Por César Saravia / Fotos Prensópolis

En el corazón de Almagro se encuentra Casa Teatro Estudio. Visité la sala por primera vez para ver Las Despedidas que se presenta por segundo año consecutivo. La sala es acogedora, fiel al imaginario de salas donde se practica la expresión corporal y que forman parte del circuito cultural de Buenos Aires.

Al inicio la obra nos muestra a Zoilo Garcés y Natalí Lipski interpretando una escena clásica de teatro, una situación de amor y muerte, al estilo Romeo y Julieta. Hasta ahí el espectador siente que la obra apunta a un lugar conocido, familiar.

Pero será ese el único momento predecible. La aparición de la figura de la profesora (Julieta Koop) rompe rápidamente con esa primera impresión. A partir de ahí, el espectador es llevado a través de una sucesión de escenas que abandonan la linealidad narrativa. Una obra dentro de una obra, que se va construyendo en capas, donde el sentido se construye por asociación y no dentro de una relación causa y efecto.

Las Despedidas entonces se presenta no como una historia, sino como un collage. Escenas continuas, repeticiones, diálogos que los actores reinterpretan, historias individuales que se difuminan hasta volverse una sola. Quizás la construcción colectiva de esta obra encuentra aquí su potencial, una historia que es muchas historias, una temporalidad de muchos tiempos.

El disparador escénico de la obra es una situación de clase, probablemente universitaria o de un taller independiente. La obra no cierra ese sentido. Pero sí se anima a poner en tela de juicio el proceso pedagógico. Aspectos como “quien enseña no actúa”, “la búsqueda propia” o “¿para qué narramos?”. Son permanentemente puesto en tensión.

Para quienes habitan el mundo del teatro (o son cercanos a él), la obra pronto se vuelve familiar. Mantiene el foco en que no existe una sola experiencia teatral, sino que cada desarrollo escénico es también una búsqueda personal e híbrida donde se articulan distintas cosas.

La obra es así, compleja pero popular, como señala “la profe” en uno de sus diálogos, una mirada que Ariel asocia a Barthes y su interpretación de la obra de Brecht. Esto lo logra mediante el humor que juega un papel fundamental y que invita al espectador a sumarse al juego de armar su propio collage respecto a lo que ocurre frente a sus ojos.

La obra es el resultado de una residencia de creación en el Teatre Nu en Sant Martí de Tous (España), al final de la cual estrenaron una primera versión de la obra en enero de 2025. El proyecto surge del encuentro en la Bienal de Arte joven en que convivieron Julieta Koop y Danae Cisneros con Ariel Bar-On y Zoilo Garcés. A este proyecto se sumaría posteriormente Natalí Lipski quien es parte del grupo actual.

Se trata de una obra divertida y desafiante, con actuaciones que logran invitar al público a formar parte de esta búsqueda por construir este collage, fragmentado y superpuesto. Como en las despedidas, lo que nos queda no es la cronología de los acontecimientos, sino la manera en que nos atraviesan.

Sobre Compañía el Asombro

Natalí Lipski (izq), Julieta Koop, Zoilo Garcés y Ariel Bar-On, viven y trabajan en Buenos Aires. Se conocen hace más de 10 años por haber compartido procesos de formación y entrenamiento actoral en los espacios Bravard, Los Vidrios y Zelaya.

Ariel Bar-On y Zoilo Garcés realizaron por nueve años la obra “Fragmentos del ensayo sobre un pacto pacto frustrado como compensación simbólica de la miseria cotidiana dentro de un sistema resultadista que no concibe como valor de cambio a un material intangible”, con la que ganaron la Bienal de Arte Joven 2022. Julieta Koop formó parte a su vez de la misma Bienal con “Vivir en una casa prendida fuego”, obra con la que realizó funciones desde 2021 en Buenos Aires, Barcelona y Madrid, y que formó parte del Festival Surge (Madrid) en octubre de 2025.

En esa instancia de encuentro en la Bienal, descubrieron un modo común de pensar la escena y los procesos creativos. Posteriormente se incorporó Natalí Lipski y así terminaron de conformar el

equipo que daría nacimiento a la Compañía El Asombro, en febrero de 2023.

La compañía propone un teatro con una fuerte impronta puesta en la dramaturgia del actor / actriz, que considera las condiciones reales de producción como soporte y como excusa para la creación.

