y desde allí, se esparce sobre los valles, las sierras, los ríos; su voz busca alcanzar nuestras raíces y transmitir con su ritmo dulce, la sangre, el lenguaje y el alma latinoamericana.

Tangrama, ensamble musical de Córdoba integrado en la actualidad por diez músicos, presentó a fines del año pasado, su tercer disco Naturaleza Sonora grabado en Namasté Estudio, Córdoba.  

La grabación, no sólo contó con la participación de músicos invitados, sino también con poetas y fotógrafos que se unieron con su arte para hacer brotar del disco las voces y la música popular latinoamericana fusionada con los sonidos del jazz.

En un recorrido de ocho composiciones originales -bajo la dirección y arreglo de Pablo Rojas- la poesía de las letras se entremezcla con la voz dulce de los distintos instrumentos que entretejen las canciones: un saxo (Masai Méndez Fontus), un clarinete (Nicolás Savina), una trompeta (Agustín Basualdo); una flauta traversa (Juan Herrera), la guitarra (Pablo Rojas), la batería (Mateo Marengo); teclados (Nicolás Gianfelici), el bajo (Julián Reynoso), el eufonio (Pablo Cergneux) y la voz de Airena Ortube Podda.   

La participación de Magnolia Cuarteto de Cuerdas, Esteban Gutiérrez (percusión), Clara Presta (acordeón) y Mauro Ciavattini (saxo), hacen de Naturaleza Sonora, un disco que transmite un canto que se nos hace propio.

Tangrama, con la intención de lanzar un disco por año, nos deja esta tercera propuesta atravesada por paisajes en el que los árboles crecen y el agua corre entre las voces y la música que nos llama con un mensaje, el de cuidar a nuestra madre tierra en un sentido homenaje hacia aquellos que se dedican a proteger el poco verde que nos queda.

Naturaleza Sonora está lleno de aire, de barro, de arcilla; de agua, de montañas, de árboles: disco semilla.

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Luego de los cortes “Siempre con vos” y “Tranqui”, Nacho Rodríguez se encuentra presentando su primer trabajo como solista, un disco con una amplia variedad instrumental y poesía en clave romántica.

Luego de la experiencia grupal junto a Onda Vaga y Nacho y Los Caracoles, entre otras bandas, Nacho Rodríguez se renueva y explora mezclas sonoras en su primer disco solista: “La destrucción total”. Si hay algo de lo que se escapa este disco es de la destrucción, ya que en melodías y poesía está más cerca del amor, de las conexiones, del desahogo para dar lugar a la sanación de todo eso que nos hace mal en la vida diaria. Este, el primero y muy lejano a la destrucción, es un disco con vibra positiva.

A lo largo de las doce canciones que componen este trabajo (entre ellas “Siempre con vos”, “Sol”, “El verano” y “Cerro Colorado”), la voz y la guitarra de Nacho están acompañadas por Facundo Flores en batería, Jano Seitún en bajo, Juanfa Suárez en trompeta y Manuel Toyos en rhodes, además de los invitados como Moreno Veloso (en “Me perdí), Pedro Sá, guitarrista de Caetano (en “Cerro Colorado), Javier Casella de Bajofondo (en “Solita” y “El verano”), Catalina Recalde (en “Tranqui) y Clara Trucco (“Solita”), de Fémina.

Si hablamos de la poesía encerrada a lo largo de los 44 minutos de disco, es imposible que todo esto no suene a ternura entre la voz suave de Nacho y las letras que hablan de desamores, de cuestiones que se terminan, que no fueron. Es un disco que va desatando historias tristes y otras esperanzadoras entre melodías alegres, como equiparando cuestiones, como si realmente en lo malo estuviese también lo bueno, como si fuera tan solo cuestión de saber escuchar.

Si hay algo que distingue a este disco son sus melodías relajantes y el amplio abanico instrumental que hacen de cada tema un ambiente único que conecta con el siguiente. Y en la historia de tanta perfección, el disco que fue grabado en tan solo tres días llevó una preparación de dos años, periodo de maceración suficiente como para entender la calidad y variedad musical y sonara de La destrucción total.

