En el marco del G20 que sesionará en Buenos Aires, durante el 17 y 18 de noviembre, la Asociación Civil Creando Redes Independientes y Artísticas -CRIA- presenta la primera edición del evento La Criatura, pedagogías del hacer en formato (contra)cumbre en el Club Cultural Matienzo. 

La Criatura es un evento público y gratuito que se desarrolla desde una propuesta performativa utilizando herramientas escénicas para acercar al público a distintas problemáticas contemporáneas y agendas urgentes que interpelan el estar social y cultural. Los temas que se tratarán de manera transdisciplinar serán: arte, educación, medioambiente, pueblos originarios, economías alternativas, género, feminismos y sexualidades, neo-extractivismo y Derechos Humanos, entre otros.

 “Nos imaginamos un monstruo capitalista que es predador, donde la inclusión es tácita, estar afuera es casi imposible, el tema es cómo resistimos en ese adentro y en conjunto. Las criaturas que destacamos son aquellas que resisten a la normalización de su hacer y es ahí donde producen pedagogías. La cumbre que proponemos hace un llamamiento desde las artes y la cultura, a hablar, escuchar, sentir y percibir esos movimientos de distintas criaturas”, dicen desde CRIA.

La Criatura no es un seminario, ni una serie de conferencias TEDX: es un escenario para la educación colectiva y la creación de redes solidarias en tiempos de crisis. Durante los dos días, la cumbre contará con presentaciones de referentes sociales e interferencias de bailarinxs, músicxs, dibujantes y performers. Entre lxs participantes estarán el filósofo italiano Franco Berardi Bifo; el filósofo y miembro del colectivo Situaciones Diego Sztulwark; la activista trans Marlene Wayar; la activista feminista Candelaria Botto; el poeta y fundador de Eloísa Cartonera Washington Cucurto; las integrantes del Foro Feminista contra el G20 Flora Partenio y Patricia Laterra; colectivo feminista Ni Una Menos; la escuela secundaria artística de Villa Fiorito Proyecto Secundario Liliana Maresca; Bachillerato Trans Mocha Celis; la Orquesta Popular Todo Poderoso Popular Marcial; Colectivo Marte de artes escénicas; la Unión de Trabajadores de la Tierra (UTT); el dirigente senegalés Mustafa Sene; el escritor y dramaturgo Félix Bruzzone; el abogado ambientalista Enrique Viale; la investigadora Karina Bidaseca, entre otrxs.

Además La Criatura desplegará distintas actividades interviniendo todo el Club Cultural Matienzo. Habrá exposiciones de banderas realizadas por artistas de los veinte países del G-20;  una feria de editoriales independientes organizada por el stand colectivo “Todo Libro es Político”. En la terraza, se realizarán intervenciones poéticas y literarias curadas por ciclos y grupos poéticos. También habrá laboratorios a cargo de Anita Tchikitita (poeta slam y editora), Cumbiemos el mundo ( VJ Cumbiero), Frente Inmigrante ( Hip Hop) y Cooperativa Sub (Fotografía documental). Los labs estarán orientados a lxs más jóvenxs y serán gratuitos, con inscripción previa. La cumbre cerrará, cada noche con un espectáculo artístico.

CRIA es un “colectivo de colectivos” que nace en 2011 y tiene una estructura horizontal, basada en interacciones entre sus redes.  CRIA busca promover proyectos que apunten a la transformación de la sociedad, desde la creaciòn de plataformas transdiciplinares que se articulan en red.  Quienes conforman CRIA son artistas, curadorxs, editoxs, sociólogxs, poetas, fotógrafxs, historiadorxs y videastas: Etcétera, Subcoop, Hekht, Milena Caserola, E-Hiedra M.U.L.I, Cumbiemos el Mundo, Milena Paris y Fe en la Errata.

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En un contexto en el que las expresiones artísticas en la calle están en el centro de atención de los colectivos culturales, la Casa Cultural Quetzal, ubicada en Guatemala 4516, apuesta una vez más por renovar su mural que tiene como escencia que las paredes del patio sean una continuidad de las calles.

Al entrar al espacio lo primero que llama la atención son las pinturas que recubren las paredes y el techo del lugar. Murales llenos de color y con una temática que los une y que cada año son renovados para que no pierdan vigencia, como cuenta Mariano Viceconte, parte de la cooperativa.

“Nuestra intención siempre fue que el patio del Quetzal sea una extensión de la calle misma”, explica Mariano y describe que en las paredes del exterior suele haber varias intervenciones, unas sobre otras, porque la gente dibuja, completa, interviene y hasta se tiran abajo paredes llenas de arte. “Lo efímero del arte muralista en estos tiempos es algo que lo define en sí mismo y queríamos que nuestro patio no sea distinto de eso”, explica Viceconte.

La temática año a año varía y siempre se relaciona con el muralista. Desde el Quetzal eligen al artista, que claramente siempre tiene un concepto personal y de la unión de artistas van surgiendo las obras completas que hacen al mural general. “Nuestra búsqueda en los últimos años se concentra en una exploración de la identidad. Estamos constantemente explorando entre artistas que saquen lo identitario de nuestras tierras y culturas, que sepan hacernos sentir adentro de las paredes, que nos hagan reflexionar sobre nuestro rol en la sociedad como individuos y nos empujen a un movimiento colectivo”.

Este año, una de las imágenes más impactantes es la de una mujer indígena que observa con mirada reflexiva.Se trata de un retrato psicológico que actúa como un espejo del estado de ánimo de quien la observa, explica Daniel Cortez (Decertor), quien vino desde Perú para participar de esta 7ma edición de renovación del mural. Decertor pintó sobre una pared de ocho metros de alto a una señora de una zona de la selva, de una ciudad que se llama Lamas. El artista cuenta que dibujó a una indígena quechua hablante, una lengua y una cultura que se están perdiendo. “La occidentalización cada vez es más fuerte. Me gusta trabajar con esta comunidad porque sigue manteniendo sus costumbres y utilizando sus propios recursos”, detalla.

