Por Pablo Flores. Fotos Nacho Arnedo y Martin Cornejo

Boyacá, Juan Agustín García, Gavilán y San Blas son las cuatro calles que rodean al Estadio Diego Armando Maradona. Cae el sol de sábado por la tarde en el corazón de la Paternal y las inmediaciones de la cancha se van poblando. Esta vez no juega “el bicho”. Por un par de horas el barrio cede un pedazo de su espacio y de la identidad futbolera para que Divididos muestre un poco de su intimidad en un lugar grande. 

La Plaza de Pappo fue el punto de partida para calmar las ansiedades. Latas de cervezas, jarras improvisadas con botellas de plástico, algún humo y una parrilla en el pavimento. En Divididos nada es casual. Cuando Ricardo Mollo escuchó por primera vez Pappo ‘s Blues Volumen uno en el año 71’ se preguntó: “¿Esto se puede hacer en Argentina?” Había comenzado la gran pregunta. A tocar la guitarra entonces.

Tampoco fue una casualidad el arranque con Cajita musical. Antes de los primeros acordes las pantallas proyectaban la marcha del tren San Martín. Sí, ese que va de Retiro a Pilar. Pero el viaje comienza en Hurlingham. Con un guiño a Sumo y a Luca, una chica se dispone a escuchar en su walkman el cassette de Sumo, After chabon. Suena Mañana en el abasto y la primera emoción de la noche se hace presente. El viaje termina en la Paternal y el bajo de Arnedo empieza con la base. El gran ensayo de encontrar la eternidad. ¿Ya la habrán encontrado estos tipos? 

Poca duda hay sobre si Ricardo Mollo está dentro de los mejores cantantes del país. Se construyó a fuerza de voluntad y trabajo. Porque él era un guitarrista que tuvo que aprender a cantar. Ese aprendizaje comienza en el 87’. Era el 10 de octubre y Sumo tocaba esa noche en el Estadio Obras. Por la tarde estaban probando sonido y empieza a sonar la línea de bajo de Estallando desde el océano. Luca camina por el escenario. Da vueltas. Una cámara lo sigue. La canción empieza a tomar cuerpo y el cantante tiene que tomar la posta y hacer lo que le corresponde: cantar. Pero el cantante no toma la voz. Mollo lo mira. Pero el cantante quiere cantar. De repente, con un deformado inglés, el guitarrista deviene en cantante. Ricardo está cantando. Luca lo mira y sonríe. Mira a la cámara y vuelve a sonreír. Mueve la cabeza con un ligero movimiento hacia abajo. Sonríe, mira al guitarrista y vuelve a mirar a la cámara. El cantante aprueba al guitarrista que con el tiempo tendrá que pensar a tomar la voz, pero también la palabra. ¡I’m bursting out of the ocean!

 Pasaban los años y tomar la voz pesaba. El guitarrista que ahora cantaba terminaba los shows disfónico. Comienza a frecuentar a una profesora de canto. Susana lo escucha por primera vez: ¡Querido no tenés que cantar más así! 

 La potencia no está en gritar sino en agrandar y elevar el caño. Ricardo aprendió. Quizás el Fantasio, el noveno tema de la noche, fue la bisagra en la forma de cantar de Mollo. Ahora su voz tiene cuerpo y volumen, dijo en una entrevista. La voz ya no pesa. Su interpretación del Arriero, escucharlo sólo con una guitarra o a capella son algunas muestras de ese cambio. Todo aquello que empezó en Obras se transformó. 

 El viaje en tren a Paternal venía con guiños y pasajeros invitados. Los bajos de Javier Malosetti y Machi Rufino se sumaron  al de Arnedo para una versión a tres bajos de Despiertate nena. Un trío de bajos lo suficientemente intenso como para que miles de personas puedan despertar emociones a partir de las vibraciones que reciben en sus cuerpos. Magnetoterapia la definió el Cóndor.

 Claudio, el Tano, Marciello se sumó con una acústica para homenajear a Ricardo Iorio con Se vos, canción que Almafuerte grabó en el año 98’ y Mollo llevó a cabo la producción. “Aguante la universidad pública” gritó Mollo al finalizar el solo del Tano. 

 Avanzó la lista de temas y Marciello volvió al escenario. Esta vez con una guitarra eléctrica colgada. Tambien se sumó Alambre Gonzalez – el mejor guitarrista del país según Mollo- y  su guitarr. Tocaron los tres Sucio y desprolijo. Un trío de afiladas cuerdas y riffs poderosos como lo hacían en los 70’ por el Oeste. El Carpo contento de que le llenaron de rock su barrio.

La cúspide de la tocada llegó cuando entre los micrófonos de Diego y Ricardo se acomodaron cinco màs. Uno al lado del otro. Willy Bronca, Nadia Larcher, Facundo Toro, Adriana Varela y León Gieco, algunos con una caja andina, se subieron al escenario en ese orden. La escena era una amalgama de artistas de diferentes estilos pero, sobre todo, generaciones. De fondo se escuchaba el bombo de Catriel con dos golpes secos repetitivos para marcar el tiempo. Los que tenían las cajas lo seguían. En la pantalla apareciò el rostro de la negra Sosa y su voz de fondo que decía:

Venga m’ hijo hoy le e’ de hablar de un tema tan cotidiano que ni usted ni sus hermanos se han detenido a pensar. Y es por costumbre nomás. Por haber nacido aquí, por venir de una raíz marginada de hace tiempo y contemplando en silencio lo que pasa en el país.

 Divididos estaba tocando El embudo (homenaje a la Patagonia), canción escrita por Marcelo Berbel. En el 99’, en una entrevista, Mollo dijo que es necesario abrir la boca cuando algo te parece que no está bien. En la noche de la Paternal, Divididos se dispuso a denunciar los destinos de la patria a base de RIGI, deuda externa y mandato exportador, con la música: “No se me quede asombrado si le digo que en el gas van muchas cositas más con variadas propiedades que enriquecen otros lares y empobrecen los de acá”

Un Willy Bronca con una remera que decía “educación pública siempre” comenzó a disparar sus verdades con un lenguaje propio que aprendieron a usar como forma de expresión los pibes y pibas de su generación. La libre improvisación del rapero de Moreno despertó la ovación de miles por la carga política de su mensaje.  

 Finalmente, Sumo. Porque Sumo siempre está. Y Luca también. El enganche de la Rubia tarada con ¿Qué tal? Luego Nextweek y el final con el Ojo blindado. 

 La noche estaba llegando a su fin. Aquello que comenzó con guiños al barrio, a Pappo, a Maradona y Sandro estaba teniendo su último capítulo. Los guiños continuaron toda la noche, sobre todo por las remeras de Catriel: una del Diego gritando un gol con la camiseta de Argentinos y la otra con la cara de Norma Plá en el pecho y en la espalda la frase: “la única norma a seguir”. Porque por los lugares donde pasa Divididos hay que cargarlos de sentido. Hay que contar una historia, recopilar hechos y personas en un hilo narrativo que sintetice el efecto de las causalidades más contradictorias. Porque ahí radica la belleza de las cosas.

 Ante la aceleración social reinante, la inmediatez de los mercados, la moda y la búsqueda de la novedad, Divididos suspende el tiempo. Proponen un espacio para volver a pisar los lugares que ya estuvimos. Lugares que son emociones sentidas y pasadas. También un método que te lleva por un camino con un poco más de verdad. Cuando verdad y método se juntan hay un horizonte de convicción. Ese método y la búsqueda de la verdad los llevó al lugar que ocupan. Y eso no es suerte, sino trabajo.  

Source

Por Pablo Nolasco Flores / Foto Archivo Divididos – Nahuel Carriaga

Tan solo era anunciar un nuevo recital en un estadio del fútbol argentino. Pero Divididos decidió crear una manera de comunicarlo construyendo un hilo argumental con una elevada carga emotiva para anunciar que el 26 de octubre van a tocar en el Estadio Diego Armando Maradona de Argentinos Juniors. Fútbol, barrio, patria y rock and roll. La banda que más metáforas futboleras tiene en sus canciones va a tocar en la cancha donde el más humano de todos los dioses fue realmente feliz jugando a la pelota.

No hay filo, fútbol, drogas. No hay sexo y poder

 17 de marzo de 1991. No había pasado un año de aquellas lágrimas tras la derrota en la final contra Alemania en el mundial de Italia y el Diego recibía la noticia: doping positivo por consumo de cocaína. 

 26 de abril de 1991. Maradona se encuentra en su casa de Caballito. Lo despiertan las cámaras y la policía. Le encuentran merca. Le meten preso y después de pagar una fianza de 20 mil dólares, lo liberan. La revista Gente, la misma que en los 70 le explicaba a las familias como detectar un subversivo y denunciarlo, le dedicó una tapa al caso: La verdad, ¿desde cuando se droga Maradona? 