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El cantautor uruguayo Jorge Drexler lanzó el viernes pasado “Salvavidas de hielo”, disco en el que la guitarra y las voces son protagonistas en una serie de once temas que se conectan entre sí, como contando una sola historia en diversos momentos. En octubre, el artista presentará este nuevo material en el teatro Gran Rex.

“Apenas nos pusimos en dos pies comenzamos a migrar por la sabana siguiendo la manada de bisonte, más allá del horizonte, a nuevas tierras lejanas”, canta Drexler durante los primeros acordes de “Salvavidas de hielo”, su último disco de estudio. Se trata de Movimiento, primer corte, que suena como el principio de todo lo que vendrá, como si estuviese ahí de forma intencional, contando por qué pasa todo lo que pasa. Y la respuesta para ese y para todos los temas que le siguen es una sola: “estamos en movimiento”.

“Salvavidas de hielo” está compuesto por once canciones (tres de ellas fueron presentadas tiempo atrás: Telefonía, Pongamos que hablo de Martínez y Silencio) en las que predominan la guitarra, las voces (además de la del cantante, este material cuenta con la participación de Julieta Venegas, Natalia Lafourcade y Mon Laferte) y la poesía como plato fuerte. Aunque esto último es una constante en cada disco de Drexler, la particularidad del recientemente lanzado es el orden de los temas y su referencia a los tiempos, como si ese orden y los tiempos de la vida, desde el nacimiento y los diferentes caminos estuviesen llamando a quien escucha a tomarse el tiempo de recordar el pasado, de pensar, de volver hacia el interior y tocar cada emoción, de hacerlas cuerpo para poder guardarlas aunque sea en el recuerdo de cualquiera de esas canciones que cuentan historias que no tienen ningún nombre propio y a la vez todos.

Drexler juega en este disco con la simplicidad, con el sonido de las cuerdas, de la guitarra completa, con la percusión, las voces y con un elemento particular y poco utilizado en la música: el silencio. ¿Qué sucede cuando en medio de un tema musical el artista hace silencio por unos segundos para invitar al oyente a escuchar más allá de las canciones? La propuesta del track 3, denominado Silencio tiene una respuesta sorprendente ante esa acción. Sin lugar a dudas, el artista en su nuevo disco está llamando a su público a oír algo más que once canciones.

“Salvavidas de hielo” es lo que nos pasa: todos y todas tenemos a un “Martínez” a quien estar agradecidos y agradecidas, pasamos por situaciones de amores que no fueron o duraron poco, nos alegramos con alguna llamada, pensamos mil veces que hubiese sido mejor no haber dicho nada, recordamos con cariño algún lugar o deseamos lo que no tuvimos, sin mirar lo que teníamos cerca. De eso habla este disco en el que suena Movimiento, Telefonía, Silencio, Pongamos que hablo de Martínez, Estalactitas, Asilo, Abracadabras, Mandato, Despedir a los glaciares, Quimera y Salvavidas de hielo, de esta especie en viaje en el cual “no tenemos pertenencias sino equipaje”.

Bendita la telefonía en todas sus variantes…

Si bien el disco fue lanzado de manera oficial el 22 de septiembre pasado, el cantante decidió realizar una presentación especial vía Facebook Live desde España. En el día de su cumpleaños y a las 17 de Argentina, Jorge Drexler iniciaba la presentación de una manera atípica, con un gesto de solidaridad con aquél lugar en el que estuvo dando vida a “Salvavidas de hielo”: Mexico DF.

A modo de “abrazo virtual” y solidaridad con el pueblo mexicano, el primer tema en sonar no fue del disco, fue María Bonita de Agustín Lara. “Nosotros hacemos música y nos dedicamos a esto. En los momentos tristes cantamos, en los momentos alegres cantamos, y también para abrazar a los amigos”, expresó el músico además de solicitar ayuda a quienes en ese momento se encontraban viendo la transmisión.

Desde el local de guitarras Headbanger, de Madrid, y hecho este pedido para México, Drexler dio a conocer la tapa del disco, abriendo así con la presentación de este nuevo material que se presentará el próximo mes con un formato de banda.

“Bendita cada onda, cada cable, bendita radiación de las antenas”, canta Drexler en Telefonía. Y resultó fundamental todo eso para poder realizar esta presentación utilizando la tecnología a favor de la música, a favor de la posibilidad de compartir el momento en que un músico toca por primera vez sus temas en público.  