La Pintura callejera está completamente marginada en nuestro país, tiene muy poca promoción, y se bandaliza a los pibes que pintan en la calle constantemente. Cuenta Mariano que mientras pintaban el mural leyeron la noticia de la muerte de un grafitero en Almagro porque un vecino le pegó tres tiros a quemarropa mientras se bajaba de una obra en construcción. “Estamos en un momento de mucho odio y de violencia exacerbada por el mismo Estado que reprime reclamos todos los días y fogonea el odio entre las personas constantemente”, afirma Mariano y agrega que en este contexto la reforma del Código Contravencional da más armas institucionales a los intolerantes de siempre y al mismo Estado para accionar porque desde esta modificación basta con que alguien considere que algo es un ruido molesto para que quién lo produce sea sancionado. Viceconte culmina: “Ahora, a través de denuncias anónimas, que todxs sabemos pueden ser inventadas por ellos mismos, para que las personas no puedan ocupar el espacio público que les pertenece por derecho”.

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Comenzó ayer en San Cristóbal de las Casas, Chiapas, México, la segunda edición del festival CompArte por la humanidad, donde miles de personas de todo el mundo demostrarán una vez más cómo el arte resiste y transforma en un encuentro que suma este año más propuestas de mujeres artistas.

Para actuar, danzar, escribir, cantar, pintar ese otro mundo posible. Porque, como dijo el Subcomandante Insurgente Galeano, “las artes unen, hermanan y convierten las fronteras en ridículos puntos cartográficos”, empezó ayer en Chiapas la segunda edición del festival CompArte por la Humanidad “Frente al capital y sus muros; todas las artes”, convocado por la Comisión Sexta y las Bases de Apoyo del Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN). Hasta el jueves, miles de artistas participantes y asistentes se encontrarán en el CIDECI- Unitierra de San Cristóbal de las Casas mientras que el viernes 28 y sábado 29, la cita será en el caracol zapatista de Oventik.

Música, teatro, danza, poesía, fotografía, proyecciones, pintura, grabado, talleres y más. Desde las 10 de la mañana hasta las 9 de la noche, las actividades tienen lugar en los distintos ámbitos del CIDECI, adonde arriban a diario personas de distintos puntos de México y del mundo. Como Adriana Toledano, que había participado en 2016 en la presentación de la revista Conmoción y que en esta edición, además de repetir esa experiencia, dictó el taller “Ginocrítica. Escribir desde el cuerpo. Poesía, cuentos y reflexiones”.

“Se me hace importante que aquí estamos planteando formas alternativas a las hegemónicas. Busqué explorar desde la poesía y en relación con el feminismo”, comenta Toledano. Durante las tres horas de taller, la escritora propuso lecturas de poetisas como Alejandra Pizarnik y Silvia Plath para arribar a una puesta en común de textos producidos allí mismo por las y los participantes.

Las mujeres adelante

Nos queremos vivas. No más violencia contra nuestros cuerpos, nuestras mentes, nuestras almas. Somos blancas, mestizas, negras, indígenas, transgénero. Somos mujeres que gritamos ¡ya basta! En esta segunda edición del CompArte, ese grito, nuestro reclamo infinito, fluirá en los distintos escenarios, en la palabra dicha y cantada. Arte hecho, interpretado y propuesto por mujeres.

El grupo de la colectiva Cereza que trabaja con mujeres en situación de encierro; el proyecto Cronopios del naufragio, en el que compañeras leerán obras de poetisas de las Américas; la puesta en escena “Todavía” a cargo de la compañía Xolobal Ant’z, integrada por mujeres indígenas cuyo arte nació en el hogar donde parieron solas a sus hijxs; la exposición de fotografías de la agenda 2017 “Semillas de Conciencia” del Centro de Derechos Humanos Fray Bartolomé de las Casas, que versó sobre la presencia y rol de las mujeres en las comunidades chiapanecas. Esas son algunas de las propuestas con las que las mujeres se harán presentes en los próximos días.

Tiene sentido. Luego de la iniciativa del EZLN, en el seno del Congreso Nacional Indígena (CNI) se creó en mayo pasado el Concejo Indígena de Gobierno (CIG), cuya vocera es María de Jesús Patricio Martínez, referente del pueblo nahua y candidata independiente a las elecciones presidenciales de 2018. Una mujer que recuerda que la lucha no es por el poder sino “por la vida, la tierra, el territorio, el agua, los árboles, todo, porque se lo están acabando”.

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La muestra, que puede visitarse hasta el 20 de mayo en el bar La Tribu (Lambaré 873), reúne pinturas de Luis Felipe Noé y textos poéticos de Vicente Zito Lema, artistas argentinos que han hecho de la temática alrededor de los derechos humanos una constante en su extensa trayectoria.

“Yo creo que hay una parte profunda de esta sociedad que está lastimada porque una de las pasiones más destructivas de la criatura humana es el rencor, y estoy absolutamente convencido de que hoy hemos entrado en un espíritu de la época marcado por el rencor. Detrás del rencor solo se muestra la muerte, y contra él hay que enfrentarse de todas las formas, con los lenguajes y las posibilidades que cada uno tiene” dijo Vicente Zito Lema, en las palabras que inauguraron el pasado 1 de abril Memoria del presente, su exposición en conjunto con Luis Felipe Noé.

En efecto, una de esas formas de hacerle frente al rencor es el arte. De eso saben bastante “Yuyo” Noé, pintor, y Zito Lema, escritor, dramaturgo y poeta, ambos pertenecientes a una generación de intelectuales comprometida con la denuncia y la lucha social en tiempos de dictadura y también en democracia.