 14 de mayo de 1991. En Cemento tocaba Divididos. Mientras sonaban los primeros acordes de Leave me alone (Déjame en paz) de Sumo, un verborrágico Ricardo Mollo se despacha:

“Dedicado a la Gente que le hincha las pelotas a la gente grande. O sea, a los que no tienen poder, a los que son de verdad, como por ejemplo el Diego Maradona. Y yo, realmente, lo respeto mucho. Lo hacen mierda en una revista de mierda. Mientras hay otros tipos que siguen cargando el barquito con la bolsita y lo llevan para Europa. Andá a la puta que te parió. Este tema se llama Dejame en paz (Leave me alone).” (Archivo Divididos NC)

El público comenzó a agitar con un “Diego, Diego” para defender al ídolo popular. El rock se sumaba al aguante que se le hacía a Maradona en todas las canchas. En esos días, La doce cantaba: 

“En la Argentina/hay una banda/hay una banda de vigilantes/que mete preso a Maradona /y Carlos Menem también la toma” 

 Mientras a Maradona lo metían en cana, el poder político y mediático se encontraban metidos en una enorme cantidad de hechos de corrupción. El público rockero y las hinchadas en las tribunas se refugiaban en la defensa del ídolo para cuestionar a un régimen que tardaría diez años en caer, al menos transitoriamente. 

Cleptocracia grita el argentino

 El plan de convertibilidad había entrado en vigencia. El Poder política y económico había puesto toda su fé para eliminar de cuajo a la inflación. ¿El costo? Privatizaciones, endeudamiento y desocupación. 

 Mientras tanto, la familia Menem estaba metida en un caso de corrupción por lavado de dinero y narcotráfico. Constancio Vigil, dueño de la Revista Gente, es descubierto por fraude, utilizaba una franquicia de discapacitados para importar autos de lujo sin pagar impuestos. 

 En ese marco, la clase política utiliza a Maradona como maniobra de distracción. Fernando Galmarini (hoy cuñado de Sergio Massa), secretario de deportes en esos años cuestionó a Diego: 

“Es una mala imagen para el país, una vergüenza para Argentina, y al gobierno le preocupa su mal ejemplo para los niños argentinos”

 Por su parte, Julio Mera Figueroa, ministro del interior se enorgullece de haber metido preso a Maradona, celebrando que en Argentina no hay impunidad. Hasta el mismo presidente Menem se expresó:

“Es un muchacho enfermo que necesita ayuda”

 El Diego se convertía en carne de cañón en los primeros años de un régimen corrupto que montaba sus cimientos para construir el imperio de la pizza y champagne. Cuando la banalidad, la hipocresía y los mercenarios del papel y la tinta se usaban como pantalla para los ladrones de guante blanco, el rock y el fútbol, a partir de Maradona, se convertían en trinchera de resistencia y espacio de impugnación al sistema político.  

Noticia muere al otro día, siempre vive la canción

 En Fùtbol y patria (2002), Pablo Alabarces explica que Maradona es una suerte de significante vacío disponible para ser llenado según quién. El rock argentino empieza a llenar al significante Maradona. Quizás Divididos pateó la primera pelota en ese Cemento del 91.

 Después de 33 años, ya sin el Diego, y a pocos días de su cumpleaños número 64, Divididos anuncia un show en la cancha de Argentinos Juniors. Lo hace construyendo una narrativa popular donde sintetiza a Pappo, Sandro, Maradona y la Paternal. 

 En tiempos de individualismo, de pensamiento débil y falta de significados colectivos, Divididos da un nuevo paso con un relato que recoge lo que está sólido y construye una manera de hacer las cosas que perdura, inspira y sensibiliza. En una época de descarte e inmediatez, lo que dura y se extiende en el tiempo es una manera de seguir resistiendo. Como Divididos. Como Diego.  

Source

Por César Saravia

Con reconocimientos como el Musical Rights Awards del International Music Council, el Global Music Vault del Polo Norte, el Instituto Nacional de Asuntos Indígenas, el Parlamento del MERCOSUR y sus giras por los 5 continentes; la OIANT es un ejemplo de lo que se puede construir en la Universidad Pública: un proyecto colectivo y endógeno a la vez enraizado en la América profunda y en la vanguardia artística.

Sus directores, Alejandro Iglesias Rossi y Susana Ferreres han creado este proyecto en la profunda convicción de “la música como camino de conocimiento”. Esta visión los ha llevado a recuperar los instrumentos autóctonos desde la Patagonia a Alaska y crear carreras de grado y de posgrado donde sus estudiantes pueden profundizar en las músicas, danzas e instrumentos propios de América y crear sus propias obras.

En la Orquesta cada uno de sus miembros es un “artista integral” ya que son investigadores, constructores de instrumentos, escultores de máscaras nativas, intérpretes de instrumentos, compositores, tecnólogos, iconógrafos, y docentes. Bajo esta formación sus miembros han realizado trabajo de campo en comunidades indígenas a lo largo del continente; el Amazonas, los Andes, Mesoamérica, la Patagonia en busca del legado musical y sonoro.  Asimismo, han estudiado y recuperado instrumentos precolombinos a partir de investigaciones en importantes Museos de México, Chile, Perú, Bolivia, Estados Unidos, Argentina, entre otros.

La Orquesta, conformada por docentes y estudiantes de la Maestría en Creación Musical, Nuevas Tecnologías y Artes Tradicionales y la Licenciatura en Música Autóctona, Clásica y Popular de América, comenzará las celebraciones por sus 20 años de existencia en el Centro Cultural Kirchner junto a la Sinfónica Nacional José de San Martín dirigida por Mario Benzecry el Jueves 4 de Julio de 2024 en un despliegue escenográfico con más de 150 músicos en escena donde estrenará una obra de su Director Alejandro Iglesias Rossi.

Source

Por César Saravia

Contame un poco de la historia de la orquesta y cómo se vincula con la licenciatura

La Orquesta de Instrumentos Autóctonos y Nuevas Tecnologías se funda en el año 2004 en la Universidad Nacional Tres de Febrero (UNTREF), dentro del Centro de Etnomusicología y Creación en Arte de Vanguardia Doctora Isabel Aretz. La crean los maestros, educadores, compositores y artistas Alejandro Iglesias Rossi y Susana Ferreres, quienes habían tenido una carrera y una formación en el exterior, principalmente en Estados Unidos y en Francia. En el caso del maestro Alejandro, por ejemplo, recibiendo premios de composición de la UNESCO, de los más importantes de la música académica. La orquesta tiene ya casi 20 años, donde recorrió los cinco continentes, presentándose en infinidad de festivales, teatros, brindando seminarios de la “expertise” de la orquesta, que es la recuperación de los instrumentos autóctonos.

La orquesta parte de la premisa de otorgarle a los instrumentos autóctonos la misma dignidad que tienen los instrumentos europeos de la orquesta sinfónica.  O sea, la dignidad que se merecen porque son instrumentos bellísimos, complejos, sumamente ricos. Así, se realiza un trabajo de recuperación de las fuentes tradicionales del patrimonio material e inmaterial, recuperando los instrumentos, las danzas, músicas, también investigando en museos, en las colecciones arqueológicas o en las prácticas culturales que siguen vigentes.

¿Cómo describirían el núcleo de la propuesta de la licenciatura?

Tanto la orquesta como la licenciatura propone a cada integrante la formación y la puesta en práctica de la concepción del músico integral, del artista integral, que es aquel que debe realizar un ciclo completo dentro del arte.  En la música esto se va profundizando en diferentes vectores como la investigación, la recuperación de instrumentos, de máscaras y de danzas. Se trabaja con la construcción de instrumentos, la construcción de máscaras, luego tocarlos, componer para ellos, sin dejar de lado los instrumentos y músicas actuales. Dentro de este proyecto de la orquesta se crean dos propuestas académicas educativas que son: la Licenciatura en Música Autóctona, Clásica y Popular de América y la Maestría en Creación Musical, Tecnologías y Artes Tradicionales.

La propuesta de la licenciatura va mucho más allá del solo estudiar música y solamente aprender a tocar. Hay carreras de música que están orientadas, por ejemplo, a la composición, a la dirección de coro, a la interpretación y es más específico. Porque cuando es composición, se trata de un tipo de música que tiene raigambre europea, y si es instrumentista, es solo un género, por ejemplo, en música popular pero especializada en folclore o tango.