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Por César Saravia

Escrita en 1972, No yo (Not I), de Samuel Beckett, es traída a escena en la dirección de Marcelo Allasino, con actuaciones de Agostina Prato y Paulo Livieri. La obra renueva la pregunta por cómo y quién puede hablar, con el dolor como expresión que atraviesa el diálogo en donde solo queda la boca suspendida.

La obra se divide en dos partes. La primera se presenta como una suerte de antesala a la dramaturgia original de Beckett, en que observamos a la actriz (Agostina Prato) y al actor (Paulo Livieri), que se incorpora como personaje para esta versión. La imagen y los dispositivos escénicos, incluyendo la proyección visual de un exterior, así como el vestuario trasladan rápidamente a los espectadores a una situación de encierro, sometimiento, en que el poder masculino impone, pero que al ser abierta permite al público configurar sus propias conjeturas sobre la obra.

En esta primera parte, el movimiento alrededor del escenario tiene relevancia y el rol de los cuerpos, a diferencia de la segunda, es mayor. Esta decisión de mostrar un contexto previo funciona muy bien porque permite a quienes miran la obra entrar en el código teatral de forma más progresiva.

En la segunda parte, aparece en toda su potencia la poética. Una boca despojada de cuerpo sobre un fondo negro, una voz que se libera. Lo que antes era silencio pasa a transformarse a una algarabía de palabras, una explosión de sentidos a través de una poética preciosa, existencial, cuya textualidad es difícil de acompañar, pero que se compensa con una serie de registros vocales y visuales que llevan la experiencia del habla mucho más allá de las meras palabras. 

En este sentido, la tecnología permite alcanzar otros registros sonoros y visuales, tanto íntimos como perturbadores. Durante varios momentos de la obra, la boca parecía salir del escenario. En palabras del director multiplica esa separación (cuerpo – boca). La boca aparece amplificada, replicada, intervenida, como si ya no perteneciera a un único cuerpo, sino que circulara a través de distintos mecanismos de reproducción. 

Por supuesto, nada de esto funcionaría sin la interpretación de un papel desafiante y exigente que demanda mucha energía física, vocal y emocional. A cargo de Agostina Prato, la combinación de estos elementos potencian una actuación llena de entrega. El habla se presenta frente al público como una potencia liberadora que se transforma en voz colectiva. 

Ficha técnico artística

Autoría: Samuel Beckett
Actúan: Paulo Livieri, Agostina Prato
Diseño de vestuario: Uriel Cistaro
Diseño de escenografía: Salvador Aleo
Realización de escenografia: Agustin Valle
Realización de vestuario: Titi Suárez
Video: Mateo Milione
Cámara: Mateo Milione
Cámara En Vivo: Mariano Alexion
Sonido: Nicolás Diab
Diseño De Iluminación: Marcelo Allasino
Diseño De Video: Santiago Cupi, Mateo Milione
Fotografía: Luzmaira Leiva Maldonado
Asistencia de dirección: Ann Carrera
Prensa: Prensópolis
Producción ejecutiva: Lalo Moro
Dirección: Marcelo Allasino

Duración: 40 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

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Por César Saravia Fotos Corredyle Prensa

¿Son realmente nuestros los sueños? ¿Quién sueña por nosotros cuando soñamos?
Estas y otras preguntas atraviesan Nosotros (el remate final), la obra de objetos presentada por Cuerda Floja Teatro, que expone las relaciones laborales y emocionales dentro del capitalismo de plataformas, y el modo en que este sistema produce nuevas subjetividades.

El protagonista, Eduardo, es un inversor inmobiliario y coach que encarna la promesa de la superación personal y la utopía (o distopía) capitalista. A través de él, la obra nos interpela: ¿cuánto de ese sueño es propio, y cuánto nos ha sido impuesto?

La obra combina objetos, títeres, máscaras y proyecciones en una puesta que tiene algo de futurista y algo de distópico. La iluminación y los dispositivos escénicos construyen un clima tenso, donde se enfrentan la dominación y los gestos de resistencia, un pasado que resiste y un futuro que amenaza con devorarlo todo lleno de ambición.

Protagonizada por Leo Volpedo y Javier Swedzky, Nosotros (el remate final) transita entre la fábula y la denuncia, con una mirada crítica y poética sobre el modo en que el capitalismo ha colonizado incluso nuestros sueños. Una obra que no solo busca describir, sino inquietar. O mejor dicho, hacernos despertar.