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Reseña de ColorMadera, del dúo platense compuesto por Natanael Ullón (guitarra) y Pablo Besser (flautas dulces, contralto y tenor). Un disco que mezcla disciplinas artísticas que dan origen a la música. 

La guitarra es una madera dulce, mansa, olorosa como el aire, viajera como la nube.

(Francisco Colombo “Libro de los Elogios”)

ColorMadera, es un dúo de la ciudad de La Plata formado en el año 2013 por Natanael Ullón (guitarra) y Pablo Besser (flautas dulces, contralto y tenor).

Inspirados en músicos latinoamericanos -entre ellos Hermeto Pascoal, Agustín Barrios Mangoré y Egberto Gismonti- componen versiones con arreglos propios y su propio repertorio original para flauta y guitarra.

El dúo se presenta en vivo en distintos restó, bares y casas culturales como Trío de Música Instrumental Visual. En tales ocasiones, combinan la calidez de su música instrumental con la pintura de la artista plástica Leonor Arnao. En cada show, ella toma las imágenes que despiertan en sus manos los sonidos de la guitarra y las flautas, y finalmente las plasma en un lienzo que se tiñe de color.

Con la promesa de estar preparando un nuevo trabajo, su disco ColorMadera, es una pequeña muestra de la combinación de sonido y colores que realizan estos artistas. El arte de tapa, claramente pertenece a Leonor Arnao. La música, cinco canciones que recorren lo cotidiano con la calidez del sol de la tarde, la dulzura de un buen vino, la nostalgia y la danza con raíces argentinas.

ColorMadera, es música para acompañar una buena lectura, dejar correr un domingo, cocinar una receta olvidada, pintar la madera en la que se cimienta cada día.

Enlaces: Disco: https://colormadera.bandcamp.com/releases

                          FaceBook:https://www.facebook.com/colormaderamusica/?fref=ts

Angie Ferrero

http://fugitivadelcoroneldesaforado.blogspot.com.ar/

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Pasaron 30 años desde aquel octubre de 1986 en donde Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota lanzó “Oktubre”, segunda placa discográfica que lejos de quedar en la historia como una de las primeras obras, parecería ser una composición sin tiempo y a la vez aplicable a los tiempos que corren.

Habían pasado los tiempos de La Cofradía, del cine y del teatro, del colectivo artístico. Había pasado también la primera placa de la banda: “Gulp!”. Lo que nunca frenó desde aquellos inicios fue la música, la poesía, la necesidad de hacer. 10 de octubre de 1986: los motores de la democracia llevaban tres años funcionando y había mucho por decir, también bastante esperanza devaluada desde 1983, año en que la ilusión de un pueblo con más justicia era lo que se esperaba. Ahí estaba Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en el decir cantando y tocando. Y fue en ese contexto que nació uno de los discos más destacados de la banda: el hoy treintañero  Oktubre.

Alguna vez el artista plástico Ricardo Cohen (Rocambole, quien hace poco presentó un libro de obras inéditas de la época de Oktubre) expresó en diálogo con este medio que, al dibujar al esclavo encadenado nunca hubiera imaginado que tantos años después alguien le enviaría una foto desde alguna parte del mundo en donde algún otro dejó retratado al encadenado en alguna pared. Es que desde su estética fue un trabajo llamativo, contestatario, con una tapa que parecería hacer un llamado a las masas, al pueblo de las banderas en mano, un llamado a copar las calles, un mensaje que a treinta años sigue latiendo.

Desde lo musical, por aquel entonces la banda compuesta por Carlos “El Indio” Solari en voz,  Skay Beilinson en guitarra, “Semilla” Bucciarelli en bajo; Tito Fargo D’Aviero en guitarra; Willy Crook en saxo; y Juan “Piojo” Abalos, en batería, había logrado la placa más querida por los fanáticos, aquella que con el pasar del tiempo hizo historia con temas como “Ya nadie va a escuchar tu remera”, “Motorpsico”, “Preso en mi ciudad”, “Semen up” y la dueña de lo que hoy se conoce como el pogo más grande del mundo: “Jijiji”.  Todas eran canciones que describían y criticaban el contexto socio-político a nivel mundial, el rol de los medios de comunicación y otros temas sociales que golpeaban a la realidad de los ’80.