Lo que tiene de particular esta carrera es que en cuanto a qué música se estudia, aparecen los tres elementos de la música de América, lo autóctono, lo popular y lo clásico. Lo autóctono, haciendo referencia a todo aquello que viene de raíz prehispánica, tradicional, que pueden ser instrumentos musicales, que son testimonios de lo ancestral, o músicas vigentes que también tienen una raíz ancestral. Lo clásico en América tiene sus comienzos a partir de la conquista y de todas las misiones jesuíticas, en donde se fueron formando los primeros compositores, los primeros músicos. Esto de alguna manera nos muestra que en el cómo está contada la historia oficial también influye la música, el pensamiento, la cosmovisión indígena, algo que se observa en esta música nueva creada en el continente a nivel académico. Referentes de ésta es una gran cantidad de compositores como Leo Brouwer, Ginastera, Villalobos, etc. Lo popular, se refiere a la integración de diferentes estilos que han atravesado la historia de nuestro, en cuanto a diferentes migraciones que hemos tenido, desde África, Europa, de culturas como las árabes. O sea, todo eso mezclado con lo indígena y juntado con lo clásico va generando diferentes músicas populares que, aunque pueden ser muy diversas, también están de alguna manera amalgamadas.

¿Por qué estudiar esta licenciatura y no otra relacionada a música?

Quien quiera acercarse a las músicas autóctonas, quien quiera tener libertad para crear con estas expresiones, quien quiera bucear en el misterio y en la creatividad de lo que significa ser un compositor latinoamericano, esta carrera es para esa persona. Yo estudié música en una carrera un poco más convencional y siempre cuento que no podía componer lo que yo quería, sino que tenía que estar bajo un cierto estilo. Esta carrera da mucha libertad, da mucha posibilidad de investigación y de creación de instrumentos que habilita que emerjan creatividades muy originales.

Entiendo que la carrera se da también en modalidad virtual, ¿cómo ven la aceptación afuera de la propuesta?

Tenemos diferentes modalidades.  La presencial, que se dicta acá en Buenos Aires, en Caseros. La carrera es gratis para todos los argentinos y argentinas y para extranjeros residentes en Argentina. Tiene un plan de estudios que es exactamente igual a la de la modalidad a distancia que se brinda para todo el mundo. La modalidad a distancia es una alternativa para personas que viven en otros lugares, que no se pueden trasladar y venirla a cursar aquí. También para quienes tienen trabajos que se les complican por los horarios. Porque la educación a distancia se amolda mucho a ese tipo de horarios porque se brindan muchas clases grabadas, mucho material de lectura, didáctico, es decir, quien opte por esta modalidad tiene muchas posibilidades de hacerlo en diferentes horarios.

Además de la orquesta y la academia, ¿en qué otro tipo de ámbitos puede desarrollarse alguien que decida seguir este camino?

Todos los alumnos y alumnas, tanto de la educación a distancia como presencial, pueden hacer pasantías en la orquesta que les ayude a profundizar más todavía en la propuesta de la licenciatura. Nosotros de hecho tenemos muchas pasantías de estudiantes que están unos meses, hacen su experiencia y se enriquecen mucho. Todo en lo presencial, por supuesto, y también hemos tenido casos de algunos a distancia. El año pasado, por ejemplo, vino una de las alumnas dos meses y ensayó con nosotros y también se fue de gira, así que fue una experiencia que funcionó muy bien.

El egresado o egresada de la licenciatura se puede desarrollar y especializar en lo que a esa persona más le guste, porque justamente al ser muy integral hay muchas propuestas dentro de la carrera. Uno puede crear composiciones para películas, para ensambles, tocar, profundizar en su camino intérprete, como compositor, porque la carrera te da muchas herramientas para eso. Pero también puede profundizar y terminar trabajando como luthier, por ejemplo, tenemos alumnos y alumnas que ya están a punto de egresarse que son luthier y que trabajan de eso. Te permite trabajar en muchas cosas más.

Para conocer más de la carrera e inscribirte: Inscripciones a la licenciatura tenés hasta la segunda semana de agosto.

Source

Por Pablo Nolasco Flores

¿Cómo pudo hacer una banda compuesta por un cantante italiano, un marinero devenido en guitarrista, un bajista inexperto y una baterista inglesa para empezar a tocar y en dos meses llegar a un estadio con miles de personas y después ganarse un lugar en el underground porteño? Tocar en el Café Einstein y Cemento, pasar por el teatro Astros (¿la cresta de ola?), festivales, Vélez y hasta llegar a Obras.

Los primeros dos años de Sumo fueron los más interesantes, experimentales y subversivos Animarse a derribar, cuestionar o problematizar lo que se dice y lo que está escrito. ¿Hasta qué punto nos sirven los mitos para comprender lo que realmente sucedió? ¿Y si es mejor abandonar el lugar común de mito y leyenda para comprender lo no dicho?

Abordar esos primeros dos años de la banda quizás brinden algunas luces para comprender lo posterior. Y para iluminar habrá que empezar por un nombre no tan conocido, o conocido pero oculto: Juan Carlos Carner, productor de Sumo de esos primeros años, quien llevó a la banda a tocar en la cancha de Estudiantes de Buenos Aires el 20 de marzo de 1982. Sí, en el festival ese que supuestamente Luca invita a Pappo a una carrera bebiendo vodka o ginebra hasta Rosario.

El estado del arte de la historia de Sumo dice que el Festival Rock del Sol a la Luna fue el bautismo de fuego para la banda. También dice que en ese festival tocaron Los Violadores y los Abuelos de la nada, inclusive hay imágenes en la cobertura que realizó la Revista Pelo y una enorme cantidad de testimonios, donde músicos de esas bandas aseguran haber tocado. Sin embargo, Lorenzo contradice esas versiones, explicando que a pesar de haber estado anunciadas las bandas, ellas no tocaron. “Yo estaba ahí, fui productor y conductor del festival”, dice Carner. Y agrega:

“Sumo generaba envidia, las bandas ensayaban años y años para tocar un par de
veces por año, nadie entendía como una banda nueva con un puñado de ensayos pudieron
tocar en un festival realizado en un estadio de fútbol, ir de gira por el interior del país y hasta tener un patrocinador que los bancara, el sueño de muchos a pesar de que otras bandas o personajes del ambiente me puteaban por “comerciante”.

Juan Carlos Carner

Quizás Carner trae un poco más de realidad. La historia oficial nos divinizó algo que realmente no supimos bien por qué sucedió. Sumo era mucho laburo. Con su respectivo reviente, por supuesto. Ahí comienza el ascenso. Porque todo lo novedoso y raro que empieza a subir despierta sensaciones cruzadas. Sumo era un embrollo, una confusión, un lío. El despegue trajo su ruido. Al respecto, Carner expresa: “Sumo generaba admiración y envidia, nadie criticaba a Luca, pero rechazaban a Steffanie por ser mujer, a Germán lo criticaban porque no era buen guitarrista además de tocar de espalda al público por su miedo escénico y Sokol zafaba como bajista. También hay que aclarar que salvo los amigotes del barrio que entraban gratis y se chupaban el alcohol de Luca, el público eran músicos que venían a ver un verdadero “punk inglés”, no la versión acicalada de los Violadores, venían a ver un cantante que cantaba con las tripas, que sentía y transmitía “algo” arriba del escenario.”

Hacía tanto calor en Estudiantes que ese día Stephanie eligió unos shorts muy cortos para tocar. ¡Los ingleses no están acostumbrados a cagarse de calor! Y claro, se ganó el rechazo de un estimable grupo de metaleros que le gritaban nada más y nada menos que: ¡PUTA! La masculinidad débil del rockero no se bancaba que una mina toque la batería más fuerte que un hombre. Es que la recaudadora de impuestos londinense le pegaba tan duro a los tachos que hasta el baterista de los Orions se sonrojaba.

De la historia oficial también aprendimos los problemas que Sumo tuvo por tener canciones en inglés. ¿Nunca se preguntaron porque las canciones en castellano llegan a ser , hasta cierto punto, banales y simples? A diferencia de eso, en las letras de Luca en inglés encontramos poesía, historias complejas y autocríticas profundas. Sobre todo, en la primera etapa. Sin embargo, en el primer año, para Sumo fue un problema sus canciones en inglés.

“Era un prejuicio, al comienzo del conflicto de Malvinas, toda la comunidad británica de Hurlingham vivían paranoicos, la madre de Timmy puso en venta la mansión estilo inglés y se fue a vivir a Uruguay como muchos otros vecinos y socios del Hurlingham Club. En algunos lugares como el pub de Castelar o Caroline de Palomar, era un problema para Sumo tocar y cantar en inglés. En Ciudad Jardín del Palomar el público en general eran hijos de militares.”

La primera etapa de Sumo se termina a los pocos meses de su nacimiento. Esa primera etapa
que se inició en octubre del 81 en el patio de la casona de Hurlingham termina en el mismo
lugar, el 12 de abril de 1982, sí, diez días después del inicio de la guerra de Malvinas, cuando
la frustración por tener que despedir a Stephanie Nuttal se digiere con asado y vino. Sumo
estaba tocando casi todos los días y ¡por culpa de Galtieri y la Thatcher el rock argentino se
perdió de una gran baterista!