Se presenta todo los viernes de octubre a las 20 horas.

Centro Cultural de la Cooperación sala Leónidas Barletta –

Avenida Presidente Roque Sáenz Peña 943 – CABA

Ficha técnica

Actores 

Javier Swedzky ( Paloma y Oso) @javierswedzky
Leonardo Volpedo (Eduardo y Paloma)

Diseño de Escenografía: Laura Cardoso @lauric_zone 

Diseño de Espacio y Luces: Adrian Murga @murga70 

Diseño de Vestuario: Laura Cardoso

Música: Leonardo Volpedo @leovolpedo 

Dramaturgia y dirección: Leonardo Volpedo

Producción: Cuerda Floja Teatro

Duración del espectáculo: 50 min

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Por César Saravia / Fotos  Lucho Olivera

Hablar de los noventa en Argentina es hablar de una década marcada por la reforma neoliberal, con la convertibilidad como bandera, y con la televisión como principal dispositivo de un cambio cultural profundo. Detrás de los jingles e imágenes que destacaban el éxito individual, la espectacularización de la vida y la banalización de la política, se edificaba el sueño de un país luminoso y moderno. Un sueño del que nos despertamos de golpe.

Pero en esa Argentina del glamour y el derroche también existía otra: la del desempleo, el costo de vida elevado, la discriminación y la pérdida de derechos sociales. Y también, la de la organización comunitaria, la solidaridad, los saberes populares y las abuelas del barrio que sostenían una sonrisa cargada de dignidad. De eso —y de otras cosas— nos habla Cruda, hija de los noventa.

Escrita e interpretada por Nahir Sánchez Romero y dirigida por David Gudiño, la obra cuenta la historia de María Jimena, “la Jime”, inspirada en la infancia y adolescencia de la propia autora. Una narración que transita entre la estratósfera y la inminencia de una invasión, donde lo íntimo y lo político se entrelazan con humor, sensibilidad y memoria.

En Cruda conviven la comedia musical, la sátira y el teatro documental, una mezcla que permite romper moldes y poner en cuestión los estereotipos sobre las villas, los noventa y la crisis del 2001. La obra cuenta además con la banda Villera VIP, que interpreta canciones originales y recorre algunos de los géneros más populares del país.

El resultado es una pieza honesta y profundamente argentina: una obra que busca ser el reflejo de un país, pero también un espejo, en el que nos miramos y recordamos quiénes somos. 

La obra se presenta en Teatro el Alambique, Griveo 2350
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Funciones:

Sábado – 21:00 hs – 18/10/2025
Jueves – 21:00 hs – 06/11/2025
Domingo – 19:00 hs – 16/11/2025

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Ficha Técnica

Dramaturgia: Nahir Sánchez Romero

Actúan: Nahir Sánchez Romero

Vestuario: Yésica Quiroga

Estrategia De Comunicación: Estefania Antonela

Maquillaje: Yésica Quiroga

Redes Sociales: Estefania Antonela

Músico En Escena: Sebastián Bistolfi, Fernando López, Leandro Paladini, Mariano Quintana

Música: Villera Vip

Letras de canciones: Villera Vip

Fotografía: Lucho Olivera

Diseño gráfico: Cristian Laureano

Asistencia De Producción: Paula Sanchez

Prensa: Prensópolis

Producción ejecutiva: Rodrigo Bistolfi, Fernando López

Producción general: Paula Peralta Piontti

Director musical: Luciano Huarte

Dirección general: David Gudiño

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Por César Saravia 

El pasado martes dos de septiembre se estrenó: La calle está llena de gente inmortal, en la sala NüN Teatro Bar, del barrio de Villa Crespo. 

Se trata de un unipersonal protagonizado por Sharon Luscher, con dramaturgia de Natalia Anselmi, en la que el presente y pasado dialogan desde el cuerpo y la escritura como forma de interpelar el tiempo. 

La obra retoma los escritos del diario íntimo de Vilma, una jubilada durante el menemismo que encuentra en la escritura una forma de batallar contra el olvido. 