La idea de Natalia Revale y Javier del Olmo, curadores de la exposición que se compone de obras realizadas entre 1976 y 2017, es magnificar el diálogo que históricamente se ha dado entre los trabajos de ambos, pues además de su antigua amistad, Zito Lema ha usado como referencia o inspiración las pinturas de Noé para la elaboración de varios de sus textos.

Puestos en este diálogo, sus trabajos constituyen una combinación violenta y desgarradora como las historias mismas detrás de los poemas y las pinturas. “Cuando recién llegué a París en 1976, al poco tiempo se informaba que estaban ya arrojando cuerpos desde avionetas al río de La Plata, pero en el país no se sabía realmente lo que pasaba, y de esto no se empezó a hablar sino 20 o 25 años después” confiesa Noé. Aquella práctica atroz y sistemática es tema de varias de sus pinturas, entre ellas Vivos para siempre, que inspiró el poema Aquellos cuerpos arrojados al mar de Zito Lema, ambas obras realizadas especíalmente para esta muestra.

Los fragmentos de poemas de Zito Lema que acompañan los cuadros se convierten en imágenes potentes gracias a juegos tipográficos. Noé trata temas específicos como los desaparecidos, los prisioneros políticos y la apropiación de niños durante el Proceso, pero sus pinturas escogidas denuncian también crímenes de Estado más recientes como el asesinato en 2002 de Maximiliano Kosteki y Darío Santillán, cuyo padre, Alberto, agradeció conmovido por el homenaje del pintor a su hijo.

Sin embargo, es un diálogo que se establece también con el momento actual del país. “¿Cómo pudo ser que cuando pensábamos que los derechos humanos eran parte de la criatura social argentina entra otra vez la disputa de esos temas, cuando pensábamos que ya sobre eso no había disputa?”, se pregunta Zito Lima.

Precisamente, para las luchas actuales es fundamental no retroceder en el terreno ganado, por eso la importancia de la memoria. Tal como se pregunta el poeta en uno de los fragmentos de la muestra: “la pregunta del presente es, ¿dejarás que entierren el sueño que movió sus días en la perfecta fosa del olvido más noche?”.

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*Carolina Romero es comunicadora social  y editora colombiana.

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Dos performers argentinas dialogan y analizan el cuerpo y el género en el arte. Acciones y reflexiones que apuntan a golpear al sistema patriarcal y neoliberal.

Cristina Coll y Laura Bilbao son dos artistas argentinas de performance que provienen de recorridos y procesos diferentes, pero que se encontraron en el espacio cultural Peras de Olmo para participar de la serie Open Field, con Cabecita de Mickey y Borramiento. Ambas producciones transitaron a través de la huella y de las marcas que se trazan y se borran sobre el cuerpo social. Coll, aludiendo a las iconografías infantiles que graban el mundo de las imágenes durante el crecimiento, y Bilbao, construyendo su acción centrada en las laceraciones producidas por los centros hegemónicos de poder y el neoliberalismo.

En este diálogo nos relatan que sus formas de accionar toman caminos que se diferencian. Cristina Coll estructura secuencialmente sus performances, mientras que Laura Bilbao se lanza al encuentro de un público activo, que sea coautor y cómplice de sus acciones. Sin embargo, estos haceres no están cerrados, ya que ellas reflexionan acerca de estos y les abren la puerta a nuevas posibilidades.  

La performance, un arte con características propias

Cristina Coll (CC): La performance es como una multimedia de uno mismo, que se aprovecha de todo lo que uno hace y todo lo que uno es. No es igual que el teatro. Los artistas visuales no somos como los actores, lo que decimos está más cerca de la realidad, no tiene un libreto hecho por otro y el espacio donde se realiza también es muy importante. Aunque encuentro mis performances muy cercanas al Biodrama de Vivi Tellas, porque hablo de mí y pongo el cuerpito para hablar de mí, no represento a nadie, hablo de cosas cotidianas.  

Laura Bilbao (LB): La performance no es igual al teatro o a la danza. Lo siento muy claro porque tengo una formación actoral y sé diferenciar claramente que no estoy haciendo teatro, que de repente empiezo a trabajar en las artes visuales. Esta diferencia se hace visible en que no ensayo, en que la performance tiene un final posible, como para darle un cierre. Pero no estoy contando una historia que tengo que hacer creer o suspendo el tiempo de la realidad para meterte en un cuento y no interpreto a un personaje. Aunque diga un texto, éste tiene relación con la acción que voy a hacer, pero no en el sentido de ponerme en la piel de un personaje y que el texto salga de otra boca que no sea la mía. En algunos festivales, por ejemplo, se presentan como performance muestras de danza aérea que están muy bien, pero no es arte de performance. Se toma la palabra performance como rendimiento pero no como arte acción. Ahí se vislumbra más claramente las diferencias entre las disciplinas.   

CC: Encuentro que mis performances están más estructuradas que las de Laura, porque ella espera que el espacio le dispare la acción. Yo tengo pautas para el final, tengo la necesidad de decir “se terminó”, o estructurar la acción, porque sino me siento despoblada, es una situación que tiene que ver con los cuerpos. Me gustaría esperar la reacción del público como Laura; viendo accionar a los otros se aprende mucho.”

LB: Al principio, cuando empecé a trabajar en la performance, me llenaba de objetos, los llevaba por las dudas y cada vez estoy intentando que sean menos; si uso un objeto que sea para ejercer una acción.

CC: Uno necesita agarrarse de algo, necesita encontrar una forma de sostener el cuerpo. Pero lo importante es ponerse y poner el cuerpo, eso es una performance.