Por ahí recibirán un mensaje desde un bar nocturno. La segunda etapa se inaugura con el
ingreso de Diego Arnedo, el más músico de todos, a tocar el bajo y Alejandro pasa a ocuparse
de la batería. La entrada de Diego al grupo fue una transformación rotunda: se convierte en el
corazón de Sumo, el que bombea la sangre al resto del cuerpo en cada toque de cuerdas.
También se suma un periodista que firmaba sus notas en el Expreso Imaginario como Leon
Melkiades que, paradójicamente, en su crónica por los 50 shows de Sumo, aparece una foto
de la banda dónde él aparece como parte de la misma. Pero en ningún momento el periodista
relata en su nota que forma parte. La escisión entre músico y periodista. Si, León Melkiades
era el seudónimo Roberto Pettinato.

En ese salto de calidad que da la banda, se sigue profundizando en el trabajo que se venía haciendo desde enero del 82. Lo que después fue Corpiños en la madrugada, el demo del que se hicieron 200 copias y se vendía en los shows que daban en los pubs. Quiero dinero. Sí. A Luca le importaba la plata. Como a cualquier persona que quiera sostener su vida material. Quizás la vida material de Luca era acotada: comida, alcohol, algún que otro artilugio. Pero lejos de esa idea romántica de colocar al artista como un ajeno a todo lo vinculado a lo material, todos los trabajadores, hasta los que hacen música, quieren su paga correspondiente por lo realizado. Y en el marco del crecimiento de Sumo, cuando comienzan los recitales en los circuitos de bares, había que juntar el mango. Por eso tantos proyectos artísticos. Sumo, Sumito, Ojos de terciopelo y hasta la Hurlingham Reggae Band. De ahí surge ¡Quiero dinero! La canción donde Luca les grita a Chaban, Helmut, Sergio Aistein (dueños del Café Einstein) que quería más guita para tocar. ¿Un chiste? Freud dice que los chistes son manifestaciones del inconsciente. Y también dice que el arte, como una canción, es una forma de sublimación donde el artista convierte sus fantasías en algo material. Carner cuenta que en esa primera edición de 200 casetes, Luca también lo nombra a él, pero parece que alguna mano amiga (o no tan amiga) borró esa parte al publicar la segunda edición. Eran épocas de poner en valor lo que hacía y tratar de poder vivir de la música.

Muchos de nosotros somos perdedores hermosos. Existen voces que dicen que Sumo plantó la semilla para el rock chabón de los noventa. Significados y significantes en etapas diferentes, porque los ochenta no son lo mismo que los noventa. No es lo mismo la primavera democrática, de la que tanta esperanza se tenía y tanta libertad parecía respirarse que la libertad de mercado de los noventa, la reina de todas las libertades. Con respecto al público de Sumo, Carner dice:

“Por otro lado, Sumo era una banda “media concheta”, no le gustaba a los rockeros
cuadrados. Su público eran los que seguían a Virus, Alphonso S’entrega, Diana Nylon, la
primera época de los Redondos, las Babyscuits, los Twuits, los Abuelos y otros. Mi estrategia fue mostrarlos en ese segmento, tenía claro que los rockeros y los metaleros no eran su público objetivo, no iban a los pubs porque no tenían un mango. El ambiente era el de los “premis” de Gurú Maharashi, gente loca con OSDE, que pagaban la entrada en los pub’s y consumían sin discutir.”

Es que las clases populares todavía no habían llegado al rock. Para eso faltaban un par de
años, algunas privatizaciones, otros tantos cierres de fábricas y algún que otro asesinato en
manos de la policía.

Las mejores fuentes expresivas de esa primera etapa que se cierra cuando ingresan Ricardo
Mollo a tocar la guitarra, Alberto Troglio en la batería, en reemplazo de Sokol, y cuando los
pubs porteños empezaban a quedar chicos, quizás sean las grabaciones que se publicaron en
los discos Perdedores hermosos y Time fate love. La etapa de la insospechada creatividad no
es que acaba. Se regenera. La etapa de desarrollo de Sumo comienza.

Source

Por Juan Boldini

Es el 30 de octubre del año 2001, Maradona está vivo y cumple 41 años. Hace un mes y medio fue el atentado a las Torres Gemelas y en un mes y medio la Argentina será un país en llamas. En un bar de Palermo Viejo, los tres líderes de la banda más convocante del país se reúnen con tres periodistas de la revista de rock La García para promocionar un recital planeado para el 8 de diciembre en el estadio de Unión de Santa Fe. El recital nunca sucederá, y la banda nunca volverá a existir.

Este verano leí el libro La última noche de Patricio Rey (Gourmet Musical, 2021). El libro recoge la última entrevista que Skay, Poli y el Indio dieron juntos, veinte años atrás. Después de leerlo creo haber encontrado la respuesta a la última pregunta de la mitología ricotera: ¿por qué se separaron?

Una noche de cristal que se hace añicos

Hubo un tiempo en que toda la información que circulaba sobre Patricio Rey y sus redonditos de ricota era cercana al mito o a la leyenda de transmisión oral. La banda cultivaba el hermetismo y, al ser independientes, nadie los obligaba a dar notas. La información casi no estaba digitalizada y no había medios como las redes en las que pudiera fluir y multiplicarse. No había libros, sólo alguna entrevista perdida llena de frases crípticas. La poética de la banda también alimentaba el misterio. Entender a qué se refería cada canción ya implicaba muchas conversaciones y nunca había una única respuesta. Ésa es la banda de la que me enamoré.

Más de veinte años después de su separación la situación es muy distinta. Hay al menos diez libros sobre el fenómeno ricotero y todo el que estuvo cerca pareciera tener algo para contar. El mito requiere un poco de oscuridad y, a mi gusto, tanto echar luz sobre los hechos puede terminar rompiendo el objeto de adoración. 

Por ejemplo, uno de tantos mitos decía que Patricio Rey era la entidad que surgía cuando todos los integrantes de la banda se reunían a tocar. Hace poco unos refutadores de leyendas descubrieron que hubo una persona a la que se refería el nombre, un artesano de Salta, aparentemente un ser muy particular. Me costó aceptarlo. ¿Cómo cambiar un mito tan potente y poético por una anécdota intrascendente? ¿Por qué los protagonistas cedieron en su hermetismo? En un punto, me siento un niño que quiere seguir creyendo en los reyes magos.

El último de esos mitos fue la separación de la banda. No se sabía nada, ni los motivos, ni las circunstancias. De hecho, tomó estado público mucho tiempo después de que sucediera. El recital de Santa Fe se pospuso por la crisis nacional. Luego se anunció un año sabático. Y finalmente el hasta luego se convirtió en un hasta nunca.

Tic-tac efímero

El libro no es más ni menos que la desgrabación minuciosa de la última cena en la que Poli, Skay y el Indio se autopercibieron amigos. La última encarnación de Patricio Rey. Su duración es la que se corresponde con tres horas y doce minutos de audio grabados en cassettes TDK. Cada tanto, un párrafo queda inconcluso porque se acabó la cinta y los periodistas tardaron en dar vuelta el cassette.

Sabemos que ésa fue la última reunión por las pequeñas infidencias que se fueron filtrando y acrecentando la distancia entre los protagonistas. En una entrevista, en 2009, Skay sugirió que el Indio se había querido adueñar del proyecto. En seguida Solari salió al crucé con un texto que explicaba que el motivo del conflicto había sido la custodia de los videos de los recitales de Racing, Huracán y River. Personalmente nunca me pareció un motivo suficiente para cortar veinticinco años de colaboración. 

En dicho texto, el Indio ubica la discusión que dinamitó todo un rato después de la entrevista: “La noche definitiva (un rato antes estábamos en un bar hablando con un cronista sobre un próximo show) me puse firme en mi requerimiento y esa actitud desembocó (ante la negativa) en el rompimiento de la sociedad artística”.

Pasó el tiempo y en 2019 el Indio lanzó sus memorias, Recuerdos que mienten un poco. En un pasaje del libro, Solari cuenta cómo terminó aquella noche. Al parecer, luego del bar fueron hasta la casa de Poli y Skay en Palermo. Allí el Indio sacó el tema de los videos y eso disparó un desencuentro del que nunca volverían.

“Puede que la embriaguez haya tenido que ver, estábamos medio picoteados…” dice Solari. “Lo único que sé es que seguimos gritando hasta que Skay se fue a la mierda, porque no le gustan las situaciones tensas. No recuerdo si al final dije ‘esto se acabó acá‘, pero me subí al coche -el chofer que me esperaba afuera, se había dormido ya- y volví a casa”.

Las despedidas son esos dolores dulces

El libro no satisface el morbo de ver a los tres amigos peleando. Se ríen, conversan. Poli le indica a los periodistas que no incluyan una frase del Indio que puede ser malinterpretada. Se quieren. Como buen registro detallado, está lleno de detalles intrascendentes. Los cuales recién cobran sentido vistos desde el presente.