A nivel puesta de escena, la obra cuenta con dispositivos escénicos que facilitan una búsqueda corporal de la actriz por habitar un cuerpo futuro. Se trata de un dispositivo en que destaca, en palabras de la directora, un intento de separar los lenguajes, un vínculo de no correspondencia entre lo sonoro y lo visual, utilizando el collage y el distanciamiento brechtiano como referencias compositivas.

La actuación de Sharon destaca en registros amplios, que permiten empatizar rápidamente con Vilma, apoyándose de soportes digitales y sonoros, que habilitan el diálogo entre pasado y presente, pero también entre otros géneros, como el cinematográfico. 

Traer y ver esta obra en el actual contexto, en que los jubilados nuevamente ocupan un lugar central al frente de la lucha contra el ajuste y la precarización de la vida, es fundamental. Es en ese terreno de memoria de lo público donde emergen figuras como Norma Plá, quien va a tener un impacto clave en la vida de Vilma, que son también la historia de la resistencia del país y de su clase trabajadora. Esta obra, señala Natalia Anselmi, se enmarca en una comprensión del rol de la cultura: amplificar la vida e invocar y ejercitar el músculo de la memoria colectiva.

Ficha técnico artística

Idea Original:
Paula Illane
Dramaturgia:
Natalia Anselmi
Actúan:
Sharon Luscher
Voz en Off:
Irene Desperes
Diseño de vestuario:
Cecilia Zuvialde
Diseño de escenografía:
Cecilia Zuvialde
Diseño sonoro:
Facundo Coria
Visuales:
José López Ruano
Diseño De Iluminación:
Jessica Tortul
Fotografía:
Verónica Zacayan
Diseño gráfico:
Nicolás Mauro
Mastering De Audio:
Lucas Forte
Asistencia de dirección:
Alejandro Agustin, Macarena Orueta
Supervisión dramatúrgica:
Ignacio Bartolone
Diseño de movimientos:
Macarena Orueta

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Por César Saravia/Fotos Prensépolis

Durante julio y primeros días de agosto se presentó en Argentina (dos funciones en Buenos Aires y una en Córdoba) Queerass(é): Acto 1. Cánticos de un cuerpo sin género, protagonizada por Mau Cugat, quien vive en Francia y que aprovechó su paso por el país para mostrar parte de su trabajo.

La segunda función, en Nos en Vera (Vera 1350, CABA), una sala ubicada en el barrio de Chacarita. Al fondo, en una sala en el galpón, con una disposición circular que facilitaba la cercanía, se desplegó la obra en la que la artista hizo gala de un despliegue de recursos corporales, con registros que combinan elementos de la danza, el circo, el teatro, la poesía y hasta las artes plásticas.

Se trata de una obra profundamente sensitiva, en donde lo visual trabaja para generar una experiencia que te mantiene todo el tiempo en un estado de atención y asombro. La actuación se desenvuelve debajo de un anillo circular de luz, valiéndose de dispositivos escénicos mecánicos, del que participan personas que acompañan este despliegue.

Pero la experiencia no solo pasa por lo visual, también se genera un juego sonoro bien trabajado que permite en algunos momentos una experiencia fragmentada del texto que la artista declama al inicio de su intervención. A modo de manifiesto de un cuerpo que se libera, un cuerpo que deja de ser atadura, un cuerpo frágil, a decir de Sara Ahmed, un nombre que no define “No soy mi nombre y tú no eres nadie”.

Ficha Técnico Artística

Creación y performance: Mau Cugat

Colaboración musical: Germán Caro Larsen, Milo Cabezas (Argentina)

Colaboración iluminación: Yann Le Roux

Producción: Les Thérèses

Producción gira: Florencia Schrott

Prensa: Prensópolis

Duración: 45 min

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Marcha charló con Gerardo Cardozo, director de escena y coordinación de Ópera Periférica, una de las obras que se presentará durante esta sexta edición.

¿Cómo surge el Colectivo Ópera Periférica y cuál es la propuesta que traen?

El proyecto surge en el año 2015 como mecanismo de expansión de las propias prácticas de su director y fundador Pablo Foladori.

Ópera Periférica produce artefactos escénicos y musicales desprovistos de sesgos eurocéntricos y clasistas, propios del género operístico. En esa praxis surgen espacios de investigación transdisciplinar y un trabajo con nuevos públicos, nuevas tecnologías, comunidades y territorios. Nuestras obras son capaces de re-legislar modos de producción y subvertir jerarquías establecidas sobre lxs cuerpxs y materialidades. A partir de estas disputas generamos diálogos  y colaboraciones inesperadas entre prácticas artísticas

¿Qué veremos en Oratorio de Guerra, Capítulo 3? 