La performance como elección

L B: Elijo la performance por la inmediatez. A veces tengo muchas ideas y se me pasan, caducan si no las hago. Entonces las llevo a la acción. No tengo mucha disciplina, no necesito juntarme con personas ni ver qué me tengo que poner, buscar la manera en que todos coincidan los horarios ni ensayar. Con la performance tengo una idea y la hago. Me gusta que no sea espectacular, que no haya que pagar una entrada, me gusta porque es humilde. Me había alejado del teatro porque sentía que no me terminaba de cerrar, ensayar nueve meses para actuar dos días y que tuvieran que pagar la entrada para venir a verme.

La primera performance que puedo reconocer como tal, que en ese momento no sabía que lo era, fue en 1999. Un amigo me dice: “¿Nos vamos a Nueva York la semana que viene para hacer unas fotos?”. Y acepté. Estando allá, él tenía unos trajes hechos de telar y comenzamos a accionar revisando basura en las calles. Él realizó el registro y la llamamos Homeless Fashion. Luego realicé una producción con artistas de distintas disciplinas. Me interesaba trabajar la relación actor espectador, una mínima unidad teatral más objetos artísticos. Investigar el espacio dramático de la obra plástica. Por lo tanto, en un espacio cerrado se montaron obras de los artistas convocados y las fui interviniendo en performance para un espectador que realizaba el registro. En este proceso de armar la cosa, no entendía dónde estaba la obra, no entendía que mi obra era esa. Hasta que alguien empieza a avivarme de que eso era arte acción. Comienzo a indagar en el tema y lo sintetizo en una unidad de instalación que era la obra, la proyección y la performance que iba a estar en ausente. Este proceso duró un año. En  2004 lo presenté en una convocatoria y quedó. Se llamó En los límites del ego, la ausencia es infinita. Áura Egó.

Ahora estoy en otra situación, más chiquita, más cerrada y más investigativa. Hoy tengo una pulsión muy fuerte de utilizar menos objetos, de despojarme. Estoy investigando el neo-nudismo, el prender una cámara web dentro de la casa y poner el cuerpo, para preguntarme qué sucede con el inconsciente colectivo en relación a la virtualidad y las redes sociales. Por eso, no sé si en un comienzo elegí a la performance, porque llegué a ella como de casualidad; pero hoy sí la elijo.

CC: Empecé a realizar acciones en 1996. Antes venía pintando y me representaba. Me acuerdo que en la primera performance había puesto una tela que ocupaba un espacio vertical, pero también horizontal en el piso; quería pintar la Pirámide de Mayo con las Madres de la Plaza realizando la ronda. Empecé a pintar todo de marrón no sólo la tela que colgaba, sino también aquella que se encontraba donde yo estaba. De alguna manera yo también estaba dando la vuelta con las Madres y saliendo del plano, integrando la tridimensión. Pero aún no me animaba a accionar en público. Le pedí a alguien que me filmara y realicé una de mis primeras performance de género que se llamó En el baño, en la cual me travestía. Primero me afeitaba el rostro y las piernas, me ponía un traje de hombre y salía a la calle. Me subí a un colectivo, fui a un bar, al trabajo de mi papá. Este registro quedó como un cortometraje y lo empecé a presentar en concursos de video experimental, video arte, pero no entraba en ninguna categoría. Lo presento en el año 2000 en Sueños Cortos, que recién empezaba, y saca una mención. Después me asusté porque parece que me salió bien, y seguí pintando.       

El trabajar con género siempre me llama. En una época me sentía cómoda con el travestismo, porque era como una máscara que no dejaba sacar quien era yo y hacía de hombre. Luego realicé fotoperformances donde me llamaba Roberto y buscaba los límites entre el binomio femenino-masculino; después me ponía en el medio y no sabía qué era, qué parte del binomio. La investigación de la performance me acompañaba en mi propia búsqueda personal de género.

La experiencia corporal como camino para la performance

LB: No es fácil ver performance porque el performer interpela, desordena, es incómodo. Trabaja con el conocimiento de su propio cuerpo y lo presenta.

CC: Al principio, poner el cuerpo se siente como un cachetazo, pero se insiste porque hay algo que se necesita seguir haciendo y cuando entendés que el arte es un juego te vas salvando. No me interesa saber si el arte que hago es feminista o no, siempre hice cosas en contra de lo patriarcal. Tuve que aprender a ser gay porque no me lo esperaba. En esta cultura antropocéntrica y patriarcal tuve que aprender porque no era fácil. Ahora tengo que aprender a ser persona, descubrir quién era antes de todo ese aprendizaje. Eso es lo que estoy tratando de descubrir en este cuerpo, cómo puedo llegar a ustedes con lo que yo soy, pero sin que ustedes me estén mirando desde un solo lugar.

LB: Tuve que aprender a no ser gay. Porque de chiquita si me subía a un árbol era varonera, si jugaba con mi papá y mi hermano a la pelota también. De chiquita te van enseñando qué es lo que hay que hacer para ser mujer. Yo no era una mujer femenina que se pintaba, que se ponía la pollerita. Entonces, ¿cómo pararme frente a los otros? Tengo un cuerpo, este cuerpo. Nunca lo feminicé, nunca lo construí desde lo que el patriarcado dice que una mujer debe ser. Nunca partí desde el dejar conforme al otro. Cuando era más chica, me sentía un poco diferente hasta que, en un momento, exploté con mi propia personalidad y empecé a tener un levante bárbaro. Pero fue un proceso que tardó, tuve que vencer un montón de cosas, siempre fui muy alta, deportista, distinta.

CC: ¡Menos mal lo de la performance entonces! Porque la performance te ubica en un lugar y dice: “Bueno, yo soy esto, loco. Si no te gusta, ándate”. Te da un saber que te provee seguridad, te permite ver qué es lo más importante de todo esto: lo que se es. Con la performance, de alguna manera, uno explota y al mismo tiempo tiene un soporte de formación que te permite llevarlo adelante. Y al modelo patriarcal le da una patada.