Para el detective ricotero, las pistas están por todos lados. Está la verborragia avasalladora del Indio. Sus participaciones duran diez veces más que la de sus compañeros de ruta, más breves y lacónicos. Están los pequeños detalles en los que no coinciden. Ya sea respecto de Cuba (a la cual el Indio analiza a fondo sin haberla pisado) o la utilización de los sampler. Hay también revelaciones un poco más sustanciales, el Indio ya no ensaya con la banda. Compone a solas en Luzbola, el estudio que tiene instalado en su casa, luego le pasa los temas a Skay y éste ensaya con el resto de los músicos. Ese día aparentemente le había acercado seis borradores de posibles canciones.

La entrevista cruda, a diferencia de lo que se publicaba en las revistas, no está llena de frases oscuras y profundas. Mérito de los entrevistadores, vemos a tres personas de cincuenta y algo de años hablando por hablar. De la actualidad, del mundial 2002, de la nada. Es como despertarse en medio de la madrugada del seis de enero y encontrarse con tu viejo medio dormido y en calzoncillos vaciando el plato de pasto para los camellos.

No hay peleas, ni discusiones que sacien expectativas sensacionalistas. Sólo no fluyen, están desgastados. El mundo está cambiando de modo irrevocable, la Argentina se acerca a un nuevo precipicio y a ellos se los nota un poco grandes, borrachos y cansados.

En palabras que el Indio pronunció esa noche: “la gente proyecta un montón de cariño, de amor, de virtudes y de cosas de las que uno no puede hacerse cargo”.

Son pájaros de la noche, que oímos cantar y nunca vemos

La respuesta que da el libro a ¿por qué se separaron? es, entonces, maravillosa. Es cotidiana y esquiva como una letra del Indio. Nada en la reunión hace anticipar la tragedia y sin embargo sucede.

Parte de un flashback casual, inesperado y capital. Un testimonio de las horas previas a una discusión que fue trascendente, si bien no lo fueron sus motivos. La entrevista en sí no explica, ni aclara, ni demuestra, sólo deja ver las sombras de lo que ya no está. Para el ricotero amoroso, la lectura ofrece los rastros de una ausencia. Probablemente la banda ya se había terminado, solo que no lo sabían. 

Una vez separados sus caminos se bifurcan, confirmando que ya apuntaban hacia horizontes distintos. El Indio produjo una obra solista parecida a la última etapa de los Redondos y se hizo cargo de la masividad abrumadora de su convocatoria. Mientras Skay cultivó el perfil bajo del artista independiente (y no tan masivo) que fuera el sello de los comienzos de la banda. Sus recitales no cierran con Jijiji y, cuando interpreta el mítico tema, ni siquiera canta la letra completa.

En 2002 Skay sacó su primer disco solista y entre tantas cosas dejó una frase (menos beligerante que las posteriores) sobre su relación: “Con el Indio nos debemos, al menos, un par de canciones. Lo que no sé es cuándo, ni cómo, ni dónde”. 

En el 2005 el Indio hizo su presentación solista en dos fechas en el estadio Único de La Plata. Yo fui el domingo. Había anunciado un invitado sorpresa y todos esperábamos, como niñxs ingenuos, a Skay. La espera continuó infinitamente hasta diluirse. 

Hace unos días el Indio anunció que no se volverá a subir a un escenario. Desde entonces sabemos (con ese horrible nivel de certeza que da el paso del tiempo y la mortalidad) que Patricio Rey no reencarnará.

Siempre tengo a mi lado a mi dios

El documental Las estatuas también mueren (1963, Chris Marker y Alain Resnais), retrata cómo los objetos rituales africanos mueren cuando se convierten en piezas de un museo europeo. Si al mito se le arrebata su posibilidad de dar cuenta de la realidad de un modo no lógico, deja de ser algo vivo y se vuelve sólo un objeto de estudio de la razón científica. Éste es el último secuestro al que se enfrentará el mito ricotero.

La última postal de aquella noche del 2001 no es una imagen, apenas el relato de una imagen. Los tres periodistas se despiden, también borrachos, felices de semejante honor e ingenuos respecto del futuro. Los miembros de la banda toman una dirección y ellos otra. Se quedan un rato contemplando a sus ídolos irse. Skay, Poli y el Indio van abrazados. El Indio, en el medio, rodea con sus brazos a los otros dos. Son tiempos en que los celulares sólo sirven para hablar por teléfono, así que los periodistas apenas guardan un recuerdo mental de semejante escena. Tal vez es mejor así, dicen. De nuevo, gana el mito.

Source

Por Juan Stanisci

Leer es un engaño.
Alguien habla en otra habitación. Suena el teléfono. Un pájaro pasa volando por la ventana. El viento mueve las ramas de un árbol. Un auto transita la calle tocando bocina. La escritura tiene la incapacidad de lograr que estos eventos sucedan a la vez. Todo siempre se vuelve lineal, cronológico. William Burroughs intentó destruir la linealidad en la literatura a través del cut-up –luego de escribir cortaba cada oración en un papel, las mezclaba y volvía a juntarlas-. “Así, cuando se mira la ventana alrededor del cuarto, cuando se anda por la calle, la conciencia es entrecortada por hechos aleatorios. La vida es un Cut up. Cut ups están más cerca de los hechos de la percepción humana de lo que, digamos, la narrativa. La narrativa directa, algo lineal”, creía Burroughs. David Bowie llevó esa técnica a la música, varios de sus discos están hechos a través del cut-up. Concebía la realidad como una serie de eventos aleatorios y desordenados.

Eso refleja el documental de Brett Morgen Moonage Daydream. La película no busca hacer una biografía de Bowie. No tiene fechas, tapas de discos, opiniones, anécdotas ni referencias claras a cuando sucede cada cosa. Es una concatenación de imágenes del cantante inglés, entrevistas, fragmentos de recitales, mezclada con pedazos de películas, que pueden haber influenciado al músico, escenas que representan el universo o caras de personas que aparecen en mayor o menor medida en su discografía. Sucede todo junto y al mismo tiempo. Son dos horas y veinte de frenesí. Ciento cuarenta minutos al palo, cabalgando sobre las múltiples personalidades de David Bowie.

¿Te gustan los chicos o las chicas? Es confuso en estos días.

• Esta fue una de las mejores giras de nuestra vida. Quiero agradecer a la banda. Quiero agradecer a nuestro equipo de gira. De todos los recitales en esta gira, este en particular lo recordaremos por mucho tiempo. Porque no es solo el último recital de la gira. Es el último recital que vamos a hacer.

El tres de julio de 1973 David Bowie llevó al engaño en la música a uno de sus puntos más altos. Sobre el final del último recital de la gira anunció que no tocarían más. Los gritos del público después del anuncio se parecieron más a una súplica que a una ovación. Al día siguiente los diarios hablaron del retiro de Bowie. Tenía 26 años.Lo que no sabían el público ni la prensa, es que Bowie no se refería a su retiro. Estaba matando, frente a miles, a su personaje más celebre: Ziggy Stardust.

Un año y un día antes, Bowie había golpeado las estructuras de la cultura inglesa. Su presentación en el programa Top of the pops fue vista por un cuarto de la población de Inglaterra. El pelo naranja como una señora de cincuenta años, una guitarra azul y vestido con un mono, verde naranja y azul y unas botas rojas hasta la mitad de la pierna. En el coro abrazaba sensualmente a Mick Ronson, el guitarrista de la banda. Fue la presentación en público de ese tal Ziggy Stardust. “Las preguntas aparecen ¿Qué es él? ¿De dónde vino? ¿Es una criatura de un poder externo? ¿Es un raro? ¿Es peligroso? ¿Es inteligente? ¿Tonto? ¿Bueno con sus padres? ¿Es real? ¿Está loco? ¿Hombre? ¿Mujer? ¿Robot? ¿Qué es esto?”, se pregunta un periodista de la época en el comienzo de Moonage Daydream.

Bowie se declaraba abiertamente bisexual en una época que no estaba preparada para eso. Eran los años que forjaron el ascenso de Margaret Thatcher. Cuando hablaba de sus relaciones personales, nunca hacía referencia al género de la otra persona. Incluso antes de la explosión popular de Ziggy, Bowie aparecía en sus videos o en las tapas de sus discos vestido de mujer. No vestido como una mujer. Vestido de mujer. Sus rasgos le permitían jugar con la androginia. Y así romper con la heteronorma de su época. No solo mostró que los hombres podían usar plataformas o maquillarse. Le hablaba a un sector de la juventud que no era escuchado. Los raros. Cincuenta años después se puede caer en el error de creer que su música está destinada a un público culto e intelectual. Pero a principios de los setenta era profundamente popular. Sus discos eran comprados por los hijos e hijas de la clase trabajadora. “Millones de mini-Hamlets retraídos que vivían su propio infierno sin amor en todo tipo de aldeas, pueblos y ciudades oyeron esas palabras y quedaron atónitos”, escribió el filósofo Simon Critchley en su libro Bowie. Critchley fue uno de esos adolescentes descontentos con el mundo que los rodeaba, que sintió como Bowie le hablaba a él.