Oratorio de Guerra es una oportunidad de ver artistas que no podrían convivir en una misma obra, es una forma de ofrecer, desde la interdisciplina y la indisciplina,   una manera de habitar con ternura el espacio y el tiempo escénicos.

Como resistencia a la atomización, a la violencia,  a la negación del otro, al miedo y a la censura, el oratorio de guerra propone una forma distinta de manifestación, de reclamo, de humor  y por qué no, una gestión más solidaria respecto de la crueldad que provoca el intento de destrucción de nuestros universos simbólicos.

El Oratorio de Guerra convoca y pone en funcionamiento  prácticas artísticas muy diversas que tejen un entramado comunitario que es de una potencia singular y que se completa junto con el público.

¿Cómo fue el trabajo de producción de esta obra?

Con el comienzo de la era libertaria y, a partir de los recortes que se dieron en cultura, educación , salud, me  fui encontrando durante las marchas  de protesta con colegas que conocía de distintas prácticas artísticas. Esas marchas organizadas por columnas me permitieron pensar en un oratorio , en un tiempo y en un espacio escénico compartidos y con una organización en columnas de artistas que sostuvieran un discurso y una performatividad que fueran capaces de resistir esta era de la crueldad.

¿Qué representa hacer esta obra en este contexto social y político más hostil con las disidencias?

Hay un concepto que funciona como sinécdoque del oratorio y es la idea de un barroco de trinchera.Por eso oratorio es barroca en su economía escénica   y en su performatividad precaria: porque la desmesura barroca y lo inestable de su modo de habitar el cuerpx guardan y encienden una potencia política que estamos disputando en este presente facista. El domingo pasado en el abrazo al INT la policía de la ciudad desplegó un operativo represivo, hoy en frente al congreso se escalará esa performance en manos del aparato represor del estado con las luchas agrupadas, el oratorio es una respuesta a esas disputas en clave de grito de Guerra. Somxs una cuadrilla barroca.

Podés adquirir entrada para esta y otras obras en Ciclo Konex

FICHA ARTÍSTICA

Oradorxs: Pancho Casas Silva- Georgina Orellano – Juan Sola- Liliana Viola- Luki la puti y oradorx invitadx

Guerreras: Nube – Jorge Thefs –  Ely DD

Lloronas: Patricia Villanova – Ariel Osiris – Luz Matas – Natalia Di Cienzo- Florencia Bergallo- Vico Roland

Artista invitada:  Maiamar Abrodos 

Músico invitado: Evar Cativiela

Performer invitado: Juan Onofri

Ensamble vocal: Silvina Suarez  – Pablo Foladori –  Miguel Ángel Perez – Lautaro Chaparro – Luz Mattas – Patricia Villanova – Carolina Bejar – Sofía Drever – Annanda Samarine- Elisa Calvo

Música y producción para guerreras: Kuo

Interpretes en vivo: Piyi – Gracia Fernández

Remix: Franco D´

Percusión:  Remisería Temperley 

Video: Martín Aletta – Florencia Zunana

Asistencia: Leni 

Diseño y dirección de Iluminación:  Marlon Ze

Ensamble instrumental:

Flautas: Lucila Crosman/Gustavo Giménez/

Marina Ríos

Oboe: Victoria Amerio

Clarinetes: Roxana Mombelli/Carlos Alarcón Ecos

Fagot: Claudia Pintado

Saxos: Carolina Cervetto/Pablo Fernández

Cornos: Sandra Gounard/Sebastián Villalba

Violines: Belen Reggiani/Daniely Suárez Lacruz

Violas: Iván Pintos/Waldemar Garin

Cellos: Carolina Spasiano/Guido Gonzalez

Percusión: Martín Vijnovich

Dirección de ensamble vocal e instrumental: Mariana Ferrer

Composición musical para coro y orquesta: Guillermo Vega Fischer

Dirección de escena y coordinación: Gerardo Cardozo

Dirección general y dirección de producción: Pablo Foladori

Producción: Ópera Periférica

Prensa Doce Veinticuatro 6º Edición: Prensópolis

Duración: 90 minutos

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Por Jésica Farias y Nadia Fink/ Fotos, prensa de la obra

Siempre guardavidas es una obra de teatro que te abraza, que trae otra mirada sobre las vejeces en tiempos de jubilaciones magras, gases y palazos; y también sobre las masculinidades: los protagonistas son Juanito, un guardavidas retirado que tiene alzhéimer, y su amigo Juárez. Se conocieron en el mar y ahora, muuuchas décadas después, intentan que la enfermedad no se coma los recuerdos, así como las olas a la playa.