LB: Con la performance encontrás tu propio lugar muchísimo más rico, con más personalidad, más propio, y entendés que algo pasa porque no estás copiando ni reproduciendo. Te das cuenta de que podés manejar tu cuerpo de otras maneras. Ser de otras maneras. Lo más importante es seguir haciendo y ser auténtica en la búsqueda.

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El fin de semana pasado se presentó la performance “Curare”, de los artistas argentinos Carina Ferrari, Jackie Miller, Alfredo Rosenbaum y Guadalupe Neves, que luego dialogaron con el público sobre esta forma de arte.

“Cada minuto es un minuto menos.

Necesito un amor.”

Manal (1969)

Llegamos a Peras de Olmo y los rincones de este espacio dedicado a la performance se llenan a toda velocidad. La voz de Carina Ferrari hace espacio entre los cuerpos, Jackie Miller comienza a contar infinitamente los minutos de Guadalupe Neves y Alfredo Rosenbaum que, en trance, descienden las escaleras que comunican la sala con el primer piso. Los espectadores se agolpan, se entrelazan e intentan encontrarse con la acción de estos cuatro artistas argentinos que presentan Curare, una performance donde los cuerpos y la composición visual se cruzan con el sonido y la palabra.

El acontecimiento se desarrolla simultáneamente en distintos recovecos, envolviéndonos en una configuración espacial excéntrica que propicia la dialéctica de la relación espectacular. La escena no se halla clausurada con límites precisos, sino que es abierta y constantemente móvil. Con respecto a esta disposición, Alfredo Rosenbaum afirma: “En la performance uno nunca deja de ser uno mismo, esa presencia genera una ambigüedad en el límite entre el que acciona y el que percibe. Esto genera sensaciones y tensiones propias del arte de acción, el límite entre unos y otros podría quebrarse, deshacerse, atravesarse”.   

La mano de la performer Carina Ferrari nos invita con pastillas de colores, que todos tomamos alejándonos del ritmo de los semáforos, del ruido, de los bondis y no hay más noche ni remedio que este encuentro.

Curare nos confronta al juego de sabernos alienados, del simulacro de vida que se apodera de las libertades y corrompe la verdadera existencia, donde el tiempo es cuantitativo a un ritmo que enajena y enferma los cuerpos que lo transcurren. A través de la acción, los y las performers buscan un bálsamo en el amor, en el trabajo, en los sistemas de salud corrompidos por el mercado farmacéutico y la burocracia, pero los intentos son imposibles: la salud, el aliento, el pulso se escapan irremediablemente. ¿Acaso será posible curarnos? Frente a la caída fatal de la sangre tal vez la única respuesta sea el arte.

La performance es una ceremonia de transformación donde la concurrencia resuena colectivamente, y esto es posible por la presencia del performer. “La diferencia entre el teatro y la performance está dado por no jugar a ser otro, sino en ser uno como sujeto presente y permitir que el propio cuerpo sea atravesado por las acciones”, indica Guadalupe Neves. Al mismo tiempo, “un performer debe trabajar siempre con la incertidumbre, con la posibilidad de modificarse en el momento de la acción, y el trabajar con otros requiere de un acuerdo para poder soportar ese momento de caos”, agrega Carina Ferrari.

Ferrari, Miller, Neves y Rosenbaum comparten áreas dentro de la Universidad Nacional de las Artes y en proyectos de investigación, pero es la primera vez que realizan una performance juntos. Jackie Miller nos cuenta: “La creación colectiva, el pensamiento con otros, es la manera de poder construir, sobre todo en este tipo de producciones de lenguajes combinados, donde la cuestión metodológica de poder cruzar lenguajes tiene que ver con agruparse, intercambiar ideas y llegar a un objetivo preciso. El arte de la performance ofrece la posibilidad de compartir zonas de la propia existencia y para eso siempre es necesario que haya un otro. El cuerpo colectivo del espacio que habita la performance es lo que propicia la construcción colectiva, aunque la propuesta sea individual. La performance no es un espectáculo, es una red que se arma donde el público se integra a la experiencia”.  

Festival Internacional de Arte Vivo Arte al Cubo

Ahora la invitación es para el próximo encuentro del Festival Internacional de Arte Vivo, en Peras de Olmo, Niceto Vega 4678, los días 21 y 28 de septiembre, y 5 de octubre. En el festival no sólo se presentarán performance sino que también se realizarán conferencias y mesas redondas. El encuentro está organizado por la Especialización y la Maestría en Lenguajes Artísticos Combinados del Departamento de Artes Visuales de la UNA y por los artistas de Curare.

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La muestra colectiva que marcó la década underground de los ochenta, por estos días volvió a Buenos Aires. Mitominas, el arte feminista y activista del siglo XXI, relatado por una de sus protagonistas.

Durante julio, en el Centro Cultural Recoleta se llevó a cabo Mitominas 30 años después, una muestra colectiva que reactiva las exposiciones Mitominas realizadas durante los años ochenta. Marcha dialogó con María Laura Rosa, docente, investigadora del Conicet y doctora en arte contemporáneo, que impulsó y realizó la curaduría de la muestra que posibilita no sólo activar temáticas feministas, sino que al mismo tiempo permite construir una genealogía del arte feminista en Argentina.

Las Mitominas

Mitominas fueron dos exposiciones que se realizaron en el Centro Cultural Recoleta durante la década del ochenta. La primera fue en 1986 y la segunda en 1988. Estas exposiciones plantearon una revisión de los mitos históricos, a través de trabajos con temáticas que cuestionaban cómo la mujer había sido cristalizada en esos mitos y cómo esa visión se reproducía en la realidad. En Mitominas 1 se abordaron los mitos grecolatinos y los mitos latinoamericanos, y en Mitominas 2 se elaboraron obras en relación a la sangre, por lo cual salieron temáticas como el SIDA, la violencia de género y la fecundación asistida. Estas temáticas excedieron a los mitos, pero se encontraban muy presentes es esa etapa de recuperación de libertades y de efervescencia democrática. Estas exposiciones de la década del ochenta presentaron obras efímeras, cine-debates y performances, en un trabajo codo a codo con el underground y en diálogo con el público, ya que los espectadores eran parte de las acciones.