“Bowie/Ziggy recalibró la sexualidad de un modo disoluto pero destilado, decididamente atrevido, pero lleno de refinamiento”, describe Critchley. No solo acompañaba a quienes sentían que nadie los miraba, sino también mostraba un mundo no binario. Una forma de ser por fuera de las etiquetas y los rótulos que la sociedad inglesa tenía listo para pegar en la frente de las personas. La mayoría de las entrevistas de la época tocaban el tema de su bisexualidad. Lo acusaban incluso de pedante por declarar que le gustaban hombres y mujeres. Hay una de ellas donde el entrevistador intentó llevarlo hacia ese lugar durante todo el reportaje. “Those are men shoes or women shoes? (¿Esos son zapatos de hombre o zapatos de mujer?)”, pregunta el periodista en un momento. Bowie le sonríe y mira hacia abajo. “They are shoe shoes, silly (son zapatos de pies, bobo)”, responde con una sonrisa juguetona.

Bienvenido a la realidad

Brett Morgan plasmó en Moonage Daydream el pensamiento de David Bowie. A través de las entrevistas logró captar las mutaciones que fue a experimentando con el correr del tiempo -normalmente de manera frenética, año tras año-, en sus ideas sobre el arte, la espiritualidad, el rock, la música o la relación con su público.  Su percepción del mundo varía, incluso hasta la contradicción, a medida que el documental transcurre. Pero Morgan no buscó la linealidad, ya que esto iría contra la propia concepción de Bowie del arte. O de la realidad. O de las dos cosas. Morgan rompe canciones, fragmenta entrevistas, juega con la idea alienígena que orbita alrededor de Bowie.

Durante el éxito de Ziggy Stardust en 1972, Bowie pensó en llevar la historia al teatro. La realización tenía ciertos problemas, como el hecho de tener que representar “agujeros negros” o “infinitos”. Pero además, la búsqueda narrativa de Bowie complejizaba más su realización. “Estaría bien que los personajes y los actores aprendieran todas las escenas y las barajáramos en un sombrero en el momento de la actuación y las interpretáramos como el azar decidiera ese día”, comentó en una entrevista junto a William Burroughs en esos años.

Después del asesinato público de Ziggy Stardust, Bowie siguió creando personajes. Algunos trascendieron las canciones y se apoderaron del escenario, como Aladdin Sane o el Duque blanco. Otros habitaban algunos temas para no volver a aparecer. Quizás el personaje más extraño creado por Bowie fue uno que no tenía nombre. Incluso fue el que más se confundió con el propio músico: el Bowie modelo ochentas. Rubio, impecable y con ganas de simplificar sus canciones. Optimista y simpático en las entrevistas. Cansado seguramente de tanta búsqueda. Tratando de buscar un lugar donde acomodarse, hacer recitales para cientos de miles de personas y giras mundiales. El Bowie más antibowie de todos. Al que, años más tarde, también se encargaría de asesinar.

Cinco años tardó Morgen en realizar el documental. Con un infarto en el medio. Su objetivo, creo que cumplido, no fue abarcar la vida entera de Bowie, sino realizar su propio recorte. Fragmentar y destruir la realidad mundana a través del músico. Intentar meter, aun con las limitaciones que el cine tiene en este sentido, todo junto y al mismo tiempo. Y que eso tenga una idea narrativa detrás. Agarrarse a trompadas con Cronos. Mostrar al ser de las mil caras de la forma más directa posible.

¿Dónde ver?

El documental puede ser visto en CineMark Palermo, y de forma rotativa puede aparecer en otros cines. Todavía no hay fecha para su estreno en plataformas streamings. Recomendación: Este finde largo, incluilo en los planes

Source

Respecto a las detenciones arbitrarias, la ONG Cristosal, reportó que el perfil de los detenidos son principalmente jóvenes, de 18 a 30 años, trabajadores del sector servicio. Se trata en muchos casos del principal proveedor económico del hogar y el portar tatuajes les vuelve directamente sospechosos.

Por Gerson Vichez/ Fotos Gerson Najera *

“El presidente amante del freestyle”. Ese era el título de la nota que tuiteó el 10 de marzo de 2019 el director de Reconstrucción del Tejido Social, Carlos Marroquín, mejor conocido como Slipt, nombre que usaba como grafitero y rapero. La publicación de The Urban Roosters –una famosa plataforma de freestyle– detallaba que Nayib Bukele “promueve el freestyle como método para que los jóvenes no caigan en malos hábitos”. Tres años después, al menos tres artistas de freestyle (rap improvisado) han sido detenidos durante el régimen de excepción: Diktx, Visionario y Anormal. Los tres son padres de familia. Los tres provienen de familias pobres. Los tres residían al occidente del país. Los tres vivían de hacer rap improvisado en los autobuses. 

Guadalupe y Vanesa distan un par de décadas en edad entre sí, pero ambas muestran afiches, videos y fotografías de Diktx. Cada una habla sobre el talento de este joven para el rap improvisado. Cuentan sobre sus presentaciones en Santa Ana y Sonsonate, también narran las batallas de freestyle en las que ha participado. Cualquiera pensaría que son dos fans del rapero, pero en realidad Guadalupe es la madre de Diktx y Vanesa la esposa. Desde el 18 de abril, Diktx, cuyo nombre de pila es Bennett Ruano, fue detenido por la policía en el marco del régimen de excepción. Desde ese momento, su madre y su esposa buscan desesperadas una respuesta sobre su paradero. 

“Nosotros no nos oponemos al régimen (de excepción), porque para nosotros sería lo mejor poder ir a cualquier lugar, pero sí nos duele que agarren a personas inocentes y que no se les pueda defender”, dice Guadalupe, mientras muestra la documentación que ha recogido para demostrar la inocencia de su hijo.

En sus manos lleva: una solvencia de la policía que detalla que Bennett no posee antecedentes penales, varias hojas de firmas de personas que dan fe de que su hijo es un joven trabajador, también la impresión de capturas de pantalla de un video donde Bennett está rapeando en un autobús (como constancia laboral) y afiches de las presentaciones del rapero, entre estas, en la Latin American Bitcoin & Blockchain Conference (Labitconf) y otra en la sede del partido Nuevas Ideas en el municipio de Sonsonate.

El régimen de excepción en El Salvador lleva dos meses y fue renovado el pasado 26 de mayo para un mes más por la Asamblea Legislativa de mayoría oficialista. El régimen suspende los derechos de asociación y reunión, también la defensa en caso de detención. Además, permite la detención administrativa por quince días, cuando el plazo normal es de un máximo de tres días. El origen de esta medida fueron los 87 asesinatos ocurridos entre el 25 y 27 de marzo de 2022. De acuerdo a una investigación del periódico El Faro, esa ola de homicidios fue consecuencia del rompimiento de las negociaciones que mantuvieron el gobierno de Nayib Bukele y las pandillas durante los últimos dos años y medio. Esto lo confirmaron con audios de un funcionario público: Carlos Marroquín.

Otto Flores, abogado de Los Siempre Sospechosos de Todo, una organización que trabaja para prevenir el abuso policial y de la Fuerza Armada, señala que la acción penal que se está ejerciendo durante este régimen se basa en elementos subjetivos por parte de la policía: antecedentes penales, desavenencias personales o discrepancia con la personalidad o el oficio de una persona, como en el caso de los miembros de la comunidad hip hop. 

“Existe una criminalización de la personalidad, cosa que va contraria a la Constitución y al derecho procesal penal, porque claramente se establece que este juzga actos, no personalidades, no formas de vestir, no actitudes”, explica Flores, y agrega: “También existe una estigmatización basada en la aporofobia, es decir, el hecho de que una persona porque vive en una zona marginal o considerada zona roja ya la hace sospechosa como tal”.

Desde la detención de Bennett, su madre y su esposa dedican parte de su tiempo a la búsqueda de información sobre su proceso. “Yo he ido a varios lugares, a la Fiscalía, a la Procuraduría, me he ido a meter hasta la Asamblea y ya no sé dónde más ir para que me ayuden. Mi hijo no es un delincuente, él nunca había estado preso, ni siquiera por pleitos. Mi hijo es inocente”, asegura Guadalupe. 

Bennett tiene 27 años y es padre de una niña de dos años. “Él es el apoyo de nosotros, yo solamente trabajo dos días en una casa (como empleada doméstica) y el resto del tiempo él me ayuda con mi comida y mis cosas. Igualmente, él mantiene el hogar de su esposa y su hija y cuando estoy ahí, él ve hasta por mis medicinas”, cuenta la madre.

Guadalupe relata que de pequeño Bennett quería ser arquitecto, “pero yo soy madre soltera y hasta noveno grado pude darle”, agregó. También cuenta que desde niño su hijo mostró interés por la música y que en los últimos años él escribía, grababa y editaba sus propias canciones, que pueden encontrarse en su canal de YouTube y en su página en Facebook.  