Con la incorporación del new wave, el post punk, e inclusiones sonoras llamativas para la época, Oktubre se convirtió en el disco bisagra de la banda y en uno de los discos que conforman la bisagra del rock nacional por ser parte de la historia y sus cambios a lo largo del tiempo, no sólo desde lo musical sino también como una de las primeras placas de aquella agrupación que generó toda una movida artística que hoy forma parte de la cultura popular.

Lo cierto es que hoy lejos de ser una placa para escuchar y recordar, el disco de la tapa del esclavo, de los colores negro, blanco y rojo, y a simple vista minimalista,  dice algo más en sus letras: canta y transmite como si fuese una composición de esta época.

El sucesor de Gulp!

Oktubre fue un disco distinto, grabado en los estudios Panda a finales de 1985 y lanzado en 1986 por el sello Wormo. Fue un trabajo cuyo estilo se presentaba más frío en cuanto a su poesía y menos festivo en cuanto a lo musical, característica que había dejado su antecesor.  El disco, que se había presentado de manera oficial el 18 y 25 de octubre en Paladium ante 1200 personas ,contó además con invitados como Daniel Melero en teclados y Claudio Cornelio en percusión.

Desde ese entonces y con algunos cambios en la formación, como por ejemplo la incorporación de Sergio Dawi en saxo y Walter Sidotti en batería, la banda no dejó de crecer. Se convirtió entonces en la más convocante de todos los tiempos, característica que continúa vigente y se hace notar cada vez que alguno de sus integrantes toca con sus actuales bandas.

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El jazz, el candombe, los sonidos latinoamericanos junto con los norteamericanos se entremezclan en esta producción discográfica de AMZ Trío, agrupación que hace de la música instrumental una invitación a nuevas mixturas.

Según indica su página, fueron las márgenes rioplatenses las que vieron nacer a AMZ Trío. Allí fue que se encontraron musicalmente hablando Hugo Acuña (bajo), Gustavo Marge (guitarra) y Ernesto Zeppa (batería) para comenzar a crear a partir de la fusión del jazz, el candombe, las raíces latinoamericanistas y las improvisaciones. La mixtura sonora y ese estilo musical relajado característico de la agrupación son características que se reflejan en “Partida”, disco de estudio que se presentará el miércoles 13 de julio a las 21.30 en Boris Club (Gorritti 5568).

¿Por qué es recomendable escucharlos en vivo? Simplemente porque los doce temas que componen “Partida” son garantía de un buen show, con una alta calidad musical y con un toque de originalidad y frescura que hacen del candombe y del jazz (ambos estilos que ya llevan muchos años de interpretaciones) una convivencia exquisita de sonidos.

Pero este disco también tiene lugar para otros estilos. Si bien los primeros cuatro temas del disco son casi completamente jazzeros, el quinto propone un corte, una vuelta de turca que lleva quien escucha directamente a otro paisaje, a aquél donde el folklore vive. Es así que “El empujón” suena entre piano, guitarra y batería sin ningún inconveniente y hasta para demostrar una vez más la calidad de los músicos, quienes al oído suenan relajados e invitan al disfrute. Sucede algo similar al sonar “El final del cielo”, una cálida melodía que suena entre cuerdas golpes y vientos.

Es que “Partida” tiene eso que lo hace especial: los temas ordenados al estilo montaña rusa, con tracks jazzeros bien arriba, mechados con otros más melódicos, folcklóricos o alguna forma que hace que quien escucha se sienta en un mismo tema con variaciones.

Entre las virtudes de este material, es interesante destacar que se trata de composiciones propias bien ejecutadas por este trío que para la “Partida” a este viaje sonoro contó con la colaboración de invitados como Juan Cruz de Urquiza, Ricardo Nolé y Nora Sarmoria.

Para quienes gusten del estilo jazz y estén abiertos a las fusiones y al hecho de explorar la tierra propia a través de la música, AMZ Trío es una buena forma de comenzar a explorar nuevos caminos a través de un disco o de la música en vivo, siempre recomendable.

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