María Laura Rosa sostiene que Mitominas tuvo dos características fundamentales: la pluralidad, porque las muestras no estaban integradas sólo por feministas y/o artistas, sino que nucleaban a todas aquellas mujeres que quisieran cuestionarse el lugar de las mujeres en la sociedad; y las mesas redondas que acompañaron a la exposición, que no sólo eran muchísimas sino que también eran artivistas y de concientización.

30 años después

La intención de esta nueva Mitominas es reactivar ciertas temáticas vigentes, como la violencia de género e incorporar nuevas como la trata, las disidencias sexuales, el género y la corrupción. Temáticas que existían en la realidad de los ochenta, pero que no estaban nominadas. Ahora, se empleó la misma forma de trabajo que con las Mitominas clásicas. Se propusieron temas y cada artista eligió libremente cómo llevar adelante su obra. A diferencia de las primeras muestras -que contaron con un año de preparación donde pudieron realizar talleres colectivos-, la exposición actual no tuvo la posibilidad de contar con esos tiempos.

María Laura cuenta que “Monique Altschul estuvo a la cabeza. Fue la organizadora y alma mater de las muestras de los ochenta y también de ésta. Para esta ocasión, ella se reunió conmigo, estuvimos viendo cómo armarla, qué proponer a las artistas y qué artistas seleccionar”.

Cuando el proyecto fue aprobado por Recoleta, les ofrecieron solamente la Sala 6.  A lo largo del proceso de trabajo y de sucesivas reuniones en el Centro Cultural, los trabajadores y las trabajadoras del lugar advirtieron las dimensiones de la muestra y les ofrecieron más espacio. Debido a esta situación espacial, María Laura y Monique Altschul seleccionaron 14 artistas: Narcisa Hirsch, Pilar Largui, Liliana Mizrahi, Susana Rodríguez, Anna- Lisa Marjak, Silvia Berkoff, Nora Correas, Marcelo Pombo, Carolina Antoniadis, Alicia D’Amico, Liliana Wicnudel, Viviana Zargón, Diana Raznovich y Micaela Patania. A ellas se sumaron cuatro artistas más, que vienen trabajando fuertemente las cuestiones de género: Ana Gallardo, Paola Vega, el grupo Mujeres Públicas y Carola Rousso.

Rosa manifiesta que se propuso la muestra como una reactivación, es decir, se toma el nombre original de Mitominas pero no realiza una reconstrucción histórica de las anteriores. El objetivo actual es el activismo, o sea, activar temáticas que están en la sociedad y trabajarlas a través del arte. Al decir reactivismo se está marcando una de las posiciones del arte feminista, y las Mitominas fueron pioneras en esta postura. La reactivación con temáticas actuales y con artistas actuales, necesitó de mucho trabajo autogestivo, autofinanciado y de muchas amigas feministas. Cuando se consiguieron los espacio definidos, hubo que modificarlos debido a que algunos, como la escalera del Recoleta, no estaba en las mejores condiciones. Eugenia Garay Basualdo, montajista del proyecto, limpió, pintó y modificó el espacio para lograr el gran desafío de articular la planta baja con la planta alta, sumado a los dispositivos de señalética realizados por Lea Agreda y María Laura Valentini, y a la obra de Carola Rousso que funcionó como enlace entre ambos pisos.

El cuerpo de las Mitominas y los cambios de década

El ambiente de los ochenta era estaba cargado de transgresión, y las Mitominas ochenteras estallaron en energía. Hoy en día, las instituciones culturales están atravesadas por problemáticas judiciales, de seguridad y de cuidados, que inevitablemente impactan en el arte.  

En las primeras Mitominas, los cuerpos estaban presentes, vivos y circulando, por eso había infinidad de performance. En la propuesta del 2016, a través del cuerpo que aparece representado, se problematiza cómo han impactado los ideales de belleza heteropatriarcales, el cuerpo fragmentado, la objetualización y la disociación. En las primeras muestras había una necesidad de acción desde el cuerpo que era muy fuerte; hoy esa necesidad pasa por otro lado, donde el cuerpo sale a la calle y se hace activismo colectivo.  

María Laura Rosa también considera que en la Argentina el arte feminista está sumamente vivo, sobre todo en el activismo callejero. Según ella, existen artistas con temática feminista como Ana Gallardo, Diana Schufer, entre otras, y que existen grupos que contienen la urgencia de la agenda feminista -como La Revuelta- o que elaboran objetos activistas que tienen categoría de objeto artístico, como el libro Código Rosa, con el cual Dahiana Belfiori aborda el tema del aborto. “La tarea de las historiadoras del arte feministas es encontrar estas artistas y ponerlas en relieve”, finaliza Rosa.

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Francesca Woodman no hubiera sabido hacer otra cosa que ser artista. El arte era como una religión para ella y su familia, y fue la fotografía quien la sujetó a la vida.

Nació el 3 de abril de 1958 en Denver, Estados Unidos, en una familia de artistas. Su padre, George Woodman, era un pintor abstracto, y su madre, Betty Woodman, era ceramista; su hermano mayor, Charles, desarrollaría su arte en lo audiovisual.

La pequeña Francesca se crió y formó entre su país e Italia. Sus fotografías comenzaron a surgir cuando su padre le regaló una cámara Yashica, a los trece años, con la cual realizaría la mayor parte de su obra. Esas primeras fotos, en blanco y negro, de formato pequeño, la ubicaban a ella en la imagen. Dejarse ver o no en el plano de la imagen pasaría a ser su inquietud a desarrollar, una performance íntima en  juego dialectico de presencia y ausencia que sería el motor de su obra. Este trabajo tiene lazos contemporáneos con el trabajo de Ana Mendieta y Esther Ferrer, así como lazos posteriores con Cindy Sherman. Estas artistas trabajan en el borde de la presentación y de la representación, en el cual su propio cuerpo es parte fundamental de la obra.