En una de esas canciones, “Último intento”, comparte créditos con Anormal, y en uno de sus versos dice: “Todos tenemos sueños de pequeños. Aquí no hay paz, aquí hay guerra, aquí hay traiciones de la gente que uno no espera.” Anormal, Carlos Figueroa, era compañero de Bennett cuando subía a improvisar a los buses. También fue detenido el 18 de abril.

Carlos Figueroa tiene 24 años de edad, una década como artista y una hija de seis meses de edad. Su pareja, Jenniffer, dice que Carlos le habló por última vez para preguntarle si quería pollo para el almuerzo, ya que estaba en el comedor del mercadito El Ángel, en Sonsonate, junto a Bennett, quien también compraba comida para su esposa e hija. Después ya no respondió sus llamadas. Luego, supo que Carlos había sido detenido por la policía. 

Cuando Jennifer llegó a la delegación, vio a Carlos golpeado y no le quisieron dar ningún dato sobre él. Horas más tarde, la madre de Bennett también llegó a la delegación y le entregaron las pertenencias de su hijo, junto a los dos platos de comida que había comprado para su esposa e hija. Ambos jóvenes habían sido trasladados al Centro Penal “La Esperanza”, mejor conocido como Mariona, sin derecho a defensa. 

Carlos tenía un año trabajando en los buses, haciendo freestyle junto a otros artistas de la zona. El día de su detención, él y Bennett portaban un carnet que les acreditaba como artistas y como trabajadores con permiso para brindar su show en las unidades del transporte colectivo. 

Cuatro días después de las detenciones de Bennett y Carlos, el 22 de abril,  fue apresado René Linares, Visionario, quien también es parte de la escena de hip hop del occidente del país, pero en la ciudad de Santa Ana. René es reconocido como uno de los pioneros de su generación en el rap y el freestyle. También es padre de una niña de 11 años. Su madre tiene un puesto de pupusas y su padre es ayudante de carpintero. La mitad de lo que ganaba a diario cantando en los buses, lo entregaba a su mamá para los gastos de la casa. Si en una jornada lograba $10, cinco eran para su familia.

Un día, René le contó a su mamá que tendría empleo, que por fin podría aportar una cantidad fija a la casa y ayudar más a su hija. “Le iban a dar empleo como encargado de la limpieza en el Seguro Social de Metapán. Entonces debía presentar todos sus documentos. Aquí en Santa Ana sacó sus antecedentes y aquí tengo el documento donde dice que no posee antecedentes penales”, recuerda Christian, su hermano, mientras muestra los documentos.

René le pidió a su mamá que lo acompañara a San Salvador para solicitar su solvencia de la policía. Para su sorpresa, al tramitarla en el lugar, lo detuvieron. “Lo agarraron, no mediaron palabras con mi mamá, y lo llevaron a la delegación de La Tiendona”, narra Christian. 

“Mi mamá me contó llorando que mi hermano estaba contento porque al fin iba a tener un trabajo formal con el que le iba a poder ayudar, tener fechas para pagar las cosas, no andar afligido en la rebusca –como le llaman ellos a salir a cantar en los buses– él estaba ilusionado con el trabajo que iba a tener”, añade el hermano de René.

“En un momento el gobierno dijo que nos apoyaría en nuestros proyectos para que los jóvenes no recurrieran a malos pasos, pero es triste que nos tachen como delincuentes, como vagos, como personas que no buscan un futuro. ¡Claro que buscamos un futuro! Aunque acá en el país es difícil, ya que la música que hacemos no es tan apoyada”, afirma un amigo de Bennett que también es artista de rap, Danny Crespín, conocido en la escena de hip hop como Dxnny. 

Para uno de los veteranos del rap en la zona occidental del país, Marvin Carpio, cuyo nombre de rapero es Artillero, “más que régimen de excepción, es un plan de más abuso de poder desde el sistema, ya sean policías o militares”. Él considera que esta medida afecta a todos los artistas urbanos, “porque por el simple hecho de ser joven y andar tatuajes o representar música que no sea del agrado de ellos, es razón suficiente para ser detenido”, subraya.

Marvin cree que todos los acusados tienen derecho a un debido proceso y que si ahí se comprueba que son culpables, deben pagar por sus delitos. Dice que desde la comunidad hip hop, eso es lo que se pide para los artistas detenidos. “Sus familiares tienen derecho a saber dónde están, de qué se les acusa y cómo va su proceso, es lo mínimo”, concluye. 

Con el paso de los días, el teléfono de Guadalupe dejó de recibir llamadas. Al marcarlo, no enlaza llamadas, como si el número no existiera. La razón: alrededor del penal de Mariona no hay señal para teléfonos celulares y Guadalupe es una de las centenares de madres que pasó días y semanas enteras esperando algún dato sobre su hijo, durmiendo por la noches a la intemperie. Comiendo unos días sí y otros no. Eso, antes de que la policía y el Ejército las desalojara el 24 de mayo

* Esta nota fue publicada originalmente en Revista Factum medio de investigación en El Salvador

Source

Por Gabriel Casas / Foto: Delio Valdez oficial

Mi amiga Nuria, a la que conozco hace más de 25 años, una noche hace dos años me hizo escuchar a la Delio Valdez. Enseguida me encantó. Y bailamos su música cada vez que podemos desconectarnos. Cuando dejamos de hacer equilibrio.

Me mostró los videos de muchos recitales de la Delio tanto acá en la Argentina, como en diferentes países. Cumbia colombiana. De la buena. Un grupo con muchxs integrantes, que funcionan como piezas de un mismo reloj. Y con una Ivonne a la que le había perdido el rastro tras su paso por Bandana.

Siempre me gustó la cumbia. Las Palmeras, La Mona, Leo Mattioli, Gilda, Damas Gratis, Karina la Princesita, etc. Voy seguido a un bar en el que no ponen cumbia, ni cuarteto. Y me encanta la música que pasan ahí de rock y pop nacional e internacional. Sin embargo, la cumbia me tira. No es como a muchxs, que solamente se enloquecen cuando la pasan en los casamientos o en los cumpleaños. La bailo adónde sea. Y es un estilo sencillo de bailar.

Pero volvamos a la Delio porque este sábado llegué a Obras media hora antes a buscar mi acreditación. Tone, la encargada, me preguntó si prefería platea o campo. Sin dudarlo le respondí que campo. Es que además de tener que escribir esta nota, tenía que sentir la esencia en el lugar popular, bailando a la par de todas y todos. Tres personas que conocí ahí, me encendieron, y me entregué a la fiesta.

Apenas empezó el recital, me di cuenta de que las diez mil personas que bailaban ahí conmigo sabían las letras de todos los temas. Y se produjo el ida y vuelta con la banda.

La gran explosión fue en el tercer tema cuando apareció Ivonne. Volvió tras tener a su hijo, en esta última fecha de la gira de verano. Ella brilla. Su voz penetra todos los sentidos y le pone el cuerpo a cada letra y cada nota musical.

La Delio divide las apariciones de sus estrellas cada tres o cuatro temas. También de algunos invitados. Y así dejan que así vaya transcurriendo el show. La aparición de Black Méndez es el otro momento de éxtasis. Cuando sale y reparte flores al público. El único problema es el sonido. Cuando presentan los temas y explican lo que sienten de estar en un templo como es Obras, no se escucha bien. Y la multitud se lo hace saber a los gritos. Pero la música sí se escucha a la perfección y eso es lo que importa, después de todo.

En el final, la canción más esperada era “Inocente”, un himno del grupo a esta altura. Es como si hubiese sido hecha para Ivonne. Ella sabe cómo llevar a la gente al clímax. También con “Cumbia sobre el mar”, el otro emblemático.

Se encienden las luces y uno se va feliz. Cansado de bailar, pero también satisfecho de tanto disfrutar gracias a esta banda cooperativa que sabe cómo trabajar en equipo y animar las almas y los corazones.

Camino por la Avenida Libertador y pienso que ojalá, la próxima vez, lo pueda disfrutar con mi amiga Nuria.

Source

Por Pablo Flores / Fotos José Fabro

1981

La dictadura militar, patronal y clerical estaba empezando a cumplir con su objetivo: reconvertir la estructura social y económica del país por medio del secuestro, la tortura y la desaparición. Si bien los planes de la junta estaban pensados para ser aplicados durante largos años, la dictadura se tuvo que ir producto de la lucha de los organismos de DDHH -referenciadas en Madres y Abuelas de Plaza de Mayo-, los paros y las movilizaciones que impulsó la clase obrera desde mediados de año, que se inmortalizaron en las movilización Paz, Pan y Trabajo del 7 de noviembre – donde se escucha por primera vez el canto “se va a acabar, la dictadura militar”- y la primera marcha de la Resistencia del 9 de diciembre. El Golpe de gracia lo recibe una vez finalizada la guerra de Malvinas en junio del año siguiente.