Sergio Mercurio es el famoso “Titiritero de Banfield”, que partió del conurbano bonaerense, con sus grandes personajes de espuma, y se fue a recorrer el mundo. Allí fue cambiando su técnica, sumando aprendizajes y ganando premios, para volver con su arte renovado al Chacarerean teatro, en la ciudad de Buenos Aires.

Y en esta obra, lo desplega: actúa en escena, como Juárez, y maneja a Juanito, ese títere de goma espuma de tamaño real, que no difiere en nada a su amigo. La potencia de su voz, la precisión de sus movimientos, los gestos de viejo cansado a veces, de pícaro otras, hacen de Juanito un personaje querible y perdurable.

Dos tipos grandes, con las voces ásperas y los cuerpos cansados, pero en movimiento, comparten historias y cuidados. Y eso sorprende: ¿cuántas veces aparecen dos viejos acompañándose con ternura en escena? Con cariño, vuelven a andar por esos caminos que los llevaron hasta donde se encuentran hoy, al ritmo del 2×4. De ahí surge la pregunta, tan simple como profunda: ¿Qué harías cuando el amigo de toda tu vida comienza a perder la memoria?

Haciendo despliegue de las múltiples facetas, el también cineasta (no olvidemos su documental sobre Garrafa Sánchez, “El Garrafa, una película de fulbo”) se da el gusto de llevar a escena una técnica en vivo: la de dibujar con yerba en una mesa con la imagen proyectada, como si la arena y el mate, la pava y el agua salada fueran amuletos para preservar un pasado que se desdibuja. ¿Sólo para los viejos de esta historia o el temor va más allá y pide resistencia al olvido de nuestra propia historia?

Como en su anterior obra, Viejos, Mercurio recurre a esa etapa de la vida para hablar de lo cercano y lo unicersal. Consultado en una entrevista, el actor contó: “Mi infancia estuvo muy marcada por la presencia de gente vieja. Siempre me siento muy cómodo dialogando con gente mayor. Cuando estoy con ellos creo estar con alguien extraordinario”.

Y para hacer común lo extraordinario, en escena también acompañan Laura Pagés y Amanda Mercurio, mientras que Violeta Mercurio se ocupa de la luz y del sonido.

Una obra para reencontrarse con nuestros viejos queridos. Una bocanada de aire salado y fresco que nos sacude los pelos y los ojos fijos en las pantallas para acercarnos a las palabras dichas entre un mate y una conversación amiga.

La obra puede verse en el Chacarerean teatro, Nicaragua 5565, los martes 3 y 10 de junio.

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Por Sabrina Rey/ Fotos Prensópolis

Carlos Correas fue un escritor, filósofo y profesor argentino nacido en la década de 1930 quien como muchxs de su generación decidió ocultar su verdadera orientación sexual en esos años.

Hasta sus 28 años vivió la vida sin miedo, como ignorante del pensamiento arcaico de la época. La publicación de su cuento “La narración de la historia”, considerado el primer relato homosexual argentino, fue el que lo devolvió a la realidad: lo habían condenado considerándolo obsceno, inmoral y pornográfico.

A partir de ahí, vivir fue sobrevivir.

En Ha muerto un puto, guionada y dirigida por Gustavo Tarrío, Correas es representado por tres actorxs. La bella y dulce voz de Vero Gerez, la inocencia y los guiños de humor a través del piano de María Laura Alemán y la gran actuación de David Gudiño nos sumerge en hilarantes y conmovedores momentos de la vida del escritor, los personajes que atreviesan su vida, que van desde el expresidente Juan Domingo Perón, los escritores Juan José Sebreli y Oscar Masotta, el abogado y conductor de televisión Mariano Grondona, hasta un entonces joven y rebelde conductor de TV como Mario Pergolini.

La obra nos lleva también a reflexionar que incluso en el siglo XXI, y sobre todo en los últimos años, una orientación sexual o una identidad de género “diferente” son motivo de condena, tanto dentro del núcleo más pequeño, la familia, como dentro de la sociedad de la que somos parte.

Elegir vivir como unx realmente siente sigue siendo un acto de valentía, porque tomar la decisión de traicionarnos puede costarnos hasta la vida.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Actúan: María Laura Alemán, Vero Gerez, David Gudiño

Diseño de vestuario y utilería: Paola Delgado

Carpintería: Facundo Varela

Autoría de Canciones: María Laura Alemán

Diseño de Iluminación: Sebastián Francia

Entrenamiento y asistencia de dirección: Florencia Schrott

Fotografía de obra: Martina Perosa

Prensa: Prensópolis

Guión y dirección: Gustavo Tarrío

Funciones: sábados y domingos de febrero a las 20.30hs

Sala: Arthaus Central (Bartolomé Mitre 434, CABA)

Entrada general: $14000 por Alternativa Teatral https://publico.alternativateatral.com/entradas90083-ha-muerto-un-puto?o=14

Duración: 70 minutos

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Por César Saravia

La Bicha, dirigida por Violeta Marquis y protagonizada por Malena Laurent y Sol Zaragozi, es una creación colectiva que nos propone un viaje por un mundo distópico, a través de un melodrama sci-fi, en donde temas como la soledad, el consumismo, el amor, el rol de la mujer en la sociedad y la relación con las máquinas, entran en diálogo para componer una obra que con sentido de humor nos invita a pensar en temas profundos.

Leticia (Sol Aragozi), una ama de casa acechada por su aspiradora, condenada a una vida monótona y de proyectos frustrados encontrará refugio y compañía en la doctora Robinson (Malena Laurente) que trabaja en los márgenes de la medicina.

La escenografía y el vestuario sugieren rápidamente que la obra se desarrolla en un pasado distópico, pero que tranquilamente podría planterse como futurista. Todo esto se sostiene gracias a una propuesta basada en la teatralidad y la convención como en una apuesta por explorar la capacidad imaginativa del teatro, su capacidad de hacernos soñar.

Lxs amantes del cine también encontrarán en la obra el uso de recursos familiares, desde películas clásicas del cine de terror como Frankestein o La Novia de Frankestein, pasando por la narrativa de Wes Anderson y la más reciente película de Yorgos Lanthimos, Pequeñas Criaturas, protagonizada por Emma Stone, entre otras.

Mención especial merecen las actuaciones y la música de la obra, que permiten una conexión íntima con el público y facilitan el meterse y generar simpatía con las personajes.

La obra que recurre a un electrodoméstico tan básico como una aspiradora, puede ser vista también a la luz de debates contemporáneas, en cuanto a la relación de las máquinas y los cuerpos, y esa identidad cada vez más híbrida entre lo tecnoloógico y lo humano.

Pero también da lugar a la ternura, al amor. Y es que la obra trae consigo un mensaje de que frente a los ojos de quienes nos quieren, siempre somos excepcionales. A lo mejor eso se explica desde el vamos, en un proyecto colectivo y hecho entre amigas.

La Bicha se presenta a partir del 9 de noviembre, en única 4 funciones: los sábados a las 17hs en Caras y Caretas 2037 (Sarmiento 2037, CABA) con entrada general a $14.000 (descuentos a estudiantes y jubilados) por Alternativa.

FICHA TÉCNICO ARTISTICA

Autoría: Malena Laurent y Sol Zaragozi

Actúan: Malena Laurent y Sol Zaragozi

Vestuario: Malena Laurent

Escenografía: Nazarena Cofferati

Diseño de luces: Rodo Eversdijk

Fotografía: Anabella Sarrias

Colaboración artística: Luna Schapira

Músico: Sebastian Sonenblum

Dirección de movimiento y coreografía: Fioreya

Prensa: Prensópolis

Producción: Antonella Fagetti

Dirección: Violeta Marquis

Agradecimiento: Eugenio Scholnicov

Funciones: Sábados a las 17hs (a partir del 9 de noviembre)

Sala: Teatro Caras y Caretas 2037 (Sarmiento 2037-CABA)

Entrada general:  $14.000 (descuentos a estudiantes y jubilados) por Alternativa.

Duración: 60 minutos

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