A Francesca, la fotografía le permitía transformarse en otros mundos posibles, mientras que la anclaba en el mundo real. En su obra se muestra y se esconde, permite ver su cuerpo y oculta su rostro, o mira fijamente como si atravesara la imagen en la cual los espejos la multiplican y su yo es muchos, sea tanto en un paisaje natural o en un edificio derruido, donde su cuerpo se funde con las paredes o es cubierto con papel. En esta banda de moebius donde transita la presencia atravesada por tintes surrealistas y góticos, hay tres elementos fundamentales: el cuerpo, la performance y el feminismo.

El cuerpo es un elemento central. Es tierra, huella y evanescencia. Se muestra para mostrar lo que no se ve en él. El cuerpo en la fotografía de Woodman no funciona como imagen sin volumen, sino que es cuerpo encarnado, el cual sólo es visible a través de la acción. Para ello se servirá del movimiento y del barrido, junto a la exploración del cuerpo en relación a los parámetros espaciales. Por lo tanto, el cuerpo no está modelando, no es objeto para el deseo de la mirada machista, sino que es sujeto que se presenta. La sexualidad y la intensidad de su cuerpo se construye a partir de su hacer como mujer. Francesca Woodman no trabaja autorretratos, sino que realiza registros performáticos. Es decir, no realiza representaciones de su cuerpo sino que presenta su cuerpo en el espacio, en relación a acciones específicas de contexto. Su fotografía es un acto, un acontecimiento vivo donde se pone en juego su ser mujer, su ser artista y su existencia. Y al hablar de su cuerpo, su obra habla acerca del cuerpo de todas las mujeres, ya que es presentado como un cuerpo que crea, que siente, que acciona. No es cuerpo musa ni objeto; su cuerpo se muestra, se afirma, se esconde,  reivindica lo femenino y lo lacera, es carne y es fantasma. Ya no es forma para ser mirada sino que es mujer que problematiza.

Cuando una mujer toma el control de su propio cuerpo y lo hace arte, todos los cuerpos y todas las mujeres están presentes en él.  

Francesca Woodman murió en invierno, el 19 de enero de 1981, después de lanzarse al vacío desde el techo de un edificio neoyorquino. Tenía 22 años y nunca fue famosa, sus trabajos eran rechazados en Nueva York. Pero su producción artística fue muy prolífica, dejó más de 800 fotografías impresas, diez mil negativos y cuadernos, hojas de trabajo y apuntes.

En 1986, se realizó una exposición de su obra en el Wellesley College, que la convirtió en culto. Hoy en día, su fotografía es parte de las colecciones permanentes del MOMA de Nueva York, el Metropolitan Museum of Art, el Whitney Museum of American Art y el Art Museum de la Universidad de Princeton, entre otros.

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‘Víctima’, de Fernando Clavo Sanz, la obra ganadora del concurso del Ayuntamiento de Zaragoza, en España, pretende ser un monumento en homenaje a las víctimas de la violencia machista. Lo cierto es que la obra de arte desató una agria polémica. ¿Y por casa?

Cuando miras por primera vez la escultura, piensas que es una broma de mal gusto de alguna revista digital experta en ridiculizar la realidad. Después, descubres con tristeza que la noticia y la estatua es real y que viene directamente del Ayuntamiento de Zaragoza. La idea de partida es buena; la gente que ha formado parte del proyecto, el jurado, etc., es seguramente gente honesta. ¿Cómo es posible entonces que, partiendo de una interesante propuesta, se pueda acabar con un resultado tan deleznable?

La escultura tenía como objetivo recordar a las mujeres víctimas del maltrato machista. Pero el resultado no puede estar más lejos. Si el objetivo hubiera sido humillar a las víctimas, deberíamos ahora felicitar a la organización del evento. A la estatua de una mujer arrodillada y tapándose la cara solo le faltan unas cadenas para provocar más indignación. La imagen ganadora ha obtenido un premio de 18.000 euros y será ubicada en un lugar céntrico de la ciudad.

¿Qué pretende el jurado al elegir esa escultura? Olvida que las mujeres sobreviven, levantan la cara, se ponen en pie, denuncian, buscan apoyo y tienen miedo, pero no se humillan, todo lo contrario. Esa es la imagen que se debe dar, la de la dignidad y la fuerza, no la de la rendición. Esa mujer de rodillas es un triunfo del machismo asesino. Hace unos días le enseñé a una mujer víctima de maltrato machista una foto de la escultura. Cuando la vio, se echó las manos a la cabeza.

Si esto lo hubiera perpetrado el PP, los responsables de este desatino estarían ahora mismo pidiendo que su retirada. ¿Pero qué hace la actual administración y todos los que participaron en la decisión? Esperar a que disminuya la crítica para seguir adelante y ubicar la estatua haciendo caso omiso de la indignación provocada.

Podemos ponernos de rodillas como la estatua o estampar la imagen contra la pared. O mejor aún, empezar de cero y hacerlo todo bien. Como si nos importaran aquellas personas a las que va dedicada la escultura. Un ejercicio de empatía y humildad les vendría bien a los y las responsables.

La coordinadora de organizaciones feministas de Zaragoza publicó hace unos días un comunicado donde expresaba su repulsa. Coincide en que la escultura “representa a una mujer humillada, rendida, con la cabeza agachada, débil, sola y hundida, inerte e indefensa”. La polémica ha estado muy viva también en las redes sociales.

Sin embargo, hay que resaltar el silencio de los partidos de izquierdas, tanto los que forman el gobierno como la oposición, un silencio que se vuelve cómplice y apesta por minutos. Preocupa tener a feministas o a partidos que dicen serlo y que se callan ante algo así.

Zaragoza es mejor, mucho mejor. También las instituciones que lo gobiernan. Un gesto de cordura sería retirar la escultura y empezar de nuevo.

*para Píkara Magazine

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No hay campo o ámbito en donde la mujer no haya sido relegada a un segundo o tercer plano. El mundo de la cultura y las artes no ha sido la excepción. Son muy pocas las mujeres que han logrado ocupar un lugar preponderante, esto claro está, no se debe a una falta de talento o disciplina sino más bien a las dificultades que deben enfrentar a la hora de entrar a ese mundo.

Si hacemos un repaso histórico podemos observar que la presencia de la mujer en el mundo de las artes estuvo relacionado más bien con ser la musa o modelo de grandes artistas, pero no siendo la creadora. En un principio sólo se pudo convertir en protagonista activa a través de la creación de objetos funcionales directamente relacionados con las tareas domésticas que debía realizar tales como la cerámica, telares, bordados, tapices, etc. Por eso durante siglos el aporte femenino a las artes fue encasillado en un nivel inferior denominado artesanías.

Son muy pocas las que pudieron llegar a desenvolverse como artistas directamente y sin esconderse. Como bien dijo Virginia Woolf lo más probable es que la mayoría de los autores anónimos fueran mujeres. Jane Austen es un ejemplo de ello, hoy es una de las autoras más conocidas en el mundo, pero al momento de publicar sus obras debió utilizar un seudónimo ya que era impensado que una mujer de su posición pretendiera ganarse la vida con sus relatos. La gran mayoría de las obras realizadas por mujeres en épocas pasadas no podían ser consideradas más que como un pasatiempo, jamás una ocupación real o una forma de vida.

No solo ha sido difícil el desarrollarse como artistas sino que también obtener el merecido reconocimiento. Es por todos sabido que Gabriela Mistral recibió el premio Nobel antes que el nacional y tanto su figura e importancia quedan eclipsadas por la de otros escritores. Por su parte, Violeta Parra nunca ha obtenido el prestigio que le corresponde, se le suele retratar como una mujer que sufre por culpa de un amor no correspondido por lo tanto decide quitarse la vida. Ella fue mucho más que eso, un ser humano mucho más complejo y completo, lo cual dejó plasmado en su obra. Lamentablemente esto no es lo que se suele destacar.

La ausencia de figuras femeninas no puede ser atribuida a la falta de talento o disciplina. Hay múltiples factores que han provocado esto. Lo primero en la lista es la escasa o nula educación que recibieron durante siglos. En la antigüedad, la instrucción que recibían las mujeres estaba dirigida a la enseñanza de las labores domésticas, sólo en pocas civilizaciones como la Espartana existía igualdad de enseñanza en ambos géneros. Al pasar a la Edad Media esto comenzó a cambiar pero de forma muy limitada como lo plasmó Erasmo de Rotterdam: “la finalidad de instruir a las mujeres es para hacer de ellas hijas y esposas devotas y sumisas”. Lo que claramente no dejaba espacio ni les entregaba las herramientas para que  pudieran desarrollarse en otros roles. Con el paso de los tiempos los campos de instrucción femenina se fueron ampliando pero se mantenía la misma finalidad doméstica o a lo más se buscaba que la joven pudiera convertirse en una esposa capaz de entretener al futuro marido con sus habilidades musicales o pictóricas.

Si no contaban con una educación eficiente no era posible que las mujeres fueran capaces de desarrollarse en el mundo del arte. Cómo sería esto posible si prácticamente se les mantuvo analfabetas durante siglos. Si bien la falta de educación es la primera barrera que debieron sobrepasar, la multiplicidad de labores que deben enfrentar no les facilita para nada la tarea. Para una mujer resulta muy difícil compaginar los múltiples roles que debe asumir, como esposa, trabajadora o madre. Un bebé llorando no puede esperar que la madre termine de escribir una página. Silvia Plath es un ejemplo de ello, en sus letras podemos apreciar como plasmó lo duro que resultaba para ella conseguir ese equilibrio. Fue una mujer que sufrió la presión de querer ser escritora, madre y esposa todo al unísono. Su amigo y confidente Ed Cohen le advertiría que sería imposible para ella dedicarse a su carrera y criar una familia al mismo tiempo, ya que el marco social en donde ella se desenvolvía no se lo permitiría.

Mientras el hombre puede estar horas encerrado en su estudio dedicado a la creación confiando que su esposa cuidará de la familia, la mujer no cuenta con esa red de apoyo. Hacer un repaso histórico sobre la presencia de artistas femeninas nos deja un sabor amargo al ver como la ausencia y exclusión son una constante. De hecho hace un año atrás, Diamela Eltit escribió una columna en donde gráfica como muchas de las escritoras chilenas han quedado olvidadas y con poco reconocimiento. La obra de Rosario Orrego termina perdida en el olvido al lado de Alberto Blest Gana a pesar de ser contemporáneos y plasmar el mismo ambiente post colonial.

El camino para las mujeres artistas fue difícil, es difícil y probablemente lo seguirá siendo, pero a pesar de todo, ha existido una Frida Kahlo, una Doris Lessing, una Camille Claudel. Un reconocimiento a todas las que han logrado pasar a la historia, pero sobre todo a las que han quedado injustamente marginadas, en el olvido. Lo importante es que seguirán naciendo niñas que no se conformarán solo con el pedacito de cielo que pueden ver desde sus ventanas, irán por más, de nosotros tanto hombres como mujeres depende que las nuevas generaciones no tengan que esconderse y puedan desarrollarse en plenitud.

*Artista y feminista chilena. Artículo originalmente publicado en Las Simones

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