Al país lo azotaba una feroz crisis económica que se expresaba en los altos niveles de inflación (100 % anual), la terrible devaluación de la moneda (casi el 400 %), la desocupación, la pobreza y la desindustrialización. Finaliza el 81’, y en ese contexto, el primer hecho político del rock del 1982 se da en el Oeste del conurbano bonaerense, más precisamente en Hurlingham: en el patio de una vieja casona hacen un ensayo para un público reducido a familiares y amigos, los Sumo. Sin embargo, el primer grito de furia hacia el exterior recién tuvo lugar en febrero.

José Fabbro fue una entre las quince o veinte personas que formaron parte del público en el primer show de Sumo en febrero de 1982, en Caroline’s Pub, una confitería sin escenario y con sillas, ubicada en el primer piso de una galería en frente de la plaza Güemes, entre las calles Boulevard San Martin y De los Aromos, Palomar. Por aquellos años, José era aficionado a la fotografía, tenía un laboratorio propio donde revelaba sus registros en blanco y negro. En aquél show asistió y pudo registrar algunas imágenes. Hace exactamente un año publicó las fotos de ese show gracias a un escaneo de los contactos, ya que los negativos nunca los pudo encontrar. 

 José es amigo de Germán Daffuncchio desde los 10 años, una amistad que surge en los boy scout. Por medio de Germán, conoce a Alejandro Sokol. Ese grupo de ansiosos construye la amistad en la casa de un entrañable personaje que Divididos retrató en su disco Vengo del placard de otro: Pepe Luis. Por otro lado, se vincula con Timmy Mckern (futuro manager de Sumo) desde lo laboral, ya que José tenía un taller de electrónica donde arreglaba artefactos y Timmy le acercaba todo tipo cosas para arreglar. Por medio de él conoce la historia de un tano que vino de Inglaterra a Córdoba escapando de la heroína, e iba a llegar a Hurlingham.

 El lazo entre José y Sumo se construye cuando el manager de la banda le propone ser una especie de asistente técnico de los equipos que utilizaban. Eso implicaba arreglarlos cuando se rompían y hasta el armado de equipos según los pedidos de Luca, ya que era el más experimentado en cuestiones de sonido. Entonces, sirviendo las veces de asistente, comienza a frecuentar los primeros ensayos en la mansión Mckern y luego en el sótano de Palomar (lugar que acobijó a Sumo y años más tarde al primer Divididos) hasta llegar a ser en el primer recital de Sumo asistente, público y fotógrafo, dada su afición.

 El 4 de febrero de 1982, Sumo decide llevar adelante su primera presentación en vivo en Caroline’s, con su primera formación histórica: Stephanie Nuttal en batería, Alejandro Sokol en bajo, German Daffuncchio en guitarra y Luca Prodan, en voz y guitarra acústica. En noches de represión al supuesto enemigo interno, los rockeros eran foco de abuso y persecución. Por aquellos años no había noche donde algún pelilargo caía tras las rejas por uso de estupefacientes, por no llevar DNI junto a sus ropas o simplemente, por portación de vestuario contrario a los valores cristianos y occidentales. A Sumo le tocó vivenciarlo una de esas noches en Carolines (han llegado a tocar dos o tres veces en el lugar), cuando personas de civil ingresaron al show, revisaron a las personas, las instalaciones del lugar (inclusive debajo de las mesas) y luego de hacer preguntas intimidatorias se retiraron y el show pudo comenzar.

 Lo sobresaliente de la noche fue la baterista inglesa, Stephanie Nuttal. Le pegaba a la batería con mucha fuerza. En su rostro de sufrimiento se notaba la energía de sus brazos. Pareciera que odiara a la batería. Lo que más llamó la atención de la baterista inglesa es su llanto y su cara de tristeza al pegarle a los parches.

 Según una foto de la lista del debut en Palomar, Sumo tocó trece canciones. De la misma se rescatan Regtest y Dividid by joy que luego formaran parte de los recitales de Sumo; las primeras versiones de Telephones/White trash y Breacking away, que se incluyeron en lo que fue el primer material oficial de Sumo, Corpiños en la madrugada, una casette que vendían en los recitales de Sumo del 83 y el 84; y otras canciones, también covers, cuyas versiones fueron incorporadas en el disco post mortem de Luca “Time, fate, love” y en otros compilados piratas que circulan en formato físico y por las redes.

 Sumo en el país de las banderitas y globos.

 Sumo nace en un contexto transicional para la historia, la política y la cultura de nuestro país. Cuando la dictadura estaba perdiendo poder por las luchas que se venían llevando adelante, aparece una propuesta artística diferente a lo que estaba ocurriendo en el rock local. Sumo nace en el lapso de tiempo en el que los cimientos de la dictadura militar estaban siendo cuestionados, pero aún podían hacerse de herramientas para poder seguir sosteniéndose en el poder: la guerra de Malvinas.

 Es conocida la historia de cómo la Guerra de Malvinas impacta directamente sobre Sumo. En primer lugar, al estallar el conflicto, la familia de Stephanie Nuttal le pide que vuelva a su país por miedo a que le ocurriera algo por su nacionalidad inglesa. Esto impulsa cambios en la banda original: Sokol agarra los parches y se produce un ingreso fundamental, el de Diego Arnedo en bajo, el corazón de Sumo. Por otro lado, Sumo era una banda que tenía casi la totalidad de sus canciones en inglés. Entonces, al estar prohibida la música en inglés, era hasta subversivo cantar canciones en el idioma del enemigo. José cuenta que una vez le pregunta a Luca por qué canta en inglés y Luca le decía que “le salía así”. ¿Qué futuro prometedor tenía una banda que cantaba en inglés en el medio de una guerra con Inglaterra?

 Banderitas y globos es una canción que compusieron Luca, Diego y Germán. Fue registrada en el primer disco Corpiños en la madrugada (1983) completamente en inglés. Luego fue incorporada en After Chabon (1987) pero con una versión en castellano. La canción vendría a ser un homenaje a ese tiempo político, donde a un gobierno una plaza lo cuestionaba al calor del “se va a acabar la dictadura militar” y a los dos días, cuando el ejército argentino ocupa Malvinas, una plaza “con banderitas y globos” vitoreaba la guerra. Lo que pasó al poco tiempo ya es sabido: después de 74 días de “vamos ganando” se firma la rendición en junio y se conocen los desastres de la guerra.

 Para graficar la situación, Fabbro cuenta una anécdota. Durante los 80’ tenía una novia que militaba en Partido Comunista Argentino. Para quienes no están ambientados en la historia de las organizaciones políticas, el PC es un partido del amplio abanico de la izquierda argentina, pero que se caracteriza por sus posicionamientos pragmáticos, tardíos, reformistas y hasta contradictorios.  Durante la dictadura, la novia de Fabbro llevaba adelante acciones clandestinas, de propaganda contra el gobierno. Pero el 2 de abril de 1982 el comité central de PC ordenó a su militancia a participar activamente de la movilización a plaza de mayo para apoyar a un gobierno por tener una conducta anti imperialista al invadir las islas. ¿Contradicciones? Bienvenidos al país de las banderitas y globos.

Tenemos cinco años, eso es todo lo que tenemos.

 Desde el primer show de Sumo en Caroline’s al último recital en la Cancha de los Andes en diciembre del 87’ pasaron cinco años. Casi seis. Fueron tres las formaciones conocidas: la del inicio y la transición con Nuttal en batería y Sokol en bajo; la del primer demo y los inicios en los circuitos del under con Sokol en batería, Arnedo en bajo y el ingreso de Pettinato para tocar el saxo; y, el último y clásico Sumo, el que incorpora a Ricardo Mollo como el guitarrista virtuoso y a Superman Troglio en batería por el éxodo espiritual de Sokol.

 En esos cinco años, nacieron con represión y patria financiera, se asentaron en la primavera democrática y ocuparon un espacio vacante en el rock argentino en el contexto del Plan Austral, presiones militares y condicionamientos económicos. La democracia estaba gateando y Sumo proponía hacerla caminar con post punk. Sumo fue la expresión de esos años. Tratar de entender a Sumo es acercarse a aquellos años desde otro lente.

 Cuando Luca llegó a Argentina y se asentó en las sierras de Córdoba comenzó a planear lo que después fue Sumo. En esos primeros ensayos tocaba Five years, una canción de David Bowie. La letra de la canción narra pasajes de situaciones en una ciudad caótica desde el ojo de personaje que sabe que dentro de cinco años este mundo ya no existirá. Incluso, describe el recuerdo de una madre (“y pensé en mamá y quería volver allí”). Luca contaba con una guitarra y con su voz cómo se sentía un exiliado por la heroína y la muerte. Luca contaba que tenía cinco años. ¿Cinco años para qué?